EN BUENA COMPAÑÍA: Sinergia global versus valores humanistas en agridulce comedia

Dan Foreman (Dennis Quaid), brillante ejecutivo de ventas de la revista deportiva nº 1 de Estados Unidos, nunca previó que la vida iba a cambiarle tanto de un día para otro. A sus cincuenta y un años, no sólo debe enfrentar una nueva paternidad, sino también la migración de la empresa para la que trabaja a la órbita de un misterioso magnate y su red de corporaciones.
Producto de esta extraña circunstancia, Carter Duryea (Topher Grace), un joven de 26 años que se debate entre sus impulsos de juventud y su talento para las ventas cruzadas, se convierte en el jefe de Dan. Todo gracias a esas maravillosas ¿paradojas? que ofrece la globalización en estos días.
Carter y Dan chocan casi de inmediato, en sentido literal y figurado; el hombre mayor y experimentado se enfrenta por primera vez a la posibilidad de quedarse sin empleo, mientras el más joven y "afortunado" de los dos, sufre un crash emocional de proporciones a medida que el trabajo va devorando su vida personal.
Carter se aferra un poco más de lo debido a su "colaborador", familia incluída, y es en el choque entre esas dos realidades personales donde se revela la potencia real que subyace a la película. Su guionista y realizador, Paul Weitz, logra con este cruce plasmar la complicada trama de relaciones que ofrece la tendencia globalizadora actual; una fuerza aparentemente sinérgica que integra, desintegrando, todo lo que capta.
Las actuaciones de la tríada protagónica, con una Scarlett Johansson aplomada como vínculo entre los dos personajes masculinos, son para destacar. La historia transcurre en unos meses, pero esto apenas se señala alguna vez, y sólo en la escena final se puede apreciar cuántos cambios fueron posibles en tan poco tiempo.
Hijo de los años ’90, Carter Duryea es a la vez ícono y mártir de una sociedad que fagocita a sus propios hijos, obligándolos a una situación de cambio hiperdinámico que a la vez los deja varados en profundas crisis de identidad. Para los Foreman no parece haber sitio; sin embargo, las viejas costumbres tienen su lógica e invitan a la esperanza. Después de todo, la supervivencia de una empresa o una familia, depende de todos y cada uno de sus integrantes.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EN BUENA COMPAÑÍA (In Good Company) - Con Dennis Quaid, Topher Grace, Scarlett Johansson y Marg Helgenberger - Producida por Rodney Liber y Andrew Miano - Guión y Dirección de Paul Weitz - 108 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

