COMO SI FUERA CIERTO: Amor en la dimensión desconocida.

"You, soft and only / You, lost and lonely / You, just like heaven" canta Robert Smith con su grupo The Cure en el álbum "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me" de 1987. Dieciocho años después la canción musicalizará y titulará un filme. El que cuenta la historia de una abnegada y eficiente médica llamada Elizabeth (Reese Witherspoon) que tras una agotadora guardia es notificada acerca de su ascenso en el hospital donde trabaja. Dedicada de lleno a su labor y sin tiempo para socializar, y por ende para conocer a quien pudiera ser su pareja, Elizabeth siente ahora que puede comenzar una nueva vida... Pero lo que ignora es como y donde. Un trágico accidente será el principio del camino.
David (Mark Ruffalo) recorre San Francisco buscando un lugar en donde vivir. Luego de visitar departamentos varios el "destino" le ofrecerá uno muy especial. El que habitó Elizabeth. Ya asentado en su nuevo hogar David descubrirá que no está solo.
"Como si fuera cierto" es una comedia romántica que apela al recurso fantástico de poner en escena a un fantasma para interactuar con un mortal, ambos en busca de respuestas. Las que necesitan aquellos que aún no encontraron un amor o los que lo perdieron.
Metafísica mediante el director Mark Waters ("Chicas Pesadas") construye una película ágil y compacta, con ideas claras y sin pretensiones. Lo sobrenatural sirve de excusa para hablar de esa otra experiencia ajena a la razón que es el amor.

El fantasma de Elizabeth no puede tomar un teléfono y atraviesa paredes, pero sí puede estar sentada en una camioneta o arrugar una sábana. Es más que evidente que no se buscó poner el acento en la lógica de lo fantástico sino exponer la metáfora anteponiendo la idea por sobre los efectos. Personajes bien delineados y una solvente labor de Witherspoon hacen de este filme una agradable propuesta en precisos y disfrutables 83 minutos de historia.

Nuestra Calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

COMO SI FUERA CIERTO (Just like heaven) – Con Reese Witherspoon, Mark Ruffalo, Donal Logue y elenco – Guión de Peter Tolan basado en la novela "If Only It Were True" de Marc Levy – Producida por Laurie Mac Donald, Walter F. Parkes y David Householter – Dirigida por Mark Waters – 87 minutos – Apta para todo público – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de diciembre.

TEMPORADA DE PATOS: Postales de una tarde cansina.

Es un domingo cualquiera en Ciudad de México. Dos adolescentes, Flama y Moko se preparan para disfrutar de un día tranquilo en casa de Flama, ya que su madre salió, dejándoles coca cola en la heladera y dinero para las pizzas. Todo parece demasiado perfecto. Sin embargo las cosas pueden (y van a) cambiar.
En medio de una reñida competencia de videojuego, la luz se corta. El pedido de la pizza se transforma entonces en una competencia en sí misma. Según la pizzería, si llega tarde es gratis. Los muchachos cronometran y el pedido para ellos llega con un once segundos de atraso, pero el joven del delivery no está de acuerdo y se instala dispuesto a cobrar. Para colmo se cuela en la cocina una insistente vecina (un par de años mayor que los chicos) decidida a hacerse una torta de cumpleaños.
Ahora son cuatro personas que recién se conocen, en un departamento sin luz, y el ambiente es de pocos amigos. ¿Qué más podría salir mal?
El director Fernando Eimbcke debuta en la dirección de largometrajes con esta cálida película ambiental. Filmada en un blanco y negro sin estridentes contrastes, con mucho sonido directo y prácticamente nada de música, Temporada de Patos dibuja un paisaje de situaciones y caracteres más que atrayente.
Si bien en un principio resultan algo molestos los planos alargados en el tiempo, una vez establecido el timing la trama simplemente discurre, dejando que los personajes mismos lleven las riendas de la acción.
Casi sin proponérselo, la narración va derivando de un registro tenso al principio, a uno más relajado. A medida que pasan las horas, los personajes interactúan de una manera más profunda unos con otros. Surgirán confesiones y revelaciones clave con la mayor naturalidad. Los pequeños dramas personales requieren de decisiones, y ese domingo más de un alma perdida encontrará el camino a seguir.
Hay que destacar que la cuidadosa fotografía brindará más de un guiño al público avezado en cuestiones musicales (Eimbcke viene de una galardonada trayectoria como director de videoclips). Junto a la calidad interpretativa de los cuatro actores principales (excelente Enrique Arreola), es de lo mejor de este film. Que, en definitiva, es para tenerlo en cuenta ya que suelen durar muy poco en las carteleras locales.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 80 % del valor de una entrada.

