TEMPORADA DE PATOS: Postales de una tarde cansina.

Es un domingo cualquiera en Ciudad de México. Dos adolescentes, Flama y Moko se preparan para disfrutar de un día tranquilo en casa de Flama, ya que su madre salió, dejándoles coca cola en la heladera y dinero para las pizzas. Todo parece demasiado perfecto. Sin embargo las cosas pueden (y van a) cambiar.
En medio de una reñida competencia de videojuego, la luz se corta. El pedido de la pizza se transforma entonces en una competencia en sí misma. Según la pizzería, si llega tarde es gratis. Los muchachos cronometran y el pedido para ellos llega con un once segundos de atraso, pero el joven del delivery no está de acuerdo y se instala dispuesto a cobrar. Para colmo se cuela en la cocina una insistente vecina (un par de años mayor que los chicos) decidida a hacerse una torta de cumpleaños.
Ahora son cuatro personas que recién se conocen, en un departamento sin luz, y el ambiente es de pocos amigos. ¿Qué más podría salir mal?
El director Fernando Eimbcke debuta en la dirección de largometrajes con esta cálida película ambiental. Filmada en un blanco y negro sin estridentes contrastes, con mucho sonido directo y prácticamente nada de música, Temporada de Patos dibuja un paisaje de situaciones y caracteres más que atrayente.
Si bien en un principio resultan algo molestos los planos alargados en el tiempo, una vez establecido el timing la trama simplemente discurre, dejando que los personajes mismos lleven las riendas de la acción.
Casi sin proponérselo, la narración va derivando de un registro tenso al principio, a uno más relajado. A medida que pasan las horas, los personajes interactúan de una manera más profunda unos con otros. Surgirán confesiones y revelaciones clave con la mayor naturalidad. Los pequeños dramas personales requieren de decisiones, y ese domingo más de un alma perdida encontrará el camino a seguir.
Hay que destacar que la cuidadosa fotografía brindará más de un guiño al público avezado en cuestiones musicales (Eimbcke viene de una galardonada trayectoria como director de videoclips). Junto a la calidad interpretativa de los cuatro actores principales (excelente Enrique Arreola), es de lo mejor de este film. Que, en definitiva, es para tenerlo en cuenta ya que suelen durar muy poco en las carteleras locales.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 80 % del valor de una entrada.

TEMPORADA DE PATOS - Con Daniel Miranda, Diego Cataño, Enrique Arreola, Danny Perea - Producida por Christian Valdeliévre - Guión y Dirección de Fernando Eimbcke - 88 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 22 de diciembre.

KING KONG: Clásico de clásicos

La ambición que todo corrompe, que tuerce destinos y modifica la naturaleza de las cosas. O la naturaleza misma. Esta es la historia del ambicioso y mediocre director Carl Denham (Jack Black), de la joven actríz Ann Darrow (Naomi Watts) y del escritor Jack Driscoll (Adrien Brody).
A comienzos de la década del treinta los EE. UU viven la gran depresión económica. Ann busca una oportunidad dentro del negocio del espectáculo. Denham está desesperado por encarar el proyecto que puede salvarlo de la bancarrota moral y financiera. El destino hará que sus intereses se crucen e inicien, sin saberlo, el viaje más fantástico que jamás hubieran imaginado.
En una remota isla del pacífico, inexistente en los mapas, el tiempo parece haberse detenido. La evolución de las especies jamás inició. Allí todo funciona como la naturaleza manda hasta que los "civilizados" llegan. Los habitantes de la isla descubren entre los visitantes a quien será la ofrenda viviente para el simio gigante llamado Kong.
El neocelandés Peter Jackson decidió encarar el trabajo de revisionar un clásico al que jamás se le hizo justicia con su posteriores adaptaciones. El film de 1933 dirigido por Merian Cooper y Ernest Schoedsack no solo marcó un quiebre en cuanto a la propuesta argumental sino también a la utilización de efectos especiales. En particular, el uso del Stop Motion a cargo de Wlliam O’Brien, quien dio vida cuadro a cuadro al mono gigante (no más que un muñeco con esqueleto de alambres). Así y todo se trata de una obra imperecedera y asombrosa en su realización.
No es extraño que haya fascinado a Jackson, quien con respeto, pero también con gran osadía, nos presenta tres horas de acción y aventuras, narrando con astucia una historia conocida. La bella y la bestia en su máxima expresión, gracias al convincente trabajo de la australiana Watts, y la gestualidad prestada al simio por el actor Andy Serkis (Gollum en "El Señor de los Anillos") a través de un sistema digital de animación. Serkis interpreta además el rol de Lumpy, miembro de la tripulación del barco que lleva a los protagonistas hacia Skull Island, hogar de Kong.
Habrá que situarse, ciertamente, fuera de algunos parámetros lógicos. Estamos frente a un producto de neto corte fantástico, donde los personajes se mueven en un ambiente regido por su propio verosímil. Las criaturas que habitan Skull Island, brillantemente logradas en base a la mejor tecnología digital, conviven con los actores con bastante naturalidad. Las escenas donde aparecen, son pura adrenalina y mantienen la tensión del espectador en todo momento.
Mención aparte para la escena que condensa toda la potencia de la historia original: Kong trepando al Empire State con Ann en una de sus manos, para enfrentar su destino final. Logradísimos planos aéreos y de acercamiento que atrapan la mirada del espectador más avisado.
Sin dudas este film nos devuelve al mejor Jackson, quien a pesar de estar atado a un trabajo previo se lo nota cómodo, haciendo propia esta fábula ecológica cuyo mensaje aún no parece ser del todo comprendido. Aunque la mirada de Ann, mezcla de compasión, culpa y gratitud, es tal vez la mejor imagen para resumir lo lejos que puede llegar el hombre a causa de la ambición.
El dato: Se estrenan en la Argentina 135 copias de las cuales 80 son subtituladas y 55 dobladas al castellano. A prestar atención al momento de adquirir su entrada. Obviamente si usted sabe leer le recomendamos ver la versión original.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

KING KONG - Con Jack Black, Naomi Watts, Adrien Brody - Guión de Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens - Producida por Jan Blenkin, Carolynne Cunningham, Peter Jackson, Fran Walsh - Dirigida por Peter Jackson - 186 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

OLIVER TWIST: Relato clásico de inocencia y corrupción

Oliver es un chico con suerte. Huérfano, reiteradamente maltratado, empujado a la mendicidad en una Inglaterra en la que todavía regía la pena de muerte por vagancia. A los diez años, mal alimentado, solo, pero pese a todo con la inocencia intacta, llega a Londres. Caerá en las manos de una banda de forajidos púberes capitaneados por el amoral Fagin, y casi enseguida en el hogar de un bondadoso anciano.
Oh, sí: Oliver Twist es un chico con suerte. De la buena y de la otra, pero fundamentalmente de la otra. Parido y desdeñado por la misma sociedad exclusivista, conserva sin embargo unos modales que nadie sabe de dónde le vienen en medio de tanta miseria. Acepta y se rebela contra su destino con la misma mirada triste, y una candidez que lo mantiene al margen (si no a salvo) de la bajeza que lo rodea.
El pequeño héroe de Charles Dickens ya tuvo varias adaptaciones en cine y TV. De hecho, casi todas las obras de Dickens cuentan con alguna adaptación. Sin embargo esto no amedrenta a Roman Polanski, un realizador de heterogénea filmografía. Sus personajes encarnados, ostentan una humanidad que aún rozando lo caricaturesco logran despertar cierta emoción en el espectador.
Las interpretaciones del pequeño Barney Clark y de Ben Kingsley sostienen con suficiencia el relato y sus digresiones. Todo el elenco es correcto y cada personaje encuentra en la mano de Polanski una convincente caracterización, dándole no sólo carnadura física sino moral a cada uno.
Con una reconstrucción de época y fotografía muy cuidadas, se completa este retrato de costumbres de la naciente época victoriana. Con un buen timing y reconocibles toques del director el ritmo de la historia decae un poco al final.

Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

OLIVER TWIST - Con Barney Clark, Ben Kingsley, Leanne Rowe, Mark Strong, Jamie Foreman - Guión de Ronald Harwood sobre una novela de Charles Dickens - Producida por Roman Polanski, Robert Benmussa, Alain Sarde - Dirigida por Roman Polanski - 128 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

EL LOBO: Donde los extremos se unen

Hace treinta años, un ciudadano español de origen vasco que tenía juntas sospechosas para la policía local terminó infiltrándose presionado por ésta, en la organización terrorista ETA. El servicio secreto y la milicia lo conocieron como Lobo; la Organización, como un traidor a la causa euskadi. Hoy su verdadera identidad es un misterio, y pesa aún sobre él una condena a muerte por parte de ETA.
En su historia se inspira la película del director Miguel Courtois, una de las grandes ganadoras en los premios Goya 2005. Rodada en gran parte en exteriores (los increíbles paisajes del País Vasco y Barcelona, las calles de Madrid), logra un buen clima que vira rápidamente de la biografía ficcionalizado al mejor relato policial.
La acción se impone en la secuencia inicial; una persecución, y luego un salto en el relato, para así construir la historia de atrás hacia delante. Hacia la mitad del film se retoma aquella primera escena, y es entonces que comienzan a revelarse los hilos más sutiles de la trama.
Es en ese punto que convergen los extremos. Por un lado, el idealismo del personaje, vasco más allá de todo, pero a la vez profundamente democrático. Paralelamente, la revelación maquiavélica sobre el terrorismo que ofrece uno de los personajes: el enemigo debilitado es más útil que aquel al que se destruye. Apenas una operación para demonizar a la izquierda y mantener un equilibrio dentro de un estado donde prevalecía la derecha. El mismo equilibrio que se busca al iniciar una guerra cada tanto.

La dirección de fotografía acompaña eficazmente al relato aportando detalles de calidad, al tiempo que la producción logra una recreación de época sin estridencias.
La música es un valor agregado; clásicos reconocibles subrayan la acción. Desde Deep Purple hasta Patti Smith, pasando por Leonard Cohen, todos remiten a esos setentas necesitados de ideales, rebeldía, libertad. Valores reprimidos en la España franquista y también acá, a la vuelta de la esquina, y cuya búsqueda propiciaba tal vez la unión al bando equivocado.

Mención aparte para un elenco que se ajusta a los roles convincentemente, dando a cada personaje una identidad propia y definida. El taquillero Eduardo Noriega, escoltado por la notable actriz francesa Mélanie Doutey ("La flor del mal", Claude Chabrol, 2004) y un irreconocible Jorge Sanz (protagonista aquí de una toma ¿homenaje? a Brian de Palma) cumplen con solvencia, dejando lugar para la empatía por parte de la platea.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada

EL LOBO - Con Eduardo Noriega, José Coronado, Mélanie Doutey, Jorge Sanz y elenco - Guión de Antonio Onetti - Producida por Julio Fernández y Melchor Miralles - Dirigida por Miguel Courtois - 124 minutos - Solo apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CREEP: Terror gore en un laberinto urbano

Kate (Franka Potente) sale de una fiesta rumbo al encuentro de su vida. Bajar al subterráneo londinense después de unos cuantos tragos y otras sustancias no es la mejor idea; se queda dormida y pierde el ùltimo tren. Imprevistamente un inesperado coche para en la estación. Kate sube, a las pocas cuadras la formación se detiene y las luces se apagan. Es el comienzo del horror.
Con un guión estructurado en base a golpes de efecto y mucho sonido ambiente, el debutante Christopher Smith se interna en el género de terror clásico, pero con resultados dispares. Los personajes se muestran casi abúlicos pese a la gran carga de tensión que toma el relato, con lo cual el efecto se pierde por momentos.
Con cámara en mano, el director lleva al espectador por los intríncados laberintos del subterráneo inglés, en sombríos escenarios que dan el marco adecuado para el monstruoso ser que victimiza a cuanta persona se adentra en sus terrenos.
La narración no se detiene ni distrae hasta llegar a la resolución. Lejos del horror adolescente, ramplón y autorreferencial, construye una historia clásica, sin mucho suspenso pero con mucha sangre, y algo de impactante sadismo.
Con algo de gore, insinuaciones obvias por demás y el instante del clímax (la revelación del ser en las sombras) se diluye rápidamente en tomas bastante cansinas... hasta que la persecución al estilo “gato y ratón” se reanuda. Pero el ritmo no vuelve a ser el mismo del principio, una vez que las cartas están mostradas.
Tal vez allí resida el problema con este film. Lo que en "El juego del Miedo" se presentaba como soporte de un relato que buscaba no solo impactar al espectador sino sorprenderlo y hacerlo parte del juego, en Creep todo acaba siendo como debe ser y la sorpresa se la lleva uno al ver que todo lo que pudo imaginar en materia de originalidad no llega a concretarse.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CREEP - Con Franka Potente, Vas Blackwood, Sean Harris, Paul Rattray, Kelly Scott - Producida por Julie Baines, Jason Newmark - Guión y Dirección de Christopher Smith - 85 minutos - Solo apta para mayores de 16 años con reservas - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CHICKEN LITTLE: Salvando el mundo con ritmo... pop

La factoría Disney está de fiesta; llega a las pantallas el primer producto de animación por computadora que realizan sin Pixar. ¿Para celebrar? Tal vez... si tenemos en cuenta que el terreno en que Disney siempre tuvo preeminencia era el de la animación tradicional, hoy en desuso. Y queda claro que en el terreno del 3-D le quedan muchos años de trabajo por delante.
Chicken Little es un pollito nerd, un poco freak, que luego de ganarse la antipatía del pueblo por dar una “falsa alarma” y crear el caos se siente más aislado que nunca. Sólo cuenta con sus no menos extraños amigos: una patita fea, un cerdo desproporcionadamente gordo, fanático del karaoke y de Barbara Streissand, y... un pez especialmente equipado para vivir fuera del agua.
El pollito tiene un instante feliz de redención comunitaria gracias a una hazaña deportiva. Su padre vuelve a tener fe en él; el pueblo parece olvidar su antiguo desliz... Pero esa misma noche, a Chicken Little le cae algo parecido a un trozo de cielo en la cabeza. Y dispuesto a todo con tal de no volver a caer en desgracia, se embarca junto a sus amigos en una misión discreta para investigar el misterio.
La historia es previsible y tiene sus momentos altos en comicidad, si bien es probable que el público infantil se quede afuera en un par de detalles (sobre todo por la confusa dicción de los actores de doblaje locales). Dura lo justo para entretener sin agobiar, a la manera de las series de Disney Channel, y ya lejos de la trayectoria de otros films memorables, como La Bella y la Bestia o El Rey León.
Los personajes están bien esbozados y son lo mejor de la parte visual y técnica. Sin embargo su profundidad es nula, basada casi totalmente en tics histéricos. Los fondos están todavía muy lejos de los elaborados trabajos de Pixar, y más cerca tal vez de aquellos de La era del Hielo (Blue Sky, 2002), así como el trabajo de perspectiva y travelling.
Quienes presten un poco de atención podrán distinguir en el doblaje argentino las voces de Guido Kazca, Florencia Peña (mal en su dicción) y Juan Acosta entre otros. Pablo Echarri y Nancy Duplaa apenas se escuchan, pese a la gran difusión que se da a su aporte en la película, en una irreconocible participación. Y las canciones originales, versionadas por Alejandro Lerner, quedan en un segundo plano discreto y adecuado.
Los chicos y no tanto que vayan buscando a un antihéroe cool, desgarbado y querible pese a sus infortunios y rarezas personales van a salir conformes. Ni hablar de los niños de entre 5 y 10 años, el público ideal para este producto, que apunta indefectiblemente al target más nuevo del mundo Disney.
El dato: "Chicken Little" contará con aproximadamente 154 copias, de las cuales sólo se exhibirán 10 en idioma original con subtítulos, sólo para puristas curiosos.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CHICKEN LITTLE - Versión original con Zach Braff, Garry Marshall, Joan Cusack, Adam West y elenco - Guión de Mark Dindall y Mark Kennedy - Producida por Randy Fullman - Dirigida por Mark Dindall - 82 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