LA LEYENDA DEL ZORRO: Los increíbles De la Vega contra el enemigo externo

Desde la creación de "El Tulipán Negro" (Alejandro Dumas, 1850) pasando por "La Maldición de Capistrano" (Johnston McCulley, 1919) hasta este Zorro de Martin Campbell, ha pasado mucho agua bajo el puente. Sin embargo los tiranos siguen en este mundo y sus políticas en contra de la mayoría continúan vigentes.
A diferencia de los enemigos claramente definidos de las anteriores aventuras del Zorro, basándose de por sí en una fantasiosa realidad geopolítica, en esta ocasión Hollywood decide meter a presión la situación político-paranoide actual de los EE.UU.
Han pasado diez años desde que Diego de la Vega murió dejando a su hija Elena y su delfín Alejandro al cuidado de la justicia y las leyes en el incipiente estado de California. Ellos se han casado y tienen un hijo, Joaquín; un niño curioso y rebelde al que apenas conocen. Sin embargo la estructura familiar peligra, por la persistencia de Alejandro en la doble vida de riesgo que tantas veces prometió abandonar. ¿Divorcio en puerta?
El peligro se volverá ominoso con las frecuentes incursiones de un forajido local, racista y fanático religioso; asimismo, la llegada de un extranjero de dudosa filiación e intenciones, revela una conspiración de proporciones tendiente... oh sorpresa... a atentar contra la unión nacional, ya de por sí precaria, de los Estados (en esa época, no tan Unidos).
Si "La Máscara del Zorro" buscaba el rescate de este héroe que tanta emoción causó en las audiencias televisivas de los ’50 en adelante, "La leyenda..." tiene algo de vuelta de tuerca que no le favorece.
No se lo ve convencido ni verosímil a este nuevo Zorro; sin mencionar que Zeta-Jones se esfuerza sólo al momento de lucir sus habilidades coreográficas en vistosos atuendos de época. Se salva el pequeño Adrián Alonso ("Voces inocentes") aportando la cuota de simpatía anecdótica. Sobre el final, los De La Vega se unirán contra esa combinación de múltiples villanos y situaciones explosivas, revelando una identidad familiar más cercana a cierta animación que a la serie original.
En este producto más apegado a lo visual, Campbell nos anticipa un poco de la estética que tan bien conoce. Así, en la California del siglo XIX podemos ver a un hombre volando por los techos, saltando sobre un tren en movimiento con su caballo o realizando prodigios de agilidad difícilmente creíbles en un héroe más bien maduro.
Pero así como las canciones de los Beatles son indestructibles (han resistido interpretaciones que van desde William Shatner hasta Sandro, pasando por Mae West o Palito Ortega) el Zorro se banca todo. No en vano ha "inspirado" nada menos que a Bob Kane para crear a Batman.
Martin Campbell nos entrega un James Bond enmascarado, tal vez calentando motores para dirigir "Casino Royale", en situaciones inverosímiles dentro la lógica del personaje.
Mientra tanto Guy Williams sigue cautivando a nuevas generaciones por tv, ahora en colores, como el mejor intérprete de un personaje que lo estigmatizó de por vida. Cosa que no le pasará a Banderas. No tiene con qué.

Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

LA LEYENDA DEL ZORRO (The Legend of Zorro) - Con Antonio Banderas, Catherine Zeta-Jones, Adrián Alonso y Rufus Sewell - Guión de Roberto Orci y Alex Kurtzman - Producida por Steven Spielberg, Gary Barber y Roger Birnbaum - Dirigida por Martin Campbell - 127 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

COMO UN AVIÓN ESTRELLADO: Tiempo de cambio

Nico está en un parque saltando y sacudiendo sus brazos y piernas. En un momento se retira la capucha de la cabeza, toma unos pasos de distancia y se zambulle de cabeza al pasto.
Ezequiel Acuña había demostrado hace unos años con su ópera prima "Nadar Solo" que conocía muy bien a los adolescentes; hablaba de la falta de comunicación, la alienación ante ausencias y el sentimiento de no pertenencia.
Dos años después, vuelve a adentrarse en el mundo adolescente pero no se tira de cabeza con los ojos cerrados como tal vez hiciera aquella vez, sino que está preparado y lo demuestra con un guión mucho más definido y un producto sólido, pero que sigue manteniendo una sensación de melancolía y ese "estar vivo" que es tan particular en la adolescencia.
El film narra la historia de Nico, un adolescente transitando los límites de la adultez, mientras sufre la muerte de sus padres, lucha con sus inseguridades ante el amor y se enfrenta a su mejor amigo.
Al sentimiento de derrumbe del mundo que conocía, se suma la incomprensión hacia su hermano mayor, quién intenta suplir las ausencias en sus vidas. No reconoce a su mejor amigo que se adentra cada vez más en caminos oscuros. El presente avanza a toda velocidad y parece superarlo. Pero en el aeropuerto de Valdivia ve a Luchi, una chilena luminosa y llena de colores, que pondrá a prueba sus inseguridades y sus fantasías, haciéndolo afirmar el timón de su vida.
Esta vez ya no se puede hablar de tiempos muertos o situaciones en las que "no pasa nada". Acuña plantea la realidad del protagonista como un mundo donde las cosas no son como en la televisión, donde a todos les pasa todo, sino que cada personaje "siente", todo el tiempo. Es eso lo que los define y los impulsa. Y es tal vez, lo que hace que la película tenga eficacia desde la simpleza de su planteo.
Así es como uno se zambulle con Nico y va precalentando con cada vivencia, hasta que el film corta a negro y uno queda ahí, estrellado contra la pantalla.