TEMPORADA DE PATOS - Con Daniel Miranda, Diego Cataño, Enrique Arreola, Danny Perea - Producida por Christian Valdeliévre - Guión y Dirección de Fernando Eimbcke - 88 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 22 de diciembre.

KING KONG: Clásico de clásicos

La ambición que todo corrompe, que tuerce destinos y modifica la naturaleza de las cosas. O la naturaleza misma. Esta es la historia del ambicioso y mediocre director Carl Denham (Jack Black), de la joven actríz Ann Darrow (Naomi Watts) y del escritor Jack Driscoll (Adrien Brody).
A comienzos de la década del treinta los EE. UU viven la gran depresión económica. Ann busca una oportunidad dentro del negocio del espectáculo. Denham está desesperado por encarar el proyecto que puede salvarlo de la bancarrota moral y financiera. El destino hará que sus intereses se crucen e inicien, sin saberlo, el viaje más fantástico que jamás hubieran imaginado.
En una remota isla del pacífico, inexistente en los mapas, el tiempo parece haberse detenido. La evolución de las especies jamás inició. Allí todo funciona como la naturaleza manda hasta que los "civilizados" llegan. Los habitantes de la isla descubren entre los visitantes a quien será la ofrenda viviente para el simio gigante llamado Kong.
El neocelandés Peter Jackson decidió encarar el trabajo de revisionar un clásico al que jamás se le hizo justicia con su posteriores adaptaciones. El film de 1933 dirigido por Merian Cooper y Ernest Schoedsack no solo marcó un quiebre en cuanto a la propuesta argumental sino también a la utilización de efectos especiales. En particular, el uso del Stop Motion a cargo de Wlliam O’Brien, quien dio vida cuadro a cuadro al mono gigante (no más que un muñeco con esqueleto de alambres). Así y todo se trata de una obra imperecedera y asombrosa en su realización.
No es extraño que haya fascinado a Jackson, quien con respeto, pero también con gran osadía, nos presenta tres horas de acción y aventuras, narrando con astucia una historia conocida. La bella y la bestia en su máxima expresión, gracias al convincente trabajo de la australiana Watts, y la gestualidad prestada al simio por el actor Andy Serkis (Gollum en "El Señor de los Anillos") a través de un sistema digital de animación. Serkis interpreta además el rol de Lumpy, miembro de la tripulación del barco que lleva a los protagonistas hacia Skull Island, hogar de Kong.
Habrá que situarse, ciertamente, fuera de algunos parámetros lógicos. Estamos frente a un producto de neto corte fantástico, donde los personajes se mueven en un ambiente regido por su propio verosímil. Las criaturas que habitan Skull Island, brillantemente logradas en base a la mejor tecnología digital, conviven con los actores con bastante naturalidad. Las escenas donde aparecen, son pura adrenalina y mantienen la tensión del espectador en todo momento.
Mención aparte para la escena que condensa toda la potencia de la historia original: Kong trepando al Empire State con Ann en una de sus manos, para enfrentar su destino final. Logradísimos planos aéreos y de acercamiento que atrapan la mirada del espectador más avisado.
Sin dudas este film nos devuelve al mejor Jackson, quien a pesar de estar atado a un trabajo previo se lo nota cómodo, haciendo propia esta fábula ecológica cuyo mensaje aún no parece ser del todo comprendido. Aunque la mirada de Ann, mezcla de compasión, culpa y gratitud, es tal vez la mejor imagen para resumir lo lejos que puede llegar el hombre a causa de la ambición.
El dato: Se estrenan en la Argentina 135 copias de las cuales 80 son subtituladas y 55 dobladas al castellano. A prestar atención al momento de adquirir su entrada. Obviamente si usted sabe leer le recomendamos ver la versión original.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

KING KONG - Con Jack Black, Naomi Watts, Adrien Brody - Guión de Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens - Producida por Jan Blenkin, Carolynne Cunningham, Peter Jackson, Fran Walsh - Dirigida por Peter Jackson - 186 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

