EN BUENA COMPAÑÍA: Sinergia global versus valores humanistas en agridulce comedia

Dan Foreman (Dennis Quaid), brillante ejecutivo de ventas de la revista deportiva nº 1 de Estados Unidos, nunca previó que la vida iba a cambiarle tanto de un día para otro. A sus cincuenta y un años, no sólo debe enfrentar una nueva paternidad, sino también la migración de la empresa para la que trabaja a la órbita de un misterioso magnate y su red de corporaciones.
Producto de esta extraña circunstancia, Carter Duryea (Topher Grace), un joven de 26 años que se debate entre sus impulsos de juventud y su talento para las ventas cruzadas, se convierte en el jefe de Dan. Todo gracias a esas maravillosas ¿paradojas? que ofrece la globalización en estos días.
Carter y Dan chocan casi de inmediato, en sentido literal y figurado; el hombre mayor y experimentado se enfrenta por primera vez a la posibilidad de quedarse sin empleo, mientras el más joven y "afortunado" de los dos, sufre un crash emocional de proporciones a medida que el trabajo va devorando su vida personal.
Carter se aferra un poco más de lo debido a su "colaborador", familia incluída, y es en el choque entre esas dos realidades personales donde se revela la potencia real que subyace a la película. Su guionista y realizador, Paul Weitz, logra con este cruce plasmar la complicada trama de relaciones que ofrece la tendencia globalizadora actual; una fuerza aparentemente sinérgica que integra, desintegrando, todo lo que capta.
Las actuaciones de la tríada protagónica, con una Scarlett Johansson aplomada como vínculo entre los dos personajes masculinos, son para destacar. La historia transcurre en unos meses, pero esto apenas se señala alguna vez, y sólo en la escena final se puede apreciar cuántos cambios fueron posibles en tan poco tiempo.
Hijo de los años ’90, Carter Duryea es a la vez ícono y mártir de una sociedad que fagocita a sus propios hijos, obligándolos a una situación de cambio hiperdinámico que a la vez los deja varados en profundas crisis de identidad. Para los Foreman no parece haber sitio; sin embargo, las viejas costumbres tienen su lógica e invitan a la esperanza. Después de todo, la supervivencia de una empresa o una familia, depende de todos y cada uno de sus integrantes.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EN BUENA COMPAÑÍA (In Good Company) - Con Dennis Quaid, Topher Grace, Scarlett Johansson y Marg Helgenberger - Producida por Rodney Liber y Andrew Miano - Guión y Dirección de Paul Weitz - 108 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

LA LEYENDA DEL ZORRO: Los increíbles De la Vega contra el enemigo externo

Desde la creación de "El Tulipán Negro" (Alejandro Dumas, 1850) pasando por "La Maldición de Capistrano" (Johnston McCulley, 1919) hasta este Zorro de Martin Campbell, ha pasado mucho agua bajo el puente. Sin embargo los tiranos siguen en este mundo y sus políticas en contra de la mayoría continúan vigentes.
A diferencia de los enemigos claramente definidos de las anteriores aventuras del Zorro, basándose de por sí en una fantasiosa realidad geopolítica, en esta ocasión Hollywood decide meter a presión la situación político-paranoide actual de los EE.UU.
Han pasado diez años desde que Diego de la Vega murió dejando a su hija Elena y su delfín Alejandro al cuidado de la justicia y las leyes en el incipiente estado de California. Ellos se han casado y tienen un hijo, Joaquín; un niño curioso y rebelde al que apenas conocen. Sin embargo la estructura familiar peligra, por la persistencia de Alejandro en la doble vida de riesgo que tantas veces prometió abandonar. ¿Divorcio en puerta?
El peligro se volverá ominoso con las frecuentes incursiones de un forajido local, racista y fanático religioso; asimismo, la llegada de un extranjero de dudosa filiación e intenciones, revela una conspiración de proporciones tendiente... oh sorpresa... a atentar contra la unión nacional, ya de por sí precaria, de los Estados (en esa época, no tan Unidos).
Si "La Máscara del Zorro" buscaba el rescate de este héroe que tanta emoción causó en las audiencias televisivas de los ’50 en adelante, "La leyenda..." tiene algo de vuelta de tuerca que no le favorece.
No se lo ve convencido ni verosímil a este nuevo Zorro; sin mencionar que Zeta-Jones se esfuerza sólo al momento de lucir sus habilidades coreográficas en vistosos atuendos de época. Se salva el pequeño Adrián Alonso ("Voces inocentes") aportando la cuota de simpatía anecdótica. Sobre el final, los De La Vega se unirán contra esa combinación de múltiples villanos y situaciones explosivas, revelando una identidad familiar más cercana a cierta animación que a la serie original.
En este producto más apegado a lo visual, Campbell nos anticipa un poco de la estética que tan bien conoce. Así, en la California del siglo XIX podemos ver a un hombre volando por los techos, saltando sobre un tren en movimiento con su caballo o realizando prodigios de agilidad difícilmente creíbles en un héroe más bien maduro.
Pero así como las canciones de los Beatles son indestructibles (han resistido interpretaciones que van desde William Shatner hasta Sandro, pasando por Mae West o Palito Ortega) el Zorro se banca todo. No en vano ha "inspirado" nada menos que a Bob Kane para crear a Batman.
Martin Campbell nos entrega un James Bond enmascarado, tal vez calentando motores para dirigir "Casino Royale", en situaciones inverosímiles dentro la lógica del personaje.
Mientra tanto Guy Williams sigue cautivando a nuevas generaciones por tv, ahora en colores, como el mejor intérprete de un personaje que lo estigmatizó de por vida. Cosa que no le pasará a Banderas. No tiene con qué.

Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

LA LEYENDA DEL ZORRO (The Legend of Zorro) - Con Antonio Banderas, Catherine Zeta-Jones, Adrián Alonso y Rufus Sewell - Guión de Roberto Orci y Alex Kurtzman - Producida por Steven Spielberg, Gary Barber y Roger Birnbaum - Dirigida por Martin Campbell - 127 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

COMO UN AVIÓN ESTRELLADO: Tiempo de cambio

Nico está en un parque saltando y sacudiendo sus brazos y piernas. En un momento se retira la capucha de la cabeza, toma unos pasos de distancia y se zambulle de cabeza al pasto.
Ezequiel Acuña había demostrado hace unos años con su ópera prima "Nadar Solo" que conocía muy bien a los adolescentes; hablaba de la falta de comunicación, la alienación ante ausencias y el sentimiento de no pertenencia.
Dos años después, vuelve a adentrarse en el mundo adolescente pero no se tira de cabeza con los ojos cerrados como tal vez hiciera aquella vez, sino que está preparado y lo demuestra con un guión mucho más definido y un producto sólido, pero que sigue manteniendo una sensación de melancolía y ese "estar vivo" que es tan particular en la adolescencia.
El film narra la historia de Nico, un adolescente transitando los límites de la adultez, mientras sufre la muerte de sus padres, lucha con sus inseguridades ante el amor y se enfrenta a su mejor amigo.
Al sentimiento de derrumbe del mundo que conocía, se suma la incomprensión hacia su hermano mayor, quién intenta suplir las ausencias en sus vidas. No reconoce a su mejor amigo que se adentra cada vez más en caminos oscuros. El presente avanza a toda velocidad y parece superarlo. Pero en el aeropuerto de Valdivia ve a Luchi, una chilena luminosa y llena de colores, que pondrá a prueba sus inseguridades y sus fantasías, haciéndolo afirmar el timón de su vida.
Esta vez ya no se puede hablar de tiempos muertos o situaciones en las que "no pasa nada". Acuña plantea la realidad del protagonista como un mundo donde las cosas no son como en la televisión, donde a todos les pasa todo, sino que cada personaje "siente", todo el tiempo. Es eso lo que los define y los impulsa. Y es tal vez, lo que hace que la película tenga eficacia desde la simpleza de su planteo.
Así es como uno se zambulle con Nico y va precalentando con cada vivencia, hasta que el film corta a negro y uno queda ahí, estrellado contra la pantalla.