Nuestra calificación: Este film justifica el 90 % del valor de una entrada

COMO UN AVION ESTRELLADO - Con Ignacio Rogers, Manuela Martelli, Carlos Echevarría y Santiago Pedrero - Guión de Exequiel Acuña y Alberto Rojas Apel - Producida por Sebastián Ponce - Dirigida por Ezequiel Acuña - 80 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

CAUTIVA: Cuando la verdad destruye

Hay algo oscuro y melancólico en la mirada de Cristina. La chica sonríe, feliz, entre su familia y amigos el día de su fiesta de 15 años. Va a un colegio privado y tiene amigas, como cualquier adolescente; no le falta nada. Sin embargo, un día la sorprende la verdad: ella no es quien cree ser, nada en su vida es cierto, ni su nombre, ni sus padres, ni siquiera la fecha de su cumpleaños.
El día en que un juez ordena su retiro del colegio y le presenta la situación: le dice que se llama Sofía Lombardi, que sus padres eran arquitectos, hoy desaparecidos, que hay abuelos que la reclaman en Argentina y EEUU. Cristina se aferra a la realidad que conoce y que se le revela como la más segura en medio de tanta debacle. Sin embargo, la verdadera historia se impone con fuerza por encima del caos y va llevando a la adolescente a una búsqueda casi instintiva de su identidad.
El primer film de Gastón Biraben, ganador del premio del INCAA al mejor guión de ópera prima, comenzó a producirse en 2001 en plena crisis argentina y es a la vez, el debut cinematográfico de Bárbara Lombardo ("Resistiré", "Los Roldán") y Mercedes Funes ("Padre Coraje", "El Graduado"). Corralito y cambios de conducción en el INCAA mediante, el equipo logró terminar la película en el año 2003 y se presentó en nuestras tierras en marzo de este año, con motivo del festival de cine de Mar del Plata.
En el film se nota la mano de un realizador avezado, sobre todo en los detalles de encuadre y sonido. El guión se sostiene fuertemente en los gestos y silencios de los personajes, en la música incidental, en los diálogos. El trabajo físico queda supeditado a la complejidad psicológica y en este sentido, todos los actores se muestran solventes.
Palabras aparte para Susana Campos (imposible no encariñarse con esta Nana, abuela biológica de Cristina/Sofía) en uno de sus últimos trabajos; para Osvaldo Santoro y Silvia Baylé como los padres adoptivos y una Mercedes Funes que va encontrando su registro y equilibrio a medida que transcurre la película. Bárbara Lombardo se apoya en un fisique du rol apropiado y en una medida contención gestual, haciendo verosímil más que creíble, a esta adolescente en crisis.
Si bien el drama se centra en la figura de Cristina/Sofía (sus vivencias, su búsqueda), la historia reciente de la Argentina sobrevuela en todo momento; el tema de la militancia se roza sutilmente, en breves planos congelados, rara vez explícito. Es con este pasado que el cine argentino tiene la deuda más grande.
El Dato: El próximo jueves 27 se dará un curioso hecho para Gastón Biraben. Competirá consigo mismo. Por un lado con Cautiva, como director, guionista y productor y por el otro con La Leyenda del Zorro, donde se desempeño como editor de diálogos.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

CAUTIVA, DOS NOMBRES... UNA VERDAD: Con Bárbara Lombardo, Susana Campos, Hugo Arana, Osvaldo Santoro, Lidia Catalano, - Guión, Producción y Dirección de Gastón Biraben - 113 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL VIAJE INOLVIDABLE: Road movie étnico