OLIVER TWIST: Relato clásico de inocencia y corrupción

Oliver es un chico con suerte. Huérfano, reiteradamente maltratado, empujado a la mendicidad en una Inglaterra en la que todavía regía la pena de muerte por vagancia. A los diez años, mal alimentado, solo, pero pese a todo con la inocencia intacta, llega a Londres. Caerá en las manos de una banda de forajidos púberes capitaneados por el amoral Fagin, y casi enseguida en el hogar de un bondadoso anciano.
Oh, sí: Oliver Twist es un chico con suerte. De la buena y de la otra, pero fundamentalmente de la otra. Parido y desdeñado por la misma sociedad exclusivista, conserva sin embargo unos modales que nadie sabe de dónde le vienen en medio de tanta miseria. Acepta y se rebela contra su destino con la misma mirada triste, y una candidez que lo mantiene al margen (si no a salvo) de la bajeza que lo rodea.
El pequeño héroe de Charles Dickens ya tuvo varias adaptaciones en cine y TV. De hecho, casi todas las obras de Dickens cuentan con alguna adaptación. Sin embargo esto no amedrenta a Roman Polanski, un realizador de heterogénea filmografía. Sus personajes encarnados, ostentan una humanidad que aún rozando lo caricaturesco logran despertar cierta emoción en el espectador.
Las interpretaciones del pequeño Barney Clark y de Ben Kingsley sostienen con suficiencia el relato y sus digresiones. Todo el elenco es correcto y cada personaje encuentra en la mano de Polanski una convincente caracterización, dándole no sólo carnadura física sino moral a cada uno.
Con una reconstrucción de época y fotografía muy cuidadas, se completa este retrato de costumbres de la naciente época victoriana. Con un buen timing y reconocibles toques del director el ritmo de la historia decae un poco al final.

Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

OLIVER TWIST - Con Barney Clark, Ben Kingsley, Leanne Rowe, Mark Strong, Jamie Foreman - Guión de Ronald Harwood sobre una novela de Charles Dickens - Producida por Roman Polanski, Robert Benmussa, Alain Sarde - Dirigida por Roman Polanski - 128 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

EL LOBO: Donde los extremos se unen

Hace treinta años, un ciudadano español de origen vasco que tenía juntas sospechosas para la policía local terminó infiltrándose presionado por ésta, en la organización terrorista ETA. El servicio secreto y la milicia lo conocieron como Lobo; la Organización, como un traidor a la causa euskadi. Hoy su verdadera identidad es un misterio, y pesa aún sobre él una condena a muerte por parte de ETA.
En su historia se inspira la película del director Miguel Courtois, una de las grandes ganadoras en los premios Goya 2005. Rodada en gran parte en exteriores (los increíbles paisajes del País Vasco y Barcelona, las calles de Madrid), logra un buen clima que vira rápidamente de la biografía ficcionalizado al mejor relato policial.
La acción se impone en la secuencia inicial; una persecución, y luego un salto en el relato, para así construir la historia de atrás hacia delante. Hacia la mitad del film se retoma aquella primera escena, y es entonces que comienzan a revelarse los hilos más sutiles de la trama.
Es en ese punto que convergen los extremos. Por un lado, el idealismo del personaje, vasco más allá de todo, pero a la vez profundamente democrático. Paralelamente, la revelación maquiavélica sobre el terrorismo que ofrece uno de los personajes: el enemigo debilitado es más útil que aquel al que se destruye. Apenas una operación para demonizar a la izquierda y mantener un equilibrio dentro de un estado donde prevalecía la derecha. El mismo equilibrio que se busca al iniciar una guerra cada tanto.

La dirección de fotografía acompaña eficazmente al relato aportando detalles de calidad, al tiempo que la producción logra una recreación de época sin estridencias.
La música es un valor agregado; clásicos reconocibles subrayan la acción. Desde Deep Purple hasta Patti Smith, pasando por Leonard Cohen, todos remiten a esos setentas necesitados de ideales, rebeldía, libertad. Valores reprimidos en la España franquista y también acá, a la vuelta de la esquina, y cuya búsqueda propiciaba tal vez la unión al bando equivocado.

Mención aparte para un elenco que se ajusta a los roles convincentemente, dando a cada personaje una identidad propia y definida. El taquillero Eduardo Noriega, escoltado por la notable actriz francesa Mélanie Doutey ("La flor del mal", Claude Chabrol, 2004) y un irreconocible Jorge Sanz (protagonista aquí de una toma ¿homenaje? a Brian de Palma) cumplen con solvencia, dejando lugar para la empatía por parte de la platea.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada

EL LOBO - Con Eduardo Noriega, José Coronado, Mélanie Doutey, Jorge Sanz y elenco - Guión de Antonio Onetti - Producida por Julio Fernández y Melchor Miralles - Dirigida por Miguel Courtois - 124 minutos - Solo apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CREEP: Terror gore en un laberinto urbano