Nuestra calificación: Este film justifica el 90 % del valor de una entrada

COMO UN AVION ESTRELLADO - Con Ignacio Rogers, Manuela Martelli, Carlos Echevarría y Santiago Pedrero - Guión de Exequiel Acuña y Alberto Rojas Apel - Producida por Sebastián Ponce - Dirigida por Ezequiel Acuña - 80 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

CAUTIVA: Cuando la verdad destruye

Hay algo oscuro y melancólico en la mirada de Cristina. La chica sonríe, feliz, entre su familia y amigos el día de su fiesta de 15 años. Va a un colegio privado y tiene amigas, como cualquier adolescente; no le falta nada. Sin embargo, un día la sorprende la verdad: ella no es quien cree ser, nada en su vida es cierto, ni su nombre, ni sus padres, ni siquiera la fecha de su cumpleaños.
El día en que un juez ordena su retiro del colegio y le presenta la situación: le dice que se llama Sofía Lombardi, que sus padres eran arquitectos, hoy desaparecidos, que hay abuelos que la reclaman en Argentina y EEUU. Cristina se aferra a la realidad que conoce y que se le revela como la más segura en medio de tanta debacle. Sin embargo, la verdadera historia se impone con fuerza por encima del caos y va llevando a la adolescente a una búsqueda casi instintiva de su identidad.
El primer film de Gastón Biraben, ganador del premio del INCAA al mejor guión de ópera prima, comenzó a producirse en 2001 en plena crisis argentina y es a la vez, el debut cinematográfico de Bárbara Lombardo ("Resistiré", "Los Roldán") y Mercedes Funes ("Padre Coraje", "El Graduado"). Corralito y cambios de conducción en el INCAA mediante, el equipo logró terminar la película en el año 2003 y se presentó en nuestras tierras en marzo de este año, con motivo del festival de cine de Mar del Plata.
En el film se nota la mano de un realizador avezado, sobre todo en los detalles de encuadre y sonido. El guión se sostiene fuertemente en los gestos y silencios de los personajes, en la música incidental, en los diálogos. El trabajo físico queda supeditado a la complejidad psicológica y en este sentido, todos los actores se muestran solventes.
Palabras aparte para Susana Campos (imposible no encariñarse con esta Nana, abuela biológica de Cristina/Sofía) en uno de sus últimos trabajos; para Osvaldo Santoro y Silvia Baylé como los padres adoptivos y una Mercedes Funes que va encontrando su registro y equilibrio a medida que transcurre la película. Bárbara Lombardo se apoya en un fisique du rol apropiado y en una medida contención gestual, haciendo verosímil más que creíble, a esta adolescente en crisis.
Si bien el drama se centra en la figura de Cristina/Sofía (sus vivencias, su búsqueda), la historia reciente de la Argentina sobrevuela en todo momento; el tema de la militancia se roza sutilmente, en breves planos congelados, rara vez explícito. Es con este pasado que el cine argentino tiene la deuda más grande.
El Dato: El próximo jueves 27 se dará un curioso hecho para Gastón Biraben. Competirá consigo mismo. Por un lado con Cautiva, como director, guionista y productor y por el otro con La Leyenda del Zorro, donde se desempeño como editor de diálogos.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

CAUTIVA, DOS NOMBRES... UNA VERDAD: Con Bárbara Lombardo, Susana Campos, Hugo Arana, Osvaldo Santoro, Lidia Catalano, - Guión, Producción y Dirección de Gastón Biraben - 113 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL VIAJE INOLVIDABLE: Road movie étnico

Un tablao en Sevilla, las fuentes públicas de una aldea francesa, el paisaje árido de Marruecos, son los escenarios que recorren Zano (Romain Duris, "Piso compartido") y Naïma (Lubna Azabal, "Les temps qui changent", "Paradise Now") en esta película que captura la emotividad y los sentidos.
Zano es un joven de ascendencia argelina que impulsivamente emprende un viaje hacia sus orígenes. Acompañado por Naïma, su ciclotímica novia, atraviesan la Europa meridional y el Africa en un viaje de exploración y búsqueda, que terminará revelándoles mucho sobre sí mismos.
En este film del director argelino Tony Gatlif (que sólo estrenó dos películas en Argentina, "El extranjero loco" y "Gitano") el leitmotiv constante, a veces agobiante por su elocuencia, es la música. El mismo realizador compuso gran parte de la banda sonora que acompaña a los viajeros; ya incidentalmente, ya a través de los walkman que nos permiten compartir la música que ellos oyen.
La música es diferente en cada lugar: flamenco en España, lamentos árabes en Marruecos, tecno francés y español con reminiscencias étnicas... Cada melodía es un escenario, y la música sólo deja paso a pequeños silencios muy expresivos, que llenan las miradas y los gestos de estos talentosos actores.
A medida que avanzan en su camino, Zano y Naïma revelan (y se revelan entre sí) parte de su historia. Contrasta la claridad de la historia de Zano con las zonas oscuras del origen de Naïma; la serenidad de él con el histrionismo de ella. Los conflictos, soterrados, no alteran el ritmo de la película y el clímax llega en Argelia, con la misma coherencia con que transcurrió el relato.
El exilio y el retorno a las raíces se presenta aquí como el motor de la búsqueda de identidad por parte de dos personas que no encuentran un rumbo claro a sus vidas. De Argelia volverán cambiados, y también despojados; se trata de un viaje de autoconocimiento y auténtica liberación.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EL VIAJE INOLVIDABLE (Exils) - Con Romain Duris y Lubna Azabal - Producida por Princes Film - Guión y Dirección de Tony Gatlif - 103 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

MILLONES: “El dinero es una cosa y las cosas cambian”

"Cuando alguien compra una casa no dice la puerta es de color verde, sino que hablan de cuanto les costó y a cuanto piensan venderla..." La reflexión le pertenece a Damian, de ochos años, y es motivada por la mudanza a una nueva casa y un nuevo vecindario junto a su hermano Anthony, de diez, y su padre viudo.
Desde el incio descubrimos en Damian una gran espiritualidad que contrasta con el materialismo de su hermano mayor. El menor de la familia conoce a cada santo de la iglesia como cualquier niño conocería a los jugadores de su equipo de fútbol favorito. Claro que no solo cree sino que los visualiza y hasta dialoga con ellos en busca de consejos que lo guien en sus actos diarios.
Consejos que comenzará a necesitar cuando imprevistamente, mientras juega al costado de una vía del ferrocarril, le cae del cielo un bolso repleto de dinero. Al menos de allí piensa él que viene semejante millonada.
Habrá problemas de los cuales solo diremos que uno es la necesidad de gastar ese dinero cuanto antes, porque en pocos días Gran Bretaña unificará su moneda con el resto de Europa.
Y Damian decide que buscar pobres a quienes darles dinero es una buena solución.
Danny Boyle (Tumba al ras de la tierra, Trainspottig) nos ofrece en esta ocasión un cuento narrado por uno de sus protagonistas, estilo que habitualmente utiliza en sus films, en este caso un niño cuya mirada es la que impregna el relato, no solo en cuanto a lo narrativo sino también en lo visual.
Destacada fotografía que pone el color y la luz adecuada para cada escena y lo que se pretende representar en ella, además de un manejo de cámara que no teme recordarnos que estamos frente una ficción, logrando adentrarnos aún más en el juego que de por sí el cine nos propone.
Alex Etel como Damian posee la frescura y candidez que la historia requiere mientras que Lewis McGibbon como el hermano mayor con los pies sobre la tierra, cumple sobradamente con su rol.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

MILLONES (Millions) – Con Alex Etel, Lewis McGibbon, James Nesbitt, Daisy Donovan y Christopher Fulford – Guión de Frank Cottrell Boyce – Producida por Graham Broadbent, Andrew Hauptman, Damian Jones y Mission Pictures – Dirigida por Danny Boyle – 98 minutos – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de Octubre de 2005

ADICTOS AL S E X O: Psicho-billy S e x

Harford Road ya no es lo que era. Este pueblo de Baltimore está siendo invadido por la inmoralidad y el libertinaje. Sus habitantes tienen que convivir con nuevos vecinos corpulentos y homosexuales autodenominados "osos", gente caliente por las calles y una de sus familias hasta debe tener a su hija bajo llave y candado, en arresto domiciliario, por exhibición obscena.
La familia Stickles es la protagonista de esta historia. Sylvia (Tracy Ullman) y Vaughn (Chris Isaak) son puritanos que padecen los arrebatos de Caprice (Selma Blair), Ursula Ubres para sus fans, que ya ha operado sus tetas hasta el límite del estallido y gusta de hacer shows de strip tease donde y como sea. Eso la llevó al arresto que cumple en su hogar.
Pero es una mañana cuando Sylvia queda varada en medio de una avenida, sin combusitble en su coche, que recibe un golpe en la cabeza y las cosas cambiarán radicalmente. A partir de esa contusión su líbido despertará, se convertirá en una ninfómana y descubrirá los secretos de un pueblo que esconde más de lo que muestra.
John Waters, director que despierta esnobismo, adoración y repulsión por igual, supo ganarse el mote de trangresor con un cine de contracultura, kitsch y provocativo. Fue en los tempranos setentas cuando dirigió "Pink Flamingos" donde el travestido Divine comía mierda de perro en cámara y escandalizaba a la crítica e incautos espectadores.
Lo cierto es que la propuesta de Waters hace foco en una sociedad que en lo moral poco tiene que ver con los latinos, y su propuesta, más petardista que artística, busca molestar a los sectores más hipócritas de los Estados Unidos, al tiempo que logra divertir con elementos característicos de su estilo que bien supieron absorber, entre otros, los creadores de South Park.
Lejos de la eficacia que supo tener en "Cry Baby" (con Johnny Depp e Iggy Pop, 1990), Waters aún se mantiene fiel a su espíritu, forma de encuadre, montaje y musicalización. Jerry Lee Lewis y Billy Lee Riley, son algunos de los que aportan su rock caliente a la banda de sonido.
Humor guarro que remite al primer Almodóvar, con algunos gags bien logrados y actuaciones a tono con la satírica propuesta. No aburre, pero el efecto que seguramente busca generar en los espectadores tendrá que ser logrado en otras latitudes. Acá no hay cuáqueros que asustar.
El Dato: Sólo una copia disponible en el Hoyts Abasto.
Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

ADICTOS AL SEXO (A Dirty Shame) – Con Tracy Ullman, Chris Isaak, Johnny Knoxville, Selma Blair – Producida por Christine Vachon y Ted Hope – Escrita y Dirigida por John Waters – 89 minutos – Solo apta para mayores de 18 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA: triángulo de amor bizarro, en clave de animación

Tim Burton vuelve a las raíces del entretenimiento que lo hizo memorable, con un producto de exquisita factura que no sólo demuestra su vigencia, sino cuán lejos es posible llegar todavía dentro de un género como el stop-motion.
Producida y rodada casi en simultáneo con su producción de estreno más reciente, "Charlie y la Fábrica de Chocolate", esta película que apenas supera el medio-metraje revela al Burton que se hizo de una verdadera legión de seguidores a pulso, por obra y gracia de un simpático anti-héroe llamado Jack
Victor (con la voz de Johnny Depp en la versión original) también es en cierto modo un antihéroe. Hijo de un comerciante de pescado, nuevo-rico y arribista, va a casarse muy pronto con la hija de un par de aristócratas venidos a menos. Nunca se vieron antes, pero desde el primer encuentro queda claro que pueden llegar a llevarse bien... Eso, si Victor no mete la pata antes.
Echado del ensayo de la ceremonia por el pastor (Christopher Lee, quién más), Victor llega al bosque y trata de practicar los votos usando como escenografía los troncos de los árboles a su alrededor. Pero incluso esto le sale mal... ya que termina desposando accidental e insólitamente, al cadáver de una novia que estaba enterrada en ese mismo lugar.
Construida en torno a guiños simples e inteligentes, que el público puede interpretar o disfrutar a elección, esta película se disfruta ampliamente cuanto más nos alejamos de la niñez. Hay algo de morbo "naïf" en las imágenes, la música, las situaciones que tienen lugar entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Un encanto aterrador y fatalista flota a lo largo de la historia de Emily, esa novia a la que mataron la noche misma en que iba a fugarse con su amor.
Habrá lugar para una cierta moraleja, pero es innegable que la moralidad está fuera de cuestión en este atractivo "cuento terrorífico-de hadas". Las voces de los actores, sus inflexiones, sus tonos, logran algo bien difícil en la industria de la animación, use la técnica que use: credibilidad. Cuesta recordar de a ratos, que detrás de estos prodigiosos muñecos hay personas de carne y hueso; que las voces les son prestadas.
Para abreviar, el último film de Tim Burton es disfrutable cien por cien, aunque más no sea por sus méritos técnicos (que son muchos) y ofrece de yapa una historia sencilla, romántica aunque no cursi, que cierra en un círculo perfecto. ¿Lo ideal? verla subtitulada y sin niños. ¿Lo peor? Que deja esa sensación de haber terminado tan rápido...
Nuestra calificación: Esta película justifica el 90 % del valor de una entrada.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA (Corpse bride) - Con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson y Christopher Lee (Se presentan 18 copias subtituladas y 22 dobladas al castellano, las cuales no recomendamos) - Guión de John August, Caroline Thompson, Pamela Pettler - Producida por Allison Abbate y Tim Burton - Dirigida por Mike Jonson y Tim Burton - 77 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

AZUL EXTREMO: Haciendo agua entre National Geographic y Miami Vice

Con una estética a medio camino entre lo mejor del documental de cable y lo peor de Baywatch, la película de John Stockwell deriva un entretenimiento a medias, previsible y pasatista.
Una pareja de jóvenes y hermosos buceadores, interpretados por Paul Walker ("Rápido y furioso") y la ascendente Jessica Alba ("Los cuatro fantásticos", "La ciudad del pecado") viven tranquilamente en Bahamas. Pasan penurias económicas, y tienen un bote que se cae a pedazos y que él sueña con poner a punto para buscar por fin los tesoros hundidos con que siempre soñó. Mientras tanto, se ganan la vida como pueden.
Un día, el mejor amigo abogado llega de la ciudad. Trae consigo a una mujer a la que conoció en el avión, y viene a disfrutar de su buena racha con la parejita de buzos a la que tanto quiere. Lo que parecía iba a ser un fin de semana a pleno sol, jet ski y buceo aficionado, deriva en problemas cuando el grupo realiza un inesperado hallazgo a algunos kilómetros de la costa.
Si bien la calidad de las imágenes es impecable y la música acompaña con generosidad cada secuencia, a este film le queda muy holgado cualquier género en que busque encasillarse. La acción se limita a algunas escenas acuáticas muy bien logradas en lo visual, pero totalmente inverosímiles; por lo pronto,. todos los personajes son capaces de aguantar la respiración por más de cinco minutos.
Cualquier intento de sostenerse mediante el suspenso se ve truncado por la obviedad y los gruesos errores de continuidad que presenta la trama. Los actores tienen un lucimiento acotado, pero el guión no amerita mayor brillantez, y si sumamos todos los ingredientes caemos en la cuenta de que "Azul Extremo" logra lo peor: Aburrir. Los minutos se hacen eternos, y la sucesión de clichés y lugares comunes no contribuye a hacerlos llevaderos.
Cuesta creer que tanta oferta de buen cine sea desplazada por esta clase de films, agravando la tendencia de estos últimos tiempos de ocupar pantallas sistemáticamente para asegurar la continuidad de la industria mainstream.
En síntesis: mejor mire la semana del Tiburón en Discovery Channel, y si se queda con ganas de cuespos bronceados, siempre puede recurrir a las viejas series que repite el cable.
Nuestra calificación: Esta película apenas justifica el 40% del valor de una entrada.

AZUL EXTREMO (Into the blue) - Con Paul Walker, Jessica Alba, Scott Caan, Ashley Scott - Guión de Matt Johnson - Producida por David Zelon - Dirigida por John Stockwell - 108 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

WALLACE & GROMIT: Aire fresco con olor a plastilina

En una época donde las películas animadas solo parecen funcionar si son realizadas en 3D por computadora y haciendo chistes sin sentido, este dúo dinámico de muñecos de metal y plastilina llega para reafirmar que la calidad no está en la técnica y, de paso, para redefinir el "humor inglés".
Aunque parezca mentira, hace más de 20 años Nick Park, director del film, traía al mundo a esta pareja despareja, y costaron varios cortos, 2 premios Oscar, y otro film totalmente diferente para que los estudios Aardman se aventuraran con un largometraje de Wallace & Gromit.
La Batalla de los Vegetales embarca a nuestros héroes en una aventura anti-plagas en la que deberán liberar a la ciudad de una infestación de voraces y tiernos conejos que amenazan con arruinar el concurso anual de vegetales gigantes, el evento más importante de la comunidad, y en el que se compite por la Zanahoria de Oro. Pero como anuncia el título, las cosas se complicarán en "gran" medida.
Wallace & Gromit siempre se han caracterizado por sus peculiaridades y su humor inglés bien marcado, que sorprende por lo ingenioso mientras mantiene un nivel de inocencia poco común en estos días. Por suerte, todo ese espíritu que convirtió a este dúo en íconos de la animación, se mantiene en esta nueva aventura y se multiplica para que toda la familia sonría por 83 minutos corridos mientras descubre los extraños inventos del excéntrico Wallace, la lealtad silenciosa de su perro Gromit y a decenas de simpáticos conejitos, en una historia que tiene su buena cuota de aventura, misterio, risas y hasta romance.
Plagada de referencias al género de monstruos y gags escondidos en cada línea de diálogo y hasta en el último objeto de la escenografía, la pareja no invita a ser parte de su mundo. Un mundo en el que las cosas existen, son palpables, se sienten y tienen olor a plastilina. No hay cosas animadas en este universo, sino que tienen vida propia.
Este es finalmente un verdadero film para toda la familia, donde los niños no tendrán que conformarse solamente con ver cómo se golpean unos muñecos mientras los diálogos y sus chistes les pasan por encima, y los adultos serán los que insistan en volver a verla.

Como yapa se podrá ver en exclusiva antes del film, el estreno del corto animado de Dreamworks “Los Pingüinos de Madagascar en una Misión Navideña”.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

WALLACE Y GROMIT, LA BATALLA DE LOS VEGETALES (Wallace & Gromit, The Curse of the Were-Rabbit) Con las voces de Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter (En las copias subtituladas que se presentan en el Village Recoleta, Hoyts Abasto, Hoyts Martinez y Cinemark Palermo) - Guión: Nick Park, Steve Box, Mark Burton y Billy Frolick - Producción: Aardman Features - Peter Lord, David Sproxton, Nick Park - Dirección: Steve Box y Nick Park - 83 minutos - Apta para Todo Público - Estreno en la ciudad de buenos Aires: 06 de octubre.

PLAN DE VUELO: Otra vuelta de tuerca al misterio de la habitación cerrada

La pregunta sola genera un escalofrío. ¿Qué haría usted si su hija de seis años desapareciera? Y más aún… ¿cómo reaccionaría si esta desaparición tuviera lugar dentro de un avión con 800 pasajeros?
Una mujer recientemente viuda retorna a Estados Unidos con su pequeña hija Julia, y el ataúd de su esposo en la bodega del avión. Poco después del despegue, al despertar de un sueño inquieto, la mujer descubre que Julia ha desaparecido … y que nadie parece haberla visto siquiera subir al avión.
Enfrentando sus propios temores y la desconfianza de la tripulación, la señora Pratt deberá develar el misterio en torno a este suceso, a diez mil metros de altura. Completamente sola.
Jodie Foster acostumbra elegir cuidadosamente los papeles y guiones que se le ofrecen. No en vano "Plan de Vuelo" tuvo un excelente arranque en las taquillas norteamericanas. Sin embargo, hay que aclarar que pese a la aparente ambigüedad de la trama, el quid de la cuestión es más bien simple y perfectamente previsible según pasan los minutos.
Habrá que buscar el atractivo comercial del film en la subtrama: el delicado equilibrio mental y emocional de un ser humano, llevado al límite por las circunstancias que vive, además del lugar donde se encuentra.
No es difícil ponerse en el lugar de una ciudadana norteamericana post 11-S, cuando descubre, en el mismo avión donde su hija desapareció sin dejar rastro, a un grupo "sospechoso" de árabes. No es difícil comprender por qué el comisario de a bordo (Peter Sarsgaard, el más consistente en su rol) tiende a revertir su condición de madre-víctima a "potencial alborotadora". Estamos frente a algo más complejo que el miedo. Estamos frente a una paranoia cuyos coletazos contaminan incluso una trama cinematográfica que (se sabe) apunta a otra cosa.
El mayor logro del realizador Robert Schwentke es indudablemente el clima. La sensación de encierro, aún tratándose de un avión enorme, es vívida y se pega a la piel de tal manera que cuesta no imaginar que quien mira la pantalla, sentado en una butaca, es en realidad un pasajero más del vuelo en el que Kyle Pratt busca a una niña de dudosa existencia.
La trama, de un inteligente suspenso inicial y detalles dispersos (con la suficiente claridad, para que no se pierdan del todo) va deviniendo lentamente en una vuelta de tuerca bastante simple, casi esperable, y es entonces cuando tiende a perderse el interés. Si a esto agregamos un par de lugares comunes muy comunes, frases dichas sin alma en un contexto profundamente emotivo y el desperdicio de ubicar a Sean Bean en un papel cuasi caricaturesco… tenemos un problema, Houston.
El cierre es abrupto y no mejora las cosas, pero para cuando la película termine el espectador probablemente descubra que los primeros sesenta minutos valieron la pena y redondeará favorablemente. Quizás esperando que la Foster, emprenda un nuevo proyecto tan bien acompañada como en éste, pero (por favor) no tan acartonada.
Nuestra calificación: Este film justifica el 70% del valor de una entrada.

PLAN DE VUELO (Flightplan) - Con Jodie Foster, Peter Sarsgaard, Sean Bean y Erica Christiansen - Guión de Peter A. Dowling y Billy Ray - Producida por James Whitaker, Charles J.D. Schlissel, Robert DiNozzi y Erica Huggins - Dirigida por Robert Schwentke - 97 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 06 de octubre.

DANNY THE DOG: Casi un cuento de hadas en tono pulp

En la segunda película de Louis Leterier (El transportador) se abordan temas delicados, como la brutalización del ser humano y el conflictivo proceso de resocialización. Sin embargo, el tono por momentos naïf de la propuesta obliga a preguntarse por qué no se quedó Leterier con la veta de acción y patadas, que es la que mejor le queda. Luc Besson es recurrente en el guión y no se extrañen si este film les recuerda a "Nikita".
Danny es un hombre de 30 años, criado desde edad muy temprana por Bart, un usurero de los bajos fondos londinenses. Cada vez que una cobranza se complica, Bart se limita a quitar el collar del cuello de Danny y ordenarle que ataque… orden que es escrupulosa y mecánicamente cumplida vez tras vez. ¿Qué más se puede pedir de un hombre criado como un perro, durmiendo en un sótano insalubre bajo los pies de su "amo" y saliendo sólo cuando éste necesita llevar a cabo un "trabajo"?
Pero un día Danny conoce a Sam, un afinador de pianos ciego que agita sin quererlo un instinto desconocido dentro suyo. Pronto, Danny sabrá que existe algo más que la vida que conoce, y a la que nunca cuestionó conscientemente.
El tour de force de esta película está dado no tanto por las secuencias en las que Danny va evolucionando (de semiesclavo a ser social, de infrahumano a parte de un núcleo familiar) sino por los flashes que, al parecer, dispararán una escena de acción de un momento al otro.
Así es entonces como la película queda a medio camino entre la posibilidad de una trama de pura acción, y otra de drama progresivo y sensiblero. Leterier no parece encontrar el modo de equilibrar las cosas, y se apoya en la solvencia de sus actores, que encuentran personajes más que interesantes para desarrollar.
Se destaca especialmente Bart, a cargo de Bob Hoskins, como el tutor de Danny desde la infancia. Y por supuesto, el siempre efectivo Morgan Freeman, demasiado (y necesariamente) bueno, el perfecto contraste para el mundo de degradación del que surge el hombre-perro. En cuanto a Jet Li… digamos que le pone el cuerpo a su rol protagónico, intentando una expresividad difícil, limitada por las aristas propias del personaje que le ha tocado en suerte.
En definitiva, DANNY THE DOG es un film para disfrutar con ciertas reservas. Aunque si lo que esperaba era un duro y profundo análisis sobre la bestialización a que puede llegar el ser humano, mejor recurrir a un buen relato de Jack London. Si es "Amor a la vida", mucho mejor.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60% del valor de una entrada.

DANNY THE DOG, ENTRENADO PARA MATAR - Con Jet Li, Bob Hoskins y Morgan Freeman - Guión de Luc Besson - Producida por Europacorp y Steve Chasman - Dirigida por Louis Leterier - 102 minutos - Solo apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 06 de octubre.

CUATRO HERMANOS: Cuando la venganza queda en familia

Una mujer estaciona y baja de su auto, antes venía escuchando "Someboy to love" de Jefferson Airplane. No tardaremos en confirmar que la elección no fue azarosa. Que la actitud tomada con el niño que intentó hurtar un caramelo en aquel almacén, fue la misma que tuvo con muchos otros a quienes les dio atención y cuidado. Que solo una vieja hippie se haría cargo de cuatro de los peores elementos que una sociedad podría querer, y ni pensar en lo que hubieran sido sin ella.
Pero la adorable Sra. Mercer fue asesinada, brutalmente, a quemarropa. Y sus cuatro hijos del alma están en Detroit para despedirse de ella y buscar a quien la haya matado.
El film tiene buenas dosis de acción y supenso. Lo que se presentaba como un simple atraco seguido de muerte acabará siendo algo más. Y los muchachos irán descubriéndolo junto al espectador.

Más allá del mensaje de unidad dado por estos cuatro hermanos (dos negros, dos blancos) la película también presenta algunos ejemplos del racismo en los EE.UU. y subraya que la crueldad y la corrupción no distinguen colores de piel.
John Singleton debutó hace más de una década con "Boyz’n the Hood", una historia de pandillas que mereció dos nominaciones al Oscar (Mejor guión, mejor dirección) e impactó a la industria y al público.
Se destacan los trabajos de Chiwetel Ejiofor (Negocios Entrañables de Stephen Frears) y André Benjamin (miembro de Outkast, en su primer protagónico). La modelo y actríz colombiana Sofía Vergara, morocha para la ocasión, también cumple con su rol junto con un cast en el que nadie desentona.
Nota para cinéfilos: Tal vez recuerden un film de John Wayne y Dean Martin, con un joven Dennis Hopper, donde también son cuatro los hermanos de mala reputación que vuelven a su pueblo a raíz de la muerte de su madre y se proponen investigar que hay detrás del misterioso fallecimiento de su padre. "Los Hijos de Katie Elder" se llamaba y hay más de un punto en común con la cinta de Singleton.
Párrafo aparte para el soundtrack con puro sonido Motown e intérpretes como Marvin Gaye, The Temptations y Four Tops, entre otros.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

CUATRO HERMANOS (Four Brothers) – Con Mark Wahlberg, Tyrese Gibson, André Benjamin y Garrett Hedlund – Guión de David Elliot & Paul Lovett - Producida por Lorenzo di Bonaventura – Dirigida por John Singleton – 107 minutos - Solo apta para mayors de 16 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de Septiembre.

HECHIZADA: Pócima incorrecta.

A mediados de 1964 la cadena ABC presentó al público la serie "Bewitched", conocida en la Argentina como "Hechizada". La relación entre la bruja Samantha (Elizabeth Montgomery) y Darrin Stevens (Dick York, reemplazado en 1969 por Dick Sargent) un mortal empleado de una agencia de publicidad atrajo al público, siempre receptivo a los cuentos de hadas. El suceso fue tal que provocó a la competencia a producir un show del mismo estilo. El encargado de "crear" el programa fue Sidney Sheldon y su nombre fue "I Dream of Jeannie", conocido en las pampas como "Mi Bella Genio" (cuyo film también se está preparando para el año entrante)
Año 2005. Llega a las pantallas argentinas la versión cinematográfica de "Hechizada". O algo parecido.
Isabel Bigelow (Nicole Kidman) es una bruja que llega a Hollywood decidida a vivir como una simple mortal. Jack Wyatt (Will Ferrell) es un actor en decadencia en busca del rol que redefina su carrera, y el protagónico en la remake de una vieja serie televisiva parece ser su oportunidad. Será Darrin Stevens en la nueva "Bewitched". Solo resta encontrar a la actriz que personifique a Samantha, y un requisito excluyente es… mover la nariz como Montgomery lo hacía. El azar hará lo suyo e isabel deberá renunciar a su idea de abandonar la brujería.
Kidman es seguramente la única opción al momento de representar este papel. Su parecido con la actriz original es impresionante, así como Ferrell es efectivo en su rol, tal vez algo sobreactuado. Acompañan Michael Caine, preciso, experto y Shirley McLaine que se impone a fuerza de oficio en un personaje de grueso trazo.
Escrito por quien es también la directora, Nora Ephron ("Cuando Harry conoció a Sally", "Mi Cielo Azul") el film no es divertido. El inicio no es nada prometedor, muestra los títulos de presentación acompañados de una canción desconocida, sin significado alguno, mientras se lee "Bewitched" con la tipografía original de la serie.
Desorientación. Esa es la palabra para definir a esta película. Lo que se plantea como "vida real" dentro de la historia, acaba siendo el guión del primer capítulo de la serie original, y lo demás una excusa para realizar un film en base a una sitcom de media hora.
En síntesis, son 103 minutos que parecen eternos, cosa habitual cuando una propuesta que pretende divertir y hacer ameno el paso del tiempo se torna aburrida y sin gracia. Como un mal chiste. O lo que es peor, como un buen chiste, extendido y mal contado.
Nuestra Calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

HECHIZADA (Bewitched) - Con Nicole Kidman, Will Ferrell, Michael Caine, Shirley Mc Laine y Steve Carell - Guión de Nora y Delia Ephron - Producida por Nora Ephron y Penny Marshall - Dirigida por Nora Ephron - 100 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de Septiembre.

Don Adams nos dejó a Smart

Los cómicos gustan del público con sentido del humor y que les encante reir. Una persona que sea así alcanza para contagiar al resto. Eran los comienzos de los 60 y Arthur y Lois asistieron al cluba Mocambo, en Sunset Strip. Era la primer sesion de la noche y un joven comediante contaba chistes que provocaron las carcajadas de la mujer. Terminada la función, mientras la pareja se retiraba, el comediante se acercó a Lois y le rogó que se quedará a la segunda función.
-La necesito – dijó él con tono de súplica... (anécdota relatada por Arthur Marx en su libro "Mi Vida con Groucho")
Ese comediante era nada menos que Don Adams. Nacido Donald Yarmy un 13 de Abril de 1926 en New York City, tomó el apellido que lo hizo famoso de su esposa. El otro apellido que lo consagró le fue dado por Mel Brooks: Smart, Maxwell Smart, "temible operario del recontraespionaje" según Jorge "Tata" Arvizu, actor mexicano que le dió voz en castellano. A este respecto Brooks declaró una vez que "nadie habría hecho un show acerca de un idiota. Así que decidí ser el primero".
"Get Smart" (juego de palabras que puede significar "avivate", "sé listo" o "Traigan a Smart" y presentado en latinoamérica como "El Superagente 86") comenzó a emitirse un 18 de Septiembre de 1965 y, 138 episodios después, finalizó un 15 de Mayo de 1970. Esta sátira al mundo de los agentes secretos, especialmente inspirada en "El Agente de Cipol", ganó siete premios Emmy de los cuales tres fueron para Adams.
Diez años después intentó recrear el personaje en un fallido film (The Nude Bomb, Clive Donner) protagonizando nada menos que junto a Vittorio Gassman. Es difícil describir lo mucho que nos decepcionó aquel film. Sin el Jefe (Edward Platt, fallecido en 1974) ni la "99" (Barbara Feldon), apenas se veía el rostro ya familiar de Larabee (Robert Karvelas, primo de Adams) en un papel secundario.
Pero hubo revancha. En Febrero de 1989 se estrenó en Estados Unidos el telefilm "Get Smart Again" con el sobreviviente cast original de la serie: Barbara Feldon (99), Bernie Kopell (Siegfried), Dick Gautier (Hymie) y Robert Karvelas (Larabee). La dirección estuvo a cargo de Gary Nelson quien ya conocía al elenco por haber dirigido varios episodios de la serie en la tercera y cuarta temporada, entre ellas la formidable "The spy who met himself" donde el maléfico Siegfried logra reemplazar nada menos que al Jefe y a Smart con dobles perfectos, imposibles de diferenciar de los originales.
Comenzamos hablando de Don Adams y terminamos contando la historia de la serie que lo inmortalizó. Tal vez no querramos llegar al nudo del asunto.
Y no lo vamos a hacer.
Adams pagó el precio que otros como Adam West, Guy Williams o Bob Denver tan bien conocen y conocieron. El quedar marcados para siempre por un personaje. No poder desarrollarse como actores de la forma que alguna vez soñaron. Pero que reciben a cambio lo que muchos no obtienen facilmente: El amor incondicional de un público agradecido por tantos momentos de entretenimiento y diversión. Uno no olvida a aquellos que le hacen reir. La gratitud es eterna.
Como ese Smart que día tras día y por siempre nos seguirá divirtiendo en la pantalla que sea.
Ven? Uds. no podrán retrucar con el famoso "Le dije que no me lo dijeran"... porque no se los dijimos.

SE BUSCA PAREJA: Maduritos en la web

Con los primeros vientos de la primavera llega a la pantalla local ”Se Busca Pareja”, relato liviano sobre las relaciones de pareja y los enredos que puede traerle a más de uno el buscar citas por Internet.
Sarah Nolan (Diane Lane) es una maestra de jardín recién divorciada, que no puede terminar de superar la soledad. Se la ve descuidada, desmotivada y sobre todo hipersusceptible. Su familia (padre, hermano y hermanas, todos irlandeses de pura cepa) no pueden evitar intervenir una y otra vez, llevándole fotos de posibles candidatos. Sarah no quiere saber nada de eso, pero un día sus hermanas Christine y Carol le confiesan que publicaron su perfil en un portal de citas en Internet… y ha comenzado a recibir respuestas.
Jake Anderson (John Cusak) es un sensitivo y temperamental constructor de botes de madera para competición y fanático del film Dr Zhivago (de persistente referencia a lo largo de la película, como se verá). Recientemente abandonado por su mujer, atraviesa una etapa de profunda introspección. A instancias de su mejor amigo, intenta retomar su vida social… conociendo mujeres por Internet.
El director, Gary David Goldberg, proviene de la TV y tal vez se deba a eso el perfil lavado de los personajes, que parecen querer contar en apenas cinco minutos sus vidas completas, con diálogos histéricos y recitados de corrido que no permiten el lucimiento de dos partenaires como Diane Lane y John Cusack, de probada eficacia en la pantalla.
Del cast se luce el eficiente y siempre elegante Christopher Plummer como el padre de Sarah, Bill, y Stockard Channing como la alocada Dolly, una mujer a quien Bill conoció por internet, paradójicamente, antes de que su propia hija se atreviera a dar el paso. Ambos sostienen las situaciones más forzadas del guión con una naturalidad que las vuelve, si no verosímiles, creíbles.
Todo apunta a la sonrisa permanente y fácil; los dramas que sobrevienen al divorcio en una etapa (tan sensible para hombres y mujeres) como es la mediana edad, quedan plasmados en dos o tres minutos sueltos. El resto, es una sucesión de situaciones previsibles y predecibles.
La música acompaña en todo momento y la fotografía es excelente, así como los climas creados mediante los juegos de luces y sombras en los diferentes ambientes. Los personajes, todos de clase media a alta, transitan a través de espacios cuidados donde todo está en su lugar.
“Se Busca Pareja” es una de esas películas que el espectador sabe cómo empiezan, se desarrollan y terminan, pero que va a ver con gusto y sale con ganas de abrazar a ese ser querido… Si es que no lo llevó al cine a verla, claro.
Nuestra crítica: Esta película justifica el 70% del precio de una entrada.

SE BUSCA PAREJA (Must Love Dogs) – 98 minutos - Apta para mayores de 13 años
Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 22 de Septiembre.

Entrevista a Pino Solanas: “No es un momento de lo más interesante para el cine”

El pasado 15 de septiembre se estrenó en Argentina “La dignidad de los Nadies”; un film que marca la continuidad de la temática iniciada con “Memorias del saqueo” (2004) y a la vez reafirma el retorno del emblemático director a lo que fuera su género de mayor referencia.
Previamente se presentó en la 62ª edición del Festival de Cine de Venecia y recibió tres premios: Mejor película latina, Mejor documental y el Premio Derechos Humanos. En su breve paso por la ciudad de Buenos Aires con motivo del estreno de este film, Solanas charló con CineyMedios sobre su obra, el retorno al documental y el arte que mejor domina: el cine.

A partir de Memorias del Saqueo, y el estreno de La Dignidad de los Nadies, que es en cierto sentido un retorno al cine de sus primeras épocas, se plantea una pregunta casi necesaria. ¿En el panorama del cine nacional actual no se siente un poco solitario, dada la tendencia a un cine un poco más intimista, de pequeñas historias, con una identidad más individual que colectiva?
No sigo todo el cine nacional; no podría hacerlo porque en este momento no llego a ver una película por semana. Hay un movimiento documental que se ha comenzado a perfilar muy fuerte desde finales de los años ’90. Desde “La hora de los Hornos”, que la hice en la clandestinidad, hasta “El exilio de Gardel” que es una de mis películas más creativas… no puedo decir que me preocupe estar solo o no, nunca me preocupó.
Lo que me preocupa es el valor cultural, estético, cinematográfico de la obra que hago, para que quede. No he hecho cine como lucro, siempre me preocupó el tema de la comunicación.
Todas mis películas son coproducciones internacionales, desde “El Exilio de Gardel” en adelante estuvieron en los festivales europeos más importantes. Y todas premiadas en Venecia y Cannes. Y por “Memorias del Saqueo”, que fue la única película que envié a Berlín, terminaron dándome el premio a la trayectoria. En solitario, todas mis películas han tenido difusión internacional, cuando en Argentina no la habían tenido en su momento.
Estamos hablando particularmente de “La Dignidad de los Nadies”, que vendría a ser, según algunos, una suerte de segunda parte de "Memorias del Saqueo"…
No es una segunda parte, porque es una película muy distinta de Memoria… Es una película que forma parte de una tetralogía que estoy realizando, de cuatro películas sobre la Argentina, pero cuatro películas independientes. “Sur” no es la segunda parte de “El Exilio de Gardel”. Son dos películas que funcionarían como un díptico, porque las dos están ubicadas en la época de la dictadura, El Exilio… toca el exilio de afuera, y “Sur” el exilio de los de adentro. Ambas son dramáticas y musicales; las dos con música de Astor Piazzolla, y casi con los mismos actores.
Todas estas películas vendían a formar parte de una temática sobre Argentina, pero se pueden ver de manera independiente.
Actualmente el tono se vuelca mucho a lo documental, a diferencia de lo que venía filmando hasta el año 2000…
Exactamente, son películas de fuerte tono testimonial, pero en ellas se utilizan procedimientos del cine de ficción, son películas con mucho trabajo estético, con mucho trabajo cinematográfico. Lo uno no debería anular lo otro…
Es como volver a ese 1969: Los caminos de la Liberación…
Esa fue una producción conjunta con la temática del Cordobazo que realizamos 10 cortometrajistas (N de la R: Nemesio Juarez, Eliseo Subiela, Octavio Getino, entre otros). Yo realicé un fragmento y hoy no tengo copia.
¿Fueron 10 cortometrajes unidos? ¿O bien un único producto en el cual cada uno se hizo cargo de una parte?
Si, cada uno se hizo cargo de una parte, y después se juntó, pero no me acuerdo mucho porque no la volví a ver.
Es bastante evidente que hemos sufrido un proceso de aculturización que se profundizó mucho en los años ’90, y pensamos que tal vez el cine argentino actualmente es hijo de esa aculturización. Son películas de una profundidad más bien nominal, no hay un compromiso del director hacia lo que filma, como el que podría haber tenido usted, Gleyzer o Cedrón. Es posible que esta realidad de nuestro cine sea hija de ese proceso?
No quisiera dar una opinión muy acabada ya que no cuento con toda la información como para hacerlo. He visto películas realmente muy buenas…
A quiénes destacaría particularmente?
Bueno, me parece muy talentosa la Lucrecia Martel (sic). “La Ciénaga” y “La Niña Santa” son películas que tienen un estilo, tienen una mirada interesante; me gustó “Mundo Grúa”, de Trapero… Menos me gustó “El Bonaerense” aunque está mejor hecha. Es un poco como si los jóvenes realizadores tuvieran miedo de desatar el paquete de lo que son los temas de actualidad pública.
Cuando leés los diarios y ves las grandes roscas de los comisarios con lo de las drogas, los secuestros extorsivos, y ves el Bonaerense…
Es una lectura más lavada…
Claro… falta profundización. Pero no es que esté mal. No es necesario que un director de cine se convierta en el típico denunciador. El cine de ficción no tiene necesidad de explicar el mundo; tiene necesidad de expresarlo, pero expresarlo profundizando algo más de lo que uno conoce de la realidad o de los personajes simplemente leyendo los diarios. Tengo la sensación que la generación de cineastas de entre 25 y 40 años, es la generación a la que los agarran los años ’90, el posmodernismo, es la que viene después de la dictadura y viene marcada por el “no te metás”. Lo que me sorprende es que la nueva generación no encuentra una mirada más inquisidora. Tampoco me encuentro con una formación cultural o cinematográfica interesante. Buena parte de los realizadores están fascinados por la tontería del cine americano. Donde no sale de su dramática de causa y efecto, del “argumento”; todo lo que no está dentro del argumento, que es la vida, lo dejan al costado… Y la polarización infantil dramática que hacen.
El cine americano para mí se ha ido imbecilizando en la medida que la cultura de los medios de comunicación de masas y la historieta han ido avanzando sobre el cine. No avanzó la gran novela sobre el cine; avanzó la historieta, los géneros menores de la cultura popular. No es un momento de los más interesantes para el cine.
Hay grandes autores en el cine ruso y en el cine oriental, y no encuentro grandes autores en el cine americano. Por supuesto hay excepciones; me refiero a Coppola, Woody Allen, Jarmusch. Grandes realizadores hay…
… pero en la masa quedan un poco perdidos.
La verdad que no me interesa. El cine de suspenso, el cine de género, el cine policial, siempre lo vi muy poco, no me interesa. Y eso lo hacen muy bien; la Guerra de las Galaxias, los trucos, lo hacen muy bien, pero no me interesó nunca ese cine.
A mí siempre me gustó más el cine italiano: Fellini, Visconti, De Sica.
¿Es posible hoy hablar de un tercer cine, como se habló en la época de su primera proyección como cineasta documental?
Bueno, yo creo que las circunstancias han cambiado pero lo que queda permanente, y válido, es la tentativa de construir un cine nacional que escape a la uniformización masiva del cine. Todo el cine de hoy está muy marcado por la televisión y el ritmo televisivo; y por los modelos dramáticos de Hollywood, la estructura de suspenso. Trato de escaparle a esto y definir un cine nuestro. No necesariamente uno tiene que moverse en los modelos del cine europeo; en ese sentido se valora la búsqueda de un cine nacional. Cada cual, que busque su lenguaje. En general, hay una tendencia a hacer un cine efectivo que guste al espectador. Y el gusto del espectador, como se forma en la televisión, está cada vez más degradado. En mi generación, nos descubríamos y nos formábamos el gusto cinematográfico mirando el cine en las salas, viendo gran cine.
Yo sigo haciendo un cine que tiene que ver con la gran temática nacional, con los grandes temas y conflictos de la Argentina. Yo me planto no solamente como dramaturgo, cinematográfico, sino al mismo tiempo en películas como esta, de parte mía intento adoptar la actitud del historiador, que analiza y estudia los hechos acontecidos con un cierto rigor.
Teniendo una realidad nacional tan rica como la que tenemos, con sus luces y sombras, abundan ideas para realizaciones que podrían ponerse a la par de las suyas. Sin embargo eso no sucede. Y paradójicamente hay un incremento en la apertura de escuelas de cine, de institutos que enseñan a filmar no sólo en lo técnico sino apuntando a desarrollar una mirada propia en los futuros realizadores.
¿Tiene que ver con este avance de los géneros menores que mencionaba?¿El hecho de que estos realizadores no busquen en la realidad que tienen más al alcance de la mano?
Yo creo que esto ya tiene más que ver con un tema de valores, y también ayuda mucho el tema de la imbecilización de la crítica. Hoy la crítica sigue las modas de afuera. Un gran porcentaje de la crítica, cuando clasifica o juzga una película extranjera, hace mucho más esfuerzo que cuando juzga una película local. Entonces mistifica cosas que son absolutamente intrascendentes. Es correa de transmisión del modelo cinematográfico que mistifica extraordinariamente las cosas. Que hace que a realizadores apenas interesantes, se los convierta en mitos.
Por ejemplo?
Por ejemplo… ¿Qué importancia tiene Tarantino? Tarantino es un ídolo absoluto de toda la generación de los años ’90. ¿Qué le aporta al cine Tarantino?
Tal vez le aporte en sí a la forma… a las formas de filmación.
¡Y tampoco!... después de ver “El Padrino” de Coppola, ¿qué le aporta el señor Tarantino? Ojo que Tarantino no está solo, hay otros realizadores de los que también se hace un mito excepcional y no son interesantes.
¿Le parece a usted que el cine documental, con recursos de ficción, como es el suyo se puede reinstalar en un mercado como es el del cine nacional actualmente? ¿Llevar al público a ver documentales nuevamente, a las salas?
Son cosas que tienen que ver con lo cultural. En tanto la sociedad argentina está dominada por medios de comunicación de masas, de un nivel tan mediocre de contenidos y de formas, el gusto de la opinión pública está regido por ese gran patrón que es la televisión. Pero no se puede cambiar una sociedad si el transmisor de modelos civilizatorios, gustos, costumbres, son esos programas nocturnos de la televisión. Una televisión que tampoco difunde el cine argentino porque no le interesa, ni difunde cine latinoamericano. Si difunde cine, es el norteamericano y nada más.

2005©Cine&Medios

Una fiesta dura de domar...

Buenos Aires - ( Cine & Medios ) - La noche del miércoles 14 fue la elegida por la productora PPT, de Diego Gvirtz, para festejar su llegada al Canal 13 con el programa "Duro de Domar". En un local de las cañitas se dieron cita los protagonistas del ciclo: Guillermo Pardini, Jackie Keen, Sebastián Wainraich, Diego "Chavo" Fucks, María Fernanda Iglesias y el "mini" Juan Carlos Velázquez. El conductor del envío Roberto Pettinato fue el gran ausente en la fiesta, problemas de índole familiar le impidieron asisitir.

En una gran pantalla se pudo ver un avance de lo que será la presentación del programa donde se muestra al elenco dentro de una casa rodante con dirección a Canal 7... El resto hay que verlo el lunes 19, al término de "La Noche del Diez".

En un clima de fiesta, con música ochentosa, mucho baile, generosa en bebidas y comida, se pudo ver entre los asistentes a Willy Crook, Ari Paluch, Reynaldo Sietecase, los hermanos Korol, Nicky Jones y el siempre vigente Johnny Allon, quien confió a Cine & Medios la primicia de su regreso a la música con un disco que fusiona el rock & roll estilo Johnny Rivers con algo de salsa... Habrá que escuchar. Además se hizo presente la última dupla de TVR, José María Listorti y Gabriel Schultz, ambos actualmente sin certezas en cuanto a su futuro televisivo.

En otro orden de cosas, Jackie Keen desmintió que se tomará libre lo que resta de la temporada. Seguirá hasta fin de año, época en la que se casará y a partir de ahí decidirá si continuará el año entrante.

En síntesis, se festejó el cambio, la continuidad laboral (que no es poco) y todo en una fiesta en donde el término "kistch" no desentonó en absoluto.

Festival de cine independiente en Mendoza

BUENOS AIRES - ( Cine & Medios ) - Lunes 12 por la tarde. El hall del recientemente refaccionado Teatro Lola Membrives, en la calle Corrientes, rebosa de gente. Algunas caras conocidas se destacan sobre el resto: Jorge Corona, Ulises Dumont, Enrique Liporace, Emilia Attias... ¿El vernissage de algún lanzamiento teatral? No: la presentación oficial del 1er Festival de Cine Independiente de San Rafael, Mendoza, a realizarse entre los días 12 y 15 de octubre próximos.
Los encargados de brindar la charla de introducción fueron el inefable Jorge Coscia, presidente del INCAA, la senadora mendocina Marita Perciaval (una de las principales impulsoras de las leyes de subsidios a la actividad cinematográfica) y el propio intendente de San Rafael, Omar Félix.

En una presentación destinada principalmente a la promoción de esta región de Cuyo, famosa por sus viñedos, se habló de cine, de federalismo, de la búsqueda de una identidad cinematográfica latinoamericana y (por qué no) de los logros del Incaa y el parlamento en lo tocante a la industria del cine argentino.
La primera en hablar fue la senadora Perciaval, que sólo tuvo elogios para con la gestión de Coscia al frente del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales. A lo que éste retrucó con el viejo refrán acerca de "tener un hijo, escribir un libro (logros que ya ha alcanzado) y plantar un árbol". En este caso... el álamo, símbolo de la ciudad de San Rafael e ícono representativo elegido para la muestra.
Coscia señaló floridamente "he plantado un pino (en alusión al festival de cine de Pinamar, que tuvo lugar en diciembre de 2004) y ahora estoy plantando un álamo". Siempre jugando con la metáfora del álamo como protección de los viñedos, agregó que "un país que no se preocupa por la cultura, es un país ciertamente desprotegido... La cultura es tan necesaria como la salud y la educación, en lo que hace a la protección de los pueblos".
El intendente Félix, en tanto, destacó las bondades de la región y su apertura a las propuestas culturales. Definió al hombre como transformador de la naturaleza, y a la cultura en tanto transformadora de los hombres en un esfuerzo por estar a la altura de los dos entusiastas oradores.
La breve introducción finalizó con un desfile de Mauleón + Hernández, dos jóvenes diseñadores sanrafaelinos que presentaron a algunas modelos vestidas con extravagantes atavíos, basados en piel, fílmico y tela antigranizo... Desfile que mediante la combinación de elementos comunes a la cultura de Mendoza pretendió reflejar la mixtura "hombre-naturaleza", tan presente en el evento.

EL AURA: Senderos que se bifurcan...

Con una impecable factura técnica y una historia que esconde más de lo que muestra, el realizador Fabián Bielinsky se acerca más al cine de autor que a la media de la producción nacional.
Mientras alguna corriente de "nuevos realizadores" apuestan a la mirada autoanalizante, casi intimista, el guionista y director que supo ofrecernos "Nueve Reinas" cuando el panorama local parecía falto de ideas, regresa para mostrar su última creación.
"El Aura", definición médica del instante que precede al ataque de epilepsia, anticipa de qué viene la mano con Esteban, taxidermista parco e introvertido (Ricardo Darín, impecable en el que podría ser un papel bisagra en su carrera). A Esteban le gusta encerrarse a trabajar obsesivamente mientras escucha Vivaldi e ignora a su mujer. Mientras trabaja, conspira. Es un apasionado esteta del crimen perfecto.
Acepta la invitación de otro taxidermista y viajan juntos al sur en una excursión de caza que termina mal. No podía ser de otra manera, ya que al rechazo de Esteban a matar un animal se suman una franqueza directa y dolorosa. El amigo se ofende y se va, dejándolo solo en las cabañas de un cazador de la zona, Carlos Dietrich, junto a la joven co-propietaria, Diana (Dolores Fonzi) y el hermano de ésta, Julio (Nahuel Pérez Biscayart).
Esa misma noche, dos desconocidos llegan a buscar a Dietrich, que se demora inexplicablemente. Se traen un asunto entre manos que Diana no comprende y su hermano se niega a explicar. Esteban pasa de turista ocasional a partícipe accidental, y mientras lidia con su epilepsia comienza a desenredar la trama de un golpe perfecto…
Ambientada parte en los áridos paisajes del sur y parte en los bosques de Cariló-Pinamar, la película se toma su tiempo para instalar un clima que no decae. El ritmo es absolutamente pausado y personal. Las tomas son detalladas y las escenas continuas, casi sin cortes.
La música y el sonido ambiente ofrecen un adecuado marco a este relato en azul tenue, donde incluso la luz incide de formas distintas, dependiendo del ámbito de la narración o bien del personaje que entra en cuadro. Las transiciones entre escenas son impecables, aunque a medida que pasan los minutos, se empieza a sentir el agobio de tantos planos largos.
Pocas palabras, muchas preguntas y las resoluciones casi siempre abiertas a la interpretación del espectador constituyen en esta película el sello Bielinsky. Sería un error interpretar este film en relación a "Nueve Reinas" o pretender analizarlo desde el mismo lugar. Son dos productos bien diferenciados, con un sello de autor inconfundible... y apenas eso.
El Aura no necesita ganar premios para demostrar la calidad de su realización. Las actuaciones están en todo momento a la altura de un guión exigente, si bien los diálogos por momentos suenan un poco forzados, casi incómodos. Sea que la acompañe la taquilla o no, estamos frente a un film para destacar entre los (muchos) estrenos locales de los últimos tiempos.
Nuestra critica: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EL AURA – 135 minutos – Apta para mayores de 13 años. Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de septiembre