Un tablao en Sevilla, las fuentes públicas de una aldea francesa, el paisaje árido de Marruecos, son los escenarios que recorren Zano (Romain Duris, "Piso compartido") y Naïma (Lubna Azabal, "Les temps qui changent", "Paradise Now") en esta película que captura la emotividad y los sentidos.
Zano es un joven de ascendencia argelina que impulsivamente emprende un viaje hacia sus orígenes. Acompañado por Naïma, su ciclotímica novia, atraviesan la Europa meridional y el Africa en un viaje de exploración y búsqueda, que terminará revelándoles mucho sobre sí mismos.
En este film del director argelino Tony Gatlif (que sólo estrenó dos películas en Argentina, "El extranjero loco" y "Gitano") el leitmotiv constante, a veces agobiante por su elocuencia, es la música. El mismo realizador compuso gran parte de la banda sonora que acompaña a los viajeros; ya incidentalmente, ya a través de los walkman que nos permiten compartir la música que ellos oyen.
La música es diferente en cada lugar: flamenco en España, lamentos árabes en Marruecos, tecno francés y español con reminiscencias étnicas... Cada melodía es un escenario, y la música sólo deja paso a pequeños silencios muy expresivos, que llenan las miradas y los gestos de estos talentosos actores.
A medida que avanzan en su camino, Zano y Naïma revelan (y se revelan entre sí) parte de su historia. Contrasta la claridad de la historia de Zano con las zonas oscuras del origen de Naïma; la serenidad de él con el histrionismo de ella. Los conflictos, soterrados, no alteran el ritmo de la película y el clímax llega en Argelia, con la misma coherencia con que transcurrió el relato.
El exilio y el retorno a las raíces se presenta aquí como el motor de la búsqueda de identidad por parte de dos personas que no encuentran un rumbo claro a sus vidas. De Argelia volverán cambiados, y también despojados; se trata de un viaje de autoconocimiento y auténtica liberación.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EL VIAJE INOLVIDABLE (Exils) - Con Romain Duris y Lubna Azabal - Producida por Princes Film - Guión y Dirección de Tony Gatlif - 103 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

MILLONES: “El dinero es una cosa y las cosas cambian”

"Cuando alguien compra una casa no dice la puerta es de color verde, sino que hablan de cuanto les costó y a cuanto piensan venderla..." La reflexión le pertenece a Damian, de ochos años, y es motivada por la mudanza a una nueva casa y un nuevo vecindario junto a su hermano Anthony, de diez, y su padre viudo.
Desde el incio descubrimos en Damian una gran espiritualidad que contrasta con el materialismo de su hermano mayor. El menor de la familia conoce a cada santo de la iglesia como cualquier niño conocería a los jugadores de su equipo de fútbol favorito. Claro que no solo cree sino que los visualiza y hasta dialoga con ellos en busca de consejos que lo guien en sus actos diarios.
Consejos que comenzará a necesitar cuando imprevistamente, mientras juega al costado de una vía del ferrocarril, le cae del cielo un bolso repleto de dinero. Al menos de allí piensa él que viene semejante millonada.
Habrá problemas de los cuales solo diremos que uno es la necesidad de gastar ese dinero cuanto antes, porque en pocos días Gran Bretaña unificará su moneda con el resto de Europa.
Y Damian decide que buscar pobres a quienes darles dinero es una buena solución.
Danny Boyle (Tumba al ras de la tierra, Trainspottig) nos ofrece en esta ocasión un cuento narrado por uno de sus protagonistas, estilo que habitualmente utiliza en sus films, en este caso un niño cuya mirada es la que impregna el relato, no solo en cuanto a lo narrativo sino también en lo visual.
Destacada fotografía que pone el color y la luz adecuada para cada escena y lo que se pretende representar en ella, además de un manejo de cámara que no teme recordarnos que estamos frente una ficción, logrando adentrarnos aún más en el juego que de por sí el cine nos propone.
Alex Etel como Damian posee la frescura y candidez que la historia requiere mientras que Lewis McGibbon como el hermano mayor con los pies sobre la tierra, cumple sobradamente con su rol.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

MILLONES (Millions) – Con Alex Etel, Lewis McGibbon, James Nesbitt, Daisy Donovan y Christopher Fulford – Guión de Frank Cottrell Boyce – Producida por Graham Broadbent, Andrew Hauptman, Damian Jones y Mission Pictures – Dirigida por Danny Boyle – 98 minutos – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de Octubre de 2005

ADICTOS AL S E X O: Psicho-billy S e x

Harford Road ya no es lo que era. Este pueblo de Baltimore está siendo invadido por la inmoralidad y el libertinaje. Sus habitantes tienen que convivir con nuevos vecinos corpulentos y homosexuales autodenominados "osos", gente caliente por las calles y una de sus familias hasta debe tener a su hija bajo llave y candado, en arresto domiciliario, por exhibición obscena.
La familia Stickles es la protagonista de esta historia. Sylvia (Tracy Ullman) y Vaughn (Chris Isaak) son puritanos que padecen los arrebatos de Caprice (Selma Blair), Ursula Ubres para sus fans, que ya ha operado sus tetas hasta el límite del estallido y gusta de hacer shows de strip tease donde y como sea. Eso la llevó al arresto que cumple en su hogar.
Pero es una mañana cuando Sylvia queda varada en medio de una avenida, sin combusitble en su coche, que recibe un golpe en la cabeza y las cosas cambiarán radicalmente. A partir de esa contusión su líbido despertará, se convertirá en una ninfómana y descubrirá los secretos de un pueblo que esconde más de lo que muestra.
John Waters, director que despierta esnobismo, adoración y repulsión por igual, supo ganarse el mote de trangresor con un cine de contracultura, kitsch y provocativo. Fue en los tempranos setentas cuando dirigió "Pink Flamingos" donde el travestido Divine comía mierda de perro en cámara y escandalizaba a la crítica e incautos espectadores.
Lo cierto es que la propuesta de Waters hace foco en una sociedad que en lo moral poco tiene que ver con los latinos, y su propuesta, más petardista que artística, busca molestar a los sectores más hipócritas de los Estados Unidos, al tiempo que logra divertir con elementos característicos de su estilo que bien supieron absorber, entre otros, los creadores de South Park.
Lejos de la eficacia que supo tener en "Cry Baby" (con Johnny Depp e Iggy Pop, 1990), Waters aún se mantiene fiel a su espíritu, forma de encuadre, montaje y musicalización. Jerry Lee Lewis y Billy Lee Riley, son algunos de los que aportan su rock caliente a la banda de sonido.
Humor guarro que remite al primer Almodóvar, con algunos gags bien logrados y actuaciones a tono con la satírica propuesta. No aburre, pero el efecto que seguramente busca generar en los espectadores tendrá que ser logrado en otras latitudes. Acá no hay cuáqueros que asustar.
El Dato: Sólo una copia disponible en el Hoyts Abasto.
Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

ADICTOS AL SEXO (A Dirty Shame) – Con Tracy Ullman, Chris Isaak, Johnny Knoxville, Selma Blair – Producida por Christine Vachon y Ted Hope – Escrita y Dirigida por John Waters – 89 minutos – Solo apta para mayores de 18 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA: triángulo de amor bizarro, en clave de animación

Tim Burton vuelve a las raíces del entretenimiento que lo hizo memorable, con un producto de exquisita factura que no sólo demuestra su vigencia, sino cuán lejos es posible llegar todavía dentro de un género como el stop-motion.
Producida y rodada casi en simultáneo con su producción de estreno más reciente, "Charlie y la Fábrica de Chocolate", esta película que apenas supera el medio-metraje revela al Burton que se hizo de una verdadera legión de seguidores a pulso, por