UNA VIDA ILUMINADA: Dos generaciones, una búsqueda, la amistad

Jonathan es un joven norteamericano de origen judío. Aplomado, pulcro pero indudablemente obsesivo, se ha dedicado toda su vida a coleccionar objetos que le permiten trazar un árbol genealógico de su familia. El patriarca y abuelo, Safran Foer, murió sin revelar los pormenores de su milagroso escape de Ucrania días antes de la invasión nazi; pero en su regazo conservaba la foto de una misteriosa muchacha que lo había ayudado.
Tras la clave que le falta para completar ese mapa de la sangre, Jonathan viaja a Ucrania y contacta a Alex, un joven que admira profundamente la cultura norteamericana. Alex es un traductor y guía no por improvisado menos servicial. No así su abuelo, que demuestra una fría cordialidad con el joven extranjero al que trata de "yid" (peyorativo por "judío") y sólo se conmueve cuando habla de su país y de su perro.
Los tres parten en un auto anticuado, con muchas dudas y apenas un par de referencias; la foto de la joven y el nombre de un pueblo que nadie conoce: Trachimbrod.
Una vida iluminada es, además de una de las más gratas sorpresas del año, el debut como director y guionista de Liev Schreiber ("El embajador del miedo", "Scream 2"). Con un elenco acotado, preciso y efectivo, más el prolijo y bello trabajo de cámara y fotografía, Schreiber desarrolla una historia que tiene más de una vuelta de tuerca para ofrecer a un tema dramático, sin caer en el melodrama justamente.
El acierto es total en lo que al guión respecta. Basado en la novela "Everything is illuminated" de Jonathan Foer, ofrece chispeantes momentos de humor, cinismo y melancolía. Los personajes van transformándose en el transcurso de ese viaje hacia la nada del que no desisten pese a las dificultades y dan sin proponérselo pequeñas lecciones de humanidad, sacrificio y camaradería.
La música, a cargo de Paul Cantelon, aporta lo suyo a un paisaje permanentemente luminoso, cuyos únicos momentos sombríos están asociados a las revelaciones de tono dramático. Es en esos momentos cuando se hace notable la potencia de la historia y sus personajes.
Probablemente no estemos frente a un producto de apreciación masiva, pero esta pequeña película apunta al corazón sin fallar. Y da, de paso, un respiro a una pantalla que suele apoyarse más en la espectacularidad visual y el efectismo, en lugar de la buena narrativa a la hora de contar estas historias.
Nuestra calificación: Este film justifica el 90% de una entrada de cine.

UNA VIDA ILUMINADA (Everything is Illuminated) - Con Elijah Wood, Eugene Hutz, Boris Leskin - Guión de Liev Schreiber sobre una novela de Jonathan S. Foer - Producción de Peter Saraf y Marc Turtletaub - Dirigida por Liev Schreiber - 104 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 01 de diciembre.

EN SUS ZAPATOS: Mejor no ponérselos

Cameron Díaz es Maggie, una hueca teñida de rubio cuya única preocupación en la vida es lucir bien, tomarse unos tragos y encamarse con el tipo que se le cruce. Lo que se dice una atorranta. Toni Collette es Rose, una abogada acomplejada con su figura y sin tanta suerte amorosa como Maggie, su hermana menor.
Luego de una noche de alcohol y sexo fallido, la descocada Maggie, borracha y sin lugar a donde ir, es recogida por su hermana mayor, que la hospeda en su casa. En el placard, guarda decenas de pares de zapatos. Stilettos, sandalias, zuecos que Rose compra para darse un gusto y que nunca usa ya que "la comida engorda y la ropa nunca me sienta bien, pero los zapatos siempre quedan".
Lo que debía ser provisorio se torna constante y diferentes situaciones (como la incapacidad de Maggie para obtener un trabajo, entre otras) harán que estas hermanas huérfanas de madre se separen.
Tal vez el espectador mire su reloj deseando que ya hubiera pasado media película, pero si soporta darse cuenta que apenas transcurrieron veinte minutos, deberá armarse de paciencia y esperar por lo menos otros veinte para que al fin suceda algo interesante.
Con la excusa de los zapatos, el director brinda largos planos de las piernas de Díaz, la muestra prolijamente desprolija, intenta aprovechar lo sexy que puede verse en tanga, con botas y sólo una camisa... pero queda en el intento. Curtis Hanson ("Los Angeles al desnudo") no logra transmitir más que tedio.
Con chistes sin gracia -se nota el esfuerzo por que parezcan ingeniosos- sólo disfrutables por snobs fanáticos de las series de moda, el libro no se ahorra cuanto lugar común anda por ahí (la iletrada que descubre la poesía gracias a un anciano postrado y ciego) ni los golpes bajos de rigor, máxime cuando se tienen a mano varios ancianos de estilo Cocoon, piolas y cancheros. Shirley Mc Laine en el papel de la abuela de las chicas, con oficio, es uno de ellos.
Y por supuesto no falta la amiga que da contención a Rose en sus momentos críticos, interpretada por una Brook Smith que no parece haber abandonado el personaje que hizo en "Melinda & Melinda".
Dos horas con diez minutos es lo que dura esta comedia melodramática que tal vez con cuarenta minutos menos, podría haber pasado más amablemente. Pero en las críticas el hubiera no existe. Hay lo que hay. Es lo que es... Y punto.
Nuestra calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

EN SUS ZAPATOS (In her shoes) – Con Cameron Diaz, Toni Collette, Shirley McLaine – Guión de Susannah Grant – Producida por Ridley Scott y Tony Scott – Dirigida por Curtis Hanson – 130 minutos – Apta para mayores de 13 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 01 de diciembre.

EL NOVENO DÍA: Un hombre, la iglesia y su dilema

Campos de concentración. Soldados nazis abusando de su poder. Seres humanos reducidos a ser una especie inclasificable a través de métodos sólo perfectibles por otros seres humanos. El cine ya nos ha mostrado estas imágenes, mas no esta historia. Ahora es la iglesia y su relación con el nazismo el eje del film.
Basándose en un libro donde el Padre Jean Bernard narra su propia experiencia en el campo de concentración de Dachau, y su “licencia” para negociar con el Obispo de Luxemburgo, el director alemán Volker Schlöndorff logra plasmar no sólo el horror por todos conocido sino también las conflictivas relaciones de poder entre el régimen y el episcopado católico.
En el inicio se nos invita a sentir cierta incomodidad ante el relato visual. El uso de la cámara en mano, sumado a la ralentización de ciertas tomas y la musicalización precisa logran llevar al espectador un dramatismo equilibrado, sin golpes bajos.
En la continuidad del film el director tomará caminos acertados, confiando en la potencia dramática de los actores principales. Ulrich Matthes, en su rol del sacerdote, y August Diehl, como el joven oficial nazi Gebhardt, se lucen en diálogos donde la cámara apenas subraya la intensidad de sus actuaciones, iluminadas con marcados claroscuros.
Con amplio espacio para la elaboración crítica, la narración discurre entre las relaciones de un poder absolutista y con un objetivo más que claro y una ambivalente posición del clero, inmerso en sus propias luchas internas.
Nueve días tuvo el padre Kremer (nombre dado en el film) para intentar torcer la voluntad de su Obispo. Noventa y siete minutos bastan para apreciar la obra de un director comprometido no solo con su historia, sino con el buen cine.

Nuestra calificación: Este film justifica el 90 % del valor de una entrada.

EL NOVENO DÍA (Der Neunte Tag) - Con Ulrich Matthes, August Diehl, Bibiana Beglau, Hilmar Thate - Guión de Eberhard Goerner y Andreas Pflueger - Producida por Juergen Haase - Dirigida por Volker Schloendorff - 97 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 24 de noviembre.

HARRY POTTER Y EL CALIZ DE FUEGO: Tiempos difíciles para el joven mago

Una tumba donde la Parca blande su guadaña. Una serpiente enorme que atraviesa el cementerio detrás de una mansión imponente. Un cielo plomizo y finalmente, una maldición imperdonable. Este es el inicio de la nueva aventura de Harry Potter; queda claro que a partir de este cuarto año en Hogwarts, nada será igual.
Harry y sus amigos retornan al colegio luego de una conmoción en el Mundial de Quidditch (el juego mágico por excelencia; una especie de fútbol sobre escobas). En pleno evento, los seguidores del Señor Tenebroso, Lord Voldemort, se hacen presentes luego de 13 años en las sombras. Los anima la promesa del retorno del archi enemigo de la comunidad mágica
En el colegio las cosas no parecen mucho más seguras; este año se desarrollará el Torneo de los Tres Magos, una peligrosa competencia que elige al mejor de tres campeones, uno por cada colegio de magia de Europa. Sin embargo, el Cáliz de Fuego, seleccionador de campeones, escupe un cuarto nombre: Harry Potter.
Harry no sólo se encuentra bajo sospecha de haber hecho trampa, sino en un peligro real; no cuenta con la edad ni la experiencia suficientes para afrontar las pruebas que le esperan. Su mejor amigo no le habla, en el colegio le hacen el vacío. No es la primera vez, pero ya no es un niño, sino un adolescente lleno de inseguridades y miedos. Por si esto fuera poco, comienza a interesarse en una chica y debe lidiar con sus propios sentimientos, con los de sus amigos y con el inminente Baile de Navidad.
Quienes esperaban una entrega más oscura, a tono con la que supo ofrecer Alfonso Cuarón en 2004, no saldrán decepcionados. Los efectos visuales aportan mucho y sirven para darnos una idea más cabal de lo que es el mundo mágico, con sus desproporciones aparentes y su inverosímil coherencia interna. Sin embargo a la hora de valorar este film hay que destacar mucho más que la eficaz ambientación, mejor música (cambio de compositor de por medio) y la buena adaptación de la historia.
Mike Newell ("Cuatro bodas y un funeral", "La sonrisa de Mona Lisa") parece moverse en un elemento conocido, sobre todo en la secuencia del baile. Pero lo realmente destacable es el trabajo realizado con los actores. Tanto el trío protagónico como sus acompañantes de edad similar, han sido aprovechados al máximo y se puede apreciar su crecimiento.
Difícilmente se pueda acotar algo de un cast adulto impresionante, que no defrauda jamás: Michael Gambon, Miranda Richardson, Brendan Gleeson... y esa fugaz y luminosa aparición de Ralph Fiennes.
La adaptación de la novela original (de alrededor de 700 páginas) se demuestra exitosa; todo lo que puede verse, contiene la justa medida de drama, suspenso y humor que requieren estas dos horas y media para no resultar excesivas. De hecho, queda la sensación de que todo transcurre muy rápido, y que cualquier persona que no siga necesariamente la saga puede disfrutar esta cuarta entrega sin peligro a considerarla "sólo para fanáticos".
Queda claro que a partir de esta película, los chicos crecieron, y el equipo de producción íntegro ya definió el rumbo para las películas por venir: más dramáticas y crudas, sin dejar de lado las pinceladas de humor y vivencias propias de la edad escolar. Harry ya no es un niño y aprende a enfrentarse con dolor y miedo, a las miserias propias de su mundo. Que por mágico, no se salva de ciertos parecidos con el mundo real.

El Dato: Se estrenarán en el país 156 copias del film. Solo 36 serán presentadas en su versión original con subtítulos en castellano, las 120 restantes (leyó bien, 120) se estrenarán dobladas al castellano. Una decisión sin dudas extraña si tenemos en cuenta que no estamos ante un film infantil, y que además ha sido calificado como restrictivo para menores de 13 años. Toda una política que está lejos de respetar a la obra y al trabajo actoral, sino que además sigue el camino elegido por distribuidoras como Disney que fomentan la haraganería visual y la ignorancia cinéfila.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 100% del valor de una entrada.

HARRY POTTER Y EL CALIZ DE FUEGO (Harry Potter and the Goblet of Fire) - Con Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Michael Gambon, Ralph Fiennes - Guión de Steven Kjoves sobre un libro de J.K. Rowling - Producida por David Heyman - Dirigida por Mike Newell - 154 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 23 de noviembre.

HARRY POTTER ataca de nuevo en esperado estreno cinematográfico.

Ha pasado mucha agua bajo el puente desde que la desconocida J.K Rowling (una joven maestra escocesa, madre soltera y tenaz escritora) saltara a la fama mundial gracias a una saga incipiente que, según las notas alusivas allá por 1997/98, hacía que los niños se interesaran en la lectura como no pasaba hace tiempo.
Joannie Rowling, "Jo" para los fans, ha recorrido un largo camino desde aquellas épocas de desengaños editoriales y trajinadas mesas de café en Edimburgo, pergeñando la historia de un niño al que le revelan, la noche de su cumpleaños número 11, que es un mago y que comenzará sus estudios en el prestigioso Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Hoy, Rowling se casó de nuevo… tiene tres hijos, vive en un castillo en Escocia y está rankeada como la mujer más rica de Gran Bretaña. ¿Magia? Así parece.
Pero… ¿Es J.K. Rowling una buena escritora o una mujer de suerte? Basta la lectura de algunos párrafos: la escocesa demuestra una profunda devoción por sus fuentes (Tolkien, Dickens, C.S. Lewis), al punto que podría decirse que muchas de sus criaturas remiten a otros libros, menos publicitados por estas tierras, y bastante más antiguos. Y no cabe duda que a la hora de la metáfora, el recurso estilístico o el diálogo, Rowling no es ni Tolkien, ni Dickens, ni Enid Blyton, ni C.S. Lewis.
Pero estos son detalles. El furor por Harry Potter se adueñó de las librerías; chicos, adolescentes y adultos hacen largas colas cada vez que se produce un nuevo lanzamiento de la saga para arrebatarlo de los estantes. Y su adaptación cinematográfica va por una cuarta entrega, con la promesa de ser la más espectacular filmada hasta ahora.
Rowling no había terminado de delinear su cuarto libro aún, cuando Warner Bros la tentó para llevar la historia completa a la pantalla grande. A cambio de un suculento contrato y una participación bastante activa en los procesos de casting y producción de los films, la autora accedió.
"Harry Potter y la Piedra Filosofal" se estrenó en 2001, seguida de "Harry Potter y la Cámara de los Secretos" (2002), ambas con la dirección de Chris Columbus.
Con el correr de los libros, la trama se vuelve sensiblemente más oscura. Tanto J.K. como el equipo de producción decidieron que era tiempo de imprimirle otro sello a las películas, y así en 2004 llegó "Harry Potter y el Prisionero de Azkaban", de la mano del mexicano Alfredo Cuarón.
La cuarta película, "Harry Potter y el Cáliz de Fuego" está a días de su estreno en Argentina y la dirige el británico Mike Newell, que prometió no escatimar recursos violentos para estar a la altura del original de Rowling. Y parece que cumplió: en todo el mundo, los menores de 12 y 13 años que quieran ver el film deberán acudir en compañía de sus señores padres.
La primer película presentó a un reparto de niños prácticamente desconocidos, que con mayor o menor reticencia (de acuerdo al fanatismo lector) fueron aceptados por el público. Así, Daniel Radcliffe se convirtió en Harry, el protagonista; Rupert Grint en Ron, su adorablemente torpe mejor amigo, y la jovencísima Emma Watson en Hermione, la sabelotodo del grupo y excelente hechicera… de sangre no-mágica.
Es difícil predecir el destino actoral de estos adolescentes en el futuro, ya que han comprometido su incipiente carrera a completar las siete adaptaciones de los siete libros.
De ellos, J.K. ha completado seis; el último, "Harry Potter y el Príncipe Mestizo" vendió en Argentina cientos de ejemplares en sus ediciones británica y estadounidense, en junio de este año. No deja de ser curioso que en el mundo globalizado en el que vivimos un lanzamiento editorial mundial sea únicamente en lengua inglesa. Pero las reglas son simples, y Rowling las maneja a su antojo: los británicos, y por default el resto de los angloparlantes, son los privilegiados primeros lectores del libro. Con suerte, el resto de los países recibirán la orden de lanzamiento seis meses más tarde… o aún después.
Si bien el mundo de la crítica se debate para tratar de definir si los méritos artísticos de J.K. son los que la han llevado a donde está hoy, lo cierto es que la llamada Pottermanía alcanza cada año un punto más elevado, suma nuevos adeptos, llena las librerías y las salas de cine. Todo por obra y gracia de una mujercita risueña que paradójicamente… no cree en la magia.

"Harry Potter y el Cáliz de Fuego" se estrena en Argentina el día miércoles 23 de noviembre.

UNA HISTORIA VIOLENTA: El lado oscuro de la familia ideal

A Tom Stall lo conocen todos en el pequeño poblado de Milbrook, Indiana. El es un padre de familia ejemplar, dueño de un bar y restaurante en el centro, y de una casa en las afueras. Su vida es tranquila, hasta ese día en que dos personajes siniestros intentan asaltarlo y ponen en peligro a sus empleados y clientes. Tom adopta medidas extremas y mata a los dos asaltantes.
Además de personaje querible, Tom tiene categoría de héroe. Pero la llegada de otros forasteros no menos perturbadores que los anteriores, deposita la semilla de una intriga en la familia y la comunidad donde los Stall residen.
Ahora, a Tom lo llaman Joey. Le adjudican un pasado turbulento en Filadelfia y unos cuantos cadáveres en su haber. Su mujer, Edie, se niega a creer en otra palabra que no sea la del esposo. Su hijo mayor, Jack, pronto descubre instintos que desconocía y comienza a temer que su padre no sea quien dice ser con tanta convicción. El pobre Tom no puede con su alma, pero ha llegado el momento de confrontar todas las versiones.
Hacía un par de años que se nos escatimaban las películas de David Cronenberg en las salas. Excepto en algún festival independiente, la pantalla argentina le había perdido pisada a este realizador cáustico. Con "Una Historia Violenta", el director se adentra en un planteo sencillo, que se revela más complejo a medida que el protagonista y su entorno van descubriendo inquietantes revelaciones en las zonas sombrías de su vida casi perfecta.
Viggo Mortensen le aporta convicción a un personaje con poquísimo margen para las fisuras y María Bello es una mujer a la que hay que tomar en serio, sobre todo cuando aparece en films como este. Ed Harris está más allá de cualquier crítica; su Fogarty no es un personaje menor pero tampoco el papel más brillante de su carrera.
Hay que destacar que no hay una sola actuación discordante en este film; de hecho, todo: la duración, el timing, los climas, cierran perfectamente. Pero hay algo en el relato que no llega a cuajar. Aún sin saber que se está frente a la adaptación de una novela gráfica, hay secuencias que producen un cierto efecto de irrealidad. Algunas transiciones son bruscas y breves. La música, de Howard Shore (todavía muy apegado a la épica de "El Señor de los Anillos") es un punto flojo en el background. El sonido ambiente es más efectivo y da más solidez a la escena.
La violencia es uno de los instintos más atávicos del ser humano. E indudablemente, un tópico inevitable en el cine de los tiempos que corren. Hacen falta pulsos expertos para trazar un retrato como éste (simple en la superficie pero lleno de complejidades), sin caer en el maniqueísmo del bien y el mal o una referencia directa a las paranoias imperantes. Y Cronenberg lo tiene.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

UNA HISTORIA VIOLENTA (A History of Violence) - Con Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris, Ashton Holmes, William Hurt - Guión de Josh Olson, sobre una novela gráfica de John Wagner y Vince Locke - Producida por David Cronenberg, Chris Bender, J.C. Spink - Dirigida por David Cronenberg - 95 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

TODO SUCEDE EN ELIZABETHTOWN: Muchas cosas

Generalmente una nueva película de un director como Cameron Crowe ("Jerry Maguire", "Casi Famosos") genera cierta expectativa. Sin embargo "Todo Sucede en Elizabethtown" llega a nuestras salas sin pena ni gloria, debido tal vez a la falta de grandes nombres en el elenco o simplemente a que aun está fresco el recuerdo de su anterior film, ese flojo intento de remake de "Abre Los Ojos", producto de la momentánea fascinación de Tom Cruise con Amenábar, llamada "Vanilla Sky", allá por el 2001.
Pero Crowe entendió y decidió volver a sus raíces, y retoma el tipo de historia que lo consagrara. Así es como conocemos a Drew, un muchacho que acaba de ser despedido por hacerle perder a su compañía mil millones de dólares y debe viajar al pueblo natal de su padre, que acaba de fallecer, para hacerse cargo de su cuerpo. Allí se encuentra con una familia a la que nunca ve y con la que poco tiene en común. Y así también conoce a Claire, una azafata con la que tampoco tiene mucho en común, aparentemente.
Si revisamos un poco los anteriores éxitos de este director, siempre tenemos lo mismo, una historia de amor disfrazada en algún contexto teóricamente extraordinario con unas cuantas risas y otros tantos momentos un poco mas dramáticos. Sin embargo, Elizabethtown lejos está de conquistarnos tan simplemente, y por varios motivos. Por empezar Orlando Bloom no es un buen actor, y ni siquiera se encuentra en su elemento ya que no hay orcos ni piratas para matar. Por otro lado hay una historia muy sencilla y común, y es por ahí, en la naturaleza del film, donde muchos se pueden perder entre risas incómodas y tantas escenas con detalles poco significativos, sin sentido dentro de la narración.
Podríamos resumirlo en que es una película linda, que divaga un poco y avanza sin rumbo fijo porque Cameron Crowe quiso contar muchas cosas, tanto como la vida misma, y se le fue un poco de las manos, pero por otro lado parece tener muy en claro que solo Kirsten Dunst podía imprimirle esa frescura y ese brillo característico para que tanto Drew como el espectador siga adelante con el viaje solo para saber si nos quedábamos con ella o no. Es de esas películas para el espectador, no para los críticos, esas que se suelen malnombrar "para video", esas que sacan una sonrisa todo el tiempo y que daría cierta vergüenza que el señor de al lado, que tiene la cabeza dentro del balde de pochoclos, se de cuenta.
Y una última nota aparte para mencionar, como siempre, el cuidado y brillantez con el que Crowe selecciona los temas de la banda de sonido. En este caso con estrellas como Tom Petty y Elton John.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

TODO SUCEDE EN ELIZABETHTOWN (Elizabethtown) - Con Orlando Bloom, Kirsten Dunst, Susan Sarandon, Alec Baldwin - Producida por Tom Cruise, Paula Wagner y Cameron Crowe - Guión y Dirección de Cameron Crowe - 123 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

VANIDAD: La reinvención de una Cenicienta muy particular

Rebecca Sharp es una joven ambiciosa. Huérfana desde niña, ha ido buscando su camino en la vida y descubre que su verdadero anhelo es formar parte de la alta sociedad londinense. Amelia Sedley, una amiga de la infancia de Becky, es apenas su puerta de ingreso a los círculos que tanto la deslumbran.
Sus historias se entrecruzan y confluyen una y otra vez; en el proceso, Becky y Amelia conocen el amor, el dolor, la decepción. Todo en el marco de la Inglaterra pre-victoriana, en una Europa aún convulsionada por los estertores de Napoleón Bonaparte, y de una sociedad impiadosa que inventa sus propios monstruos.
Becky está segura de que si emplea los medios adecuados, nada se interpondrá entre sus sueños y ella. Su moral flexible le facilita las cosas: no vacila en recurrir a sus encantos con tal de conseguir lo que quiere. Y esto la llevará a los tumbos en distintas etapas de su vida. Humillada, elevada, casi en la miseria o en el apogeo de su popularidad, conserva la frente alta y un gesto de candor y malicia igualmente impunes para sobrellevarlo todo.
La novela de William Makepeace Thackeray ha sido considerada un clásico de la literatura inglesa a la vez que un retrato bastante acabado de una sociedad a la que conocía bien. Su Becky es una especie de heroína-antiheroína; rechazada persistentemente a causa de su condición social por el grupo al que ansía pertenecer, busca pese a todo el lugar que le fue negado por su cuna.
En el papel de esta "montañista social", redescubrimos a Reese Witherspoon. Sobresaliente en medio de un elenco que no le hace ni sombra ni mella, su Rebecca transmite las más diversas sensaciones a lo largo de la película. Sus actitudes provocan sucesivamente rechazo, piedad, vergüenza e indignación, pero jamás dejan indiferentes a los testigos.
Su amiga y contrafigura (Romola Garai) tiene sus momentos de protagonismo, que hacen olvidar por un momento el hilo de la historia principal. Estos momentos son los que aportan el respiro necesario a una trama que busca explicar sus propias continuidades, sin indicadores específicos del paso del tiempo. En un relato de casi dos horas y media, un balance dinámico de los recursos es imperativo, porque si bien no es una película agotadora se balancea todo el tiempo en la cornisa de la impaciencia.
La directora Mira Nair juega a los contrastes en ámbitos sumamente recargados y opulentos, así como en los escenarios más sórdidos. De un campo de batalla en Waterloo a los fastos de la India "británica", su manejo de la escena puede cautivar el ojo, pero mantiene el alma un poco fría y distante. Sin embargo es una buena directora de actores, cada personaje tiene un desarrollo sumamente coherente y el conjunto interpretativo encuentra su armonía.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

VANIDAD (Vanity Fair) - Con Reese Whiterspoon, Romola Garai, Gabriel Byrne, James Purefoy, Jonathan Rhys-Meyers, Rhys Ifans - Guión de Julian Fellowes sobre una novela de William Makepeace Thackeray - Producida por Janette Day, Lydia Dean Pilcher, Donna Gigliotti - Dirigida por Mira Nair - 138 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

EL TRANSPORTADOR 2: Un regreso previsible, con acción y muchos efectos

En el año 2002 llegó a los cines una película pequeña, con un actor del que se había visto muy poco por estas pampas y una promoción moderada. Sin embargo, "El Transportador" arrasó la taquilla en varias partes del mundo, y le dio reconocimiento a su protagonista, Jason Statham, y a su director, el francés Louis Leterrier ¿discípulo? de otro francés ya consagrado: Luc Besson.

En esta ocasión, Frank Martin, ex operador de Fuerzas Especiales, se ha mudado de la vieja Europa… a Miami. Aquí, el mejor transportador (hombre de pocas palabras y dispuesto a llevar puerta a puerta lo que se le ordene sin hacer preguntas) está cubriendo a un colega, que es chofer de un importante ejecutivo y su familia. Frank lleva al hijo de los Billings al colegio y lo trae a su casa diariamente, se establece entre ellos una cierta relación. Cuando el niño es secuestrado, hará lo imposible por recuperarlo y desentrañar el misterio detrás de su captura. ¿Quiénes son estos mercenarios y cuál es su interés en la familia Billings? Cualquiera sea la respuesta, todos sabemos que el gran error de esta banda es haberse cruzado con Frank en el camino, y que antes del final habrá patadas, tiros y adrenalina a tope.

Esta película no es pretenciosa; cumple justamente con lo que promete. La acción no decae y hay poco espacio para el dramatismo. Cuando lo hay, remite bastante a "Hombre en Llamas" (2004) pero con un tratamiento más light que se va diluyendo cuando el quid de la cuestión vira repentinamente, de la integridad física del pequeño Jack a la de miles de personas. Hay algunos baches de continuidad bastante importantes, y la resolución de ciertas secuencias es abrupta, sin espacio para pensarlas. No hay un desarrollo interesante de los personajes, el villano es uno de esos malos malísimos, a los que no hay tiempo ni de odiarlos. No importa que Jason Statham no use dobles en sus escenas físicamente más comprometidas; esto es una mera anécdota… De cualquier manera queda clarísimo que una persona que pueda saltar lo suficientemente alto para evitar la colisión frontal de dos autos no puede ser de este mundo. Por lo cual, pedir coherencia sería sobreestimar a este despliegue de autos destrozados, explosiones, balaceras apabullantes, vuelcos (y vuelos) espectaculares.

Todavía nos puede aportar una sorpresa este film: la actriz Kate Nauta (aquí, interpretando a la sádica y calculadora Lola) podría ser a Leterrier y futuros proyectos, lo que en su momento fue Milla Jovovich a Luc Besson. Hay destellos de efecto muy interesantes cuando ella y Statham comparten escenas, se la ve cómoda y versátil en su manejo de las armas y no habla más de lo necesario. En síntesis, una producción como para matar un fin de semana largo con lluvia, precisa, cortita y de definición contundente.

Nuestra calificación: Este film justifica el 50% del valor de una entrada

EL TRANSPORTADOR 2 (Transporter 2) - Con Jason Statham, Alessandro Gassman, Kate Nauta, Amber Valletta, Matthew Modine - Guión de Luc Besson y Robert Mark Kamen - Producida por Luc Besson y Steve Chasman - Dirigida por Louis Leterrier - 85 minutos - Apta para mayores de 13 años con reservas - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

CACHIMBA: Comedia negra de amor y arte

Con un encuentro en la embajada chilena y la presencia del director y los actores de la película, esta coproducción chileno-española-argentina tuvo su presentación en el país. Luego de algunos meses de postergación se estrena en Buenos Aires el último largometraje del realizador Silvio Caiozzi, que es hoy uno de los más reconocidos en Latinoamérica y Europa.
En un ámbito de distensión y humor donde no faltaron las alusiones a la mutua colaboración y supuesta rivalidad argentino-chilena, Caiozzi (que comenzó a filmar en plena dictadura pinochetista) recalcó su profunda alegría "por tenerlos a todos aquí reunidos en ocasión del estreno de Cachimba. Para mí, que siempre trabajé en solitario, esta es una experiencia sumamente agradable".
El actor Patricio Contreras destacó por su parte que "los latinoamericanos casi no vemos cine latinoamericano, y esto hay que tratar de revertirlo. Algo de esto está pasando; hace unas semanas se estrenó Machuca y en unos días también se estrenará Mi mejor enemigo (coproducción argentino-chilena)". Uno de los proyectos más inmediatos de Contreras es otra coproducción, con Chile y Uruguay, sobre un suceso que tiene como marco el Plan Cóndor.
Mariana Loyola interpreta a Hilda, y si bien la hemos visto en Argentina en la novela "Machos" reconoce que ha trabajado más en cine que en TV; por ejemplo, "Subterra" (competencia festival de cine de Mar del Plata 2004). La actriz comenta que "en Chile se admira mucho la producción argentina", que Norma Aleandro es "un ícono" y que siente una gran proximidad con nuestro país, al punto que le gustaría trabajar aquí.
Luego del cóctel, los invitados se trasladaron algunas cuadras al Malba para asistir a la proyección de esta película, que a sala llena contó con la presencia de numerosas figuras de la escena local y transandina.

El empleado bancario Marcos Ruiz (Pablo Schwarz en precisa y destacada interpretación), tiene una vida rutinaria y gris; su única felicidad son los momentos que puede pasar a solas con su novia Hildita (Mariana Loyola con 20 Kgs de sobrepeso para este papel) y su ocupación como secretario de actas de la Sociedad Chilena por el Patrimonio Histórico. Llevado por la pasión, sugiere a Hildita una escapada de fin de semana a Cartagena, para poder concretar algún avance físico en su estancada relación.
Hilda, una muchacha insegura y excedida de peso, lleva a Marcos en un paseo frenético por la ciudad casi desierta; de pronto, descubren un museo improvisado en una casa medio destartalada. Dentro encontrarán a Don Felipe (excelente labor de Julio Jung), un anciano borracho que custodia el legado de un pintor chileno cuasi ignoto: Larco.
Con motivo de ese hallazgo, Marcos experimenta una epifanía y encuentra una razón para vivir y luchar; no se detendrá ante nada con tal de devolverle a ese pintor desconocido su lugar en la cultura nacional, y en ese proceso de elevación (y caídas) descubrirá que nunca es tarde para que la vida lo sorprenda.
El relato, adaptado por Caiozzi de un cuento del autor Jorge Donoso, es intenso y profundamente cínico. Es imposible escapar a una cierta identificación; desde el planteo ambiental hasta la caracterización de los personajes, la geografía se borra y pareciera que estos seres humanos, estas instituciones, se encuentran a la vuelta de cualquier esquina.
La película conduce al espectador desde la comedia al drama sin escalas, con una ironía fina que no le huye al efectismo pero sin sobrecargarse. El trabajo de cámaras, la música y sobre todo la fotografía (merecedora de 3 de los 19 premios que ya cosechó el film en todo el mundo) es sobresaliente y siempre al servicio de la historia.
Cada uno de los actores, principales y secundarios, ya de manera individual o conjunta, conforman un cuadro de costumbres desopilante y dolorosamente atemporal. Como las figuras y el fondo de un cuadro que resiste al tiempo y el deterioro, "Cachimba" tiene la vigencia de los clásicos y es una brisa de aire fresco en el muchas veces dramático panorama cinematográfico latinoamericano.
Nuestra calificación: Este film justifica el 90% del valor de una entrada.

CACHIMBA - Con Pablo Schwarz, Mariana Loyola, Julio Jung, Patricio Contreras, Jesús Guzmán, Tomás Vidiella, Paulina García - Guión de Silvio Caiozzi y Nelson Fuentes - Producida por Silvio Caiozzi y Guadalupe Bornand (Chile), José Luis Segura (España) y Luis Sartor (Argentina) - Dirigida por Silvio Caiozzi -126 minutos – Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre.

EL JARDINERO FIEL: Fidelidad al estilo propio.

Los latinos vuelven a estar de moda en Hollywood y esta vez es el turno de los directores. Salles, Cuarón, González Iñárritu y Agresti son algunos de los nombres que resuenan últimamente. Algunos cruzan la frontera por primera vez y otros ya tienen su historia. Para Fernando Meirelles ("Ciudad de Dios") esta fue su primera oportunidad de conquistar las principales industrias.
"El Jardinero Fiel" es un thriller político sobre el mundo de las industrias farmacéuticas desentrañado a partir de una historia de amor. Tessa Quayle es una joven y apasionada activista británica que es brutalmente asesinada en Kenia. Los rumores apuntan a un crimen pasional y todos creen que Justin Quayle, su esposo, un diplomático correcto y de bajo perfil, no se involucrará, pero el crimen no parece claro y los indicios lo conducirán por el oscuro mundo de los negocios farmacéuticos y hasta su mismo gobierno.
La historia, como tantas otras, no cuenta con mayores novedades y se mantiene a raya según las reglas, sin gran esfuerzo o compromiso real con el tema. Lo que por momentos llama la atención es el arranque desde la historia romántica, la movilización que sufre y lleva a cabo una persona totalmente estática ante la ausencia de su amor. Pero lo que más sobresale del film es el director, que se hace evidente de una manera muy obvia, dándole el toque de distinción a esta película.
Al igual que hiciera su compatriota Walter Salles en "Agua Turbia", Meirelles logra ver más allá de la trama, y parece encontrar en el continente negro destellos que lo llevan de vuelta a su tierra. Enlaces entre la gente del pueblo keniano/keniata y sus decendientes al otro lado del océano.
Esto se evidencia principalmente en el tratamiento técnico de las escenas que transcurren en las calles del mercado de Kenia, que recuerdan instantáneamente a las favelas que nos mostrara en "Ciudad de Dios". De hecho toda la parte técnica sobresale ante la historia, aunque la intención no sea la de enceguecer.
Podríamos esperar entonces que Meirelles nos de más buen cine en los próximos años, pero por ahora seguirá siendo el director de "Ciudad de Dios", que arrancó bien en las ligas mayores con una película de la que no recordaremos el nombre.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

EL JARDINERO FIEL (The Constant Gardener) - Con Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Nighy - Guión de Jeffrey Caine sobre una novela de John Le Carré - Producida por Simon Channing Williams - Dirigida por Fernando Merielles - 126 minutos – Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre

OLD BOY: Cine bien oriental y del bueno

Si decimos que Old Boy es una típica película oriental, algunos recordarán los últimos films coreanos que alcanzaron nuestras salas y se imaginaran un drama lento con hermosos paisajes. Otros, pensarán en las superproducciones de artes marciales, ya sean épicas o modernas, con simbolismos demasiado enigmáticos. Y también estarán los que suspirarán pensando en una nueva niña de pelo grasiento tratando de asustarnos desde las sombras. Claro que Old Boy no podría ser todo esto junto al mismo tiempo y sin embargo, en cierta forma, lo es.
La película narra la historia de Oh Dae-su, quien tras haber sufrido el asesinato de su familia es secuestrado y encerrado, sin motivo aparente, en una habitación tipo hotel con un televisor como única ventana al mundo durante 15 años. Repentinamente es liberado y sin una vida a la que regresar, solo un llamado telefónico anónimo le da un motivo para vivir. Un extraño lo está desafiando a descubrir el motivo de su largo encarcelamiento.
Con esta base de suspenso encapsulada en una historia de venganza, la película explora todos los rincones típicos posibles del cine oriental con muy buenos resultados, desde los estáticos planos climáticos y la calma hasta las peleas grupales de artes marciales y los traumas psicológicos, pero siempre con el punto fuerte puesto en la intriga que atrapa durante toda la película, y lleva al espectador poco a poco por los laberintos de la historia sin necesidad de recurrir a grandilocuentes monólogos ni retorcidos vericuetos de la trama que lo dejen a uno con el cejo fruncido.
Old Boy no es una película fácil de recomendar y hasta incluso tal vez de ver. No solo es una película coreana con todo lo que eso puedo implicar, es un film crudo y profundo que explora los límites del ser humano quizás en una de las situaciones más extremas que puede vivir una persona, la sed de venganza, la necesidad de cerrar una capítulo para seguir adelante. Y lo hace llevando al protagonista de un extremo a otro de sus emociones y convicciones, y junto con él al espectador. Pero hay que armarse de valor y no perdérsela.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

OLD BOY - Con Min-Sik Choi, Ji-tae Yoo, Hea- Jung Kang - Guión de Jo-Yun Hwang, Jun-Hyung Lim y Chan-Wook Park - Producida por Dong Ju Kim - Dirigida por Chan-Wook Park - 118 minutos – Apta para mayores de 18 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre

EL MUELLE: Juego de traiciones

Dennis Klein (Gerard Dépardieu) y Léo Vrinks (Daniel Auteuil) comparten el mismo cargo y casi la misma jerarquía en la policía. Alguna vez fueron amigos; se percibe entre ellos una corriente de respeto y cautelosa camaradería. Dennis es ambicioso, pero ha caído en desgracia, conceptualmente hablando, a los ojos de la dirigencia y de los oficiales. Léo es un duro... sensible, que cuenta con la simpatía de sus subordinados; tiene una esposa bonita y amante, y una hija de diez años.
Ambos se desempeñan en "el Muelle", la seccional ubicada en el número 36, Quai des Orfévres, y son firmes candidatos a ocupar el puesto de su jefe, que está a punto de retirarse. Sin embargo, sus habilidades y temperamentos están siendo puestos a prueba en la resolución de un difícil caso.
Cuando parece que el desprolijo y poco ortodoxo Léo (que comanda una unidad particularmente efectiva) tiene todas las cartas ganadoras para ser el nuevo Director, una maniobra combinada de Dennis lo descalabra. Degradado, humillado y repentinamente envuelto en una trama de corrupción y traiciones, Léo lo pierde todo en cuestión de semanas. Armándose de paciencia y con una firme determinación, planea la confrontación definitiva con Dennis.
El director Olivier Marchand, ex policía, capta con realismo y gran pericia los entretelones del quehacer diario de la oficialidad, del primero al último en rango. Los climas que logra se acercan más al policial negro que a un trabajo de corte documental; lo cual es un mérito si tenemos en cuenta que la historia está efectivamente inspirada en hechos reales.
La trama no ofrece grandes sorpresas, pero la progresión dramática es notable, y cada uno de los personajes ofrece un pequeño retrato de carácter que hay que destacar. Depardieu y Auteuil deleitan con una química en pantalla que no suena impostada, y el resto del elenco les ofrece un soporte justo, moderado, que nunca ahoga el tono del relato.
En síntesis, estamos frente a una historia pequeña con tonos de tragedia, bien filmada. La resolución puede resultar un tanto abrupta. Se trata apenas de dejarse llevar por las voces de los protagonistas y empezar a bucear en los instintos y las pasiones más básicas del ser humano, de comprender el porqué de ese "demonio de ojos verdes" que son los celos, pequeños grandes destructores de vidas.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 75% del valor de una entrada.

EL MUELLE (36 Quai des Orfévres) - Con Gerard Dépardieu. Daniel Auteuil, Valeria Golino - Guión de Olivier Marchal, Julien Rappeneau, Franck Mancuso, Dominique Loiseau - Producida por Frank Chorot, Cyril Colbeau-Justin, Jean-Baptiste Dupont - Dirigida por Olivier Marchal - 108 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires. 03 de noviembre.

DOOM, LA PUERTA DEL INFIERNO: El género sigue invicto

Al terminar de ver una de estas películas siempre cabe la siguiente pregunta ¿Cómo es que un producto que es supuestamente atractivo para más de un tipo de público nunca ha tenido buenos resultados de taquilla?. O ¿cómo es que siendo así aún se hagan nuevas adaptaciones de videojuegos todos los años?. Se ha de admitir que tuvo un excelente arranque en los EE.UU. Pero duró poco, Saw 2 y The Legend of Zorro hicieron lo suyo.

Doom fue uno de los juegos más populares durante los años del furor de las computadoras personales, allá por principios de la década del noventa. La novedad era que uno se metía en la piel del protagonista y solo viendo el arma que sostenía con sus propias manos debía recorrer laberínticos pasillos llenos de monstruos, en cada nivel más asquerosos. Era completamente terrorífico y adrenalínico. Muy lejos de lo que muestra la película.

La historia parece basarse principalmente en la última versión del juego. Aquí la parte fantasiosa sufrió ciertos recortes para centrarse en un ambiente más terrícola. En el film esto es potenciado al extremo, dejando de lado inolvidables engendros como las calaveras voladoras, para centrarse en un virus alienígena creador de zombies infernales que sacian su "hambre" matando.

Al comenzar el film, el virus se ha infiltrado en un laboratorio científico de Phobos, la luna de Marte donde se realizan investigaciones arqueológicas, y toda la unidad ha quedado en cuarentena cortándose las comunicaciones. Desde la Tierra enviarán un Escuadrón Táctico de Respuesta Rápida con el fin de destruir el virus, asegurar la zona y rescatar al equipo médico, junto con datos de las investigaciones. Pero se encontrarán con varias sorpresas.

Desde el planteo de una situación tan poco novedosa como "soldados versus epidemia extraterreste" el resto del film, que sigue milimétricamente los pasos del género sin provocar sorpresas ni interés, no podría ofrecer nada demasiado emocionante. Ni siquiera logra revivir las palpitaciones que se sentían con aquellos monitores de 14 pulgadas a los que miles de fanáticos pegaban sus narices durante horas. Pero hay algo importante para reconocer: este director finalmente ha escuchado a los puristas jugadores, que pedían ver sus juegos en el cine tal como los conocen.

Que aunque solo sea por un momento, la acción se desarrolle en primera persona, apoderándose de la pantalla.

El luchador profesional antes conocido como Rocky Maivia, luego rebautizado en la entonces WWF (World Wrestling Federation) como The Rock, ha tenido más suerte que sus antecesores Terry "Hulk" Hogan o Rowdy Piper. Ha logrado, a diferencia de los mencionados, protagonizar costosas superproducciones ("The Scorpion King") o co-protagonizar junto a estrellas como John Travolta y Uma Thurman ("Be Cool"). He aquí otra oportunidad para el nuevo niño mimado de Hollywood en materia de films de acción.

Nuestra calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

DOOM, LA PUERTA DEL INFIERNO (Doom): Con Dwayne "The Rock" Johnson, Karl Urban y Rosamund Pike - Guión de David Callaham y Wesley Strick - Producida por Lorenzo Di Bonaventura y John Wells - Dirigida por Andrzej Bartkowiak - 103 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 03 de noviembre.