Kate (Franka Potente) sale de una fiesta rumbo al encuentro de su vida. Bajar al subterráneo londinense después de unos cuantos tragos y otras sustancias no es la mejor idea; se queda dormida y pierde el ùltimo tren. Imprevistamente un inesperado coche para en la estación. Kate sube, a las pocas cuadras la formación se detiene y las luces se apagan. Es el comienzo del horror.
Con un guión estructurado en base a golpes de efecto y mucho sonido ambiente, el debutante Christopher Smith se interna en el género de terror clásico, pero con resultados dispares. Los personajes se muestran casi abúlicos pese a la gran carga de tensión que toma el relato, con lo cual el efecto se pierde por momentos.
Con cámara en mano, el director lleva al espectador por los intríncados laberintos del subterráneo inglés, en sombríos escenarios que dan el marco adecuado para el monstruoso ser que victimiza a cuanta persona se adentra en sus terrenos.
La narración no se detiene ni distrae hasta llegar a la resolución. Lejos del horror adolescente, ramplón y autorreferencial, construye una historia clásica, sin mucho suspenso pero con mucha sangre, y algo de impactante sadismo.
Con algo de gore, insinuaciones obvias por demás y el instante del clímax (la revelación del ser en las sombras) se diluye rápidamente en tomas bastante cansinas... hasta que la persecución al estilo “gato y ratón” se reanuda. Pero el ritmo no vuelve a ser el mismo del principio, una vez que las cartas están mostradas.
Tal vez allí resida el problema con este film. Lo que en "El juego del Miedo" se presentaba como soporte de un relato que buscaba no solo impactar al espectador sino sorprenderlo y hacerlo parte del juego, en Creep todo acaba siendo como debe ser y la sorpresa se la lleva uno al ver que todo lo que pudo imaginar en materia de originalidad no llega a concretarse.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CREEP - Con Franka Potente, Vas Blackwood, Sean Harris, Paul Rattray, Kelly Scott - Producida por Julie Baines, Jason Newmark - Guión y Dirección de Christopher Smith - 85 minutos - Solo apta para mayores de 16 años con reservas - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CHICKEN LITTLE: Salvando el mundo con ritmo... pop

La factoría Disney está de fiesta; llega a las pantallas el primer producto de animación por computadora que realizan sin Pixar. ¿Para celebrar? Tal vez... si tenemos en cuenta que el terreno en que Disney siempre tuvo preeminencia era el de la animación tradicional, hoy en desuso. Y queda claro que en el terreno del 3-D le quedan muchos años de trabajo por delante.
Chicken Little es un pollito nerd, un poco freak, que luego de ganarse la antipatía del pueblo por dar una “falsa alarma” y crear el caos se siente más aislado que nunca. Sólo cuenta con sus no menos extraños amigos: una patita fea, un cerdo desproporcionadamente gordo, fanático del karaoke y de Barbara Streissand, y... un pez especialmente equipado para vivir fuera del agua.
El pollito tiene un instante feliz de redención comunitaria gracias a una hazaña deportiva. Su padre vuelve a tener fe en él; el pueblo parece olvidar su antiguo desliz... Pero esa misma noche, a Chicken Little le cae algo parecido a un trozo de cielo en la cabeza. Y dispuesto a todo con tal de no volver a caer en desgracia, se embarca junto a sus amigos en una misión discreta para investigar el misterio.
La historia es previsible y tiene sus momentos altos en comicidad, si bien es probable que el público infantil se quede afuera en un par de detalles (sobre todo por la confusa dicción de los actores de doblaje locales). Dura lo justo para entretener sin agobiar, a la manera de las series de Disney Channel, y ya lejos de la trayectoria de otros films memorables, como La Bella y la Bestia o El Rey León.
Los personajes están bien esbozados y son lo mejor de la parte visual y técnica. Sin embargo su profundidad es nula, basada casi totalmente en tics histéricos. Los fondos están todavía muy lejos de los elaborados trabajos de Pixar, y más cerca tal vez de aquellos de La era del Hielo (Blue Sky, 2002), así como el trabajo de perspectiva y travelling.
Quienes presten un poco de atención podrán distinguir en el doblaje argentino las voces de Guido Kazca, Florencia Peña (mal en su dicción) y Juan Acosta entre otros. Pablo Echarri y Nancy Duplaa apenas se escuchan, pese a la gran difusión que se da a su aporte en la película, en una irreconocible participación. Y las canciones originales, versionadas por Alejandro Lerner, quedan en un segundo plano discreto y adecuado.
Los chicos y no tanto que vayan buscando a un antihéroe cool, desgarbado y querible pese a sus infortunios y rarezas personales van a salir conformes. Ni hablar de los niños de entre 5 y 10 años, el público ideal para este producto, que apunta indefectiblemente al target más nuevo del mundo Disney.
El dato: "Chicken Little" contará con aproximadamente 154 copias, de las cuales sólo se exhibirán 10 en idioma original con subtítulos, sólo para puristas curiosos.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CHICKEN LITTLE - Versión original con Zach Braff, Garry Marshall, Joan Cusack, Adam West y elenco - Guión de Mark Dindall y Mark Kennedy - Producida por Randy Fullman - Dirigida por Mark Dindall - 82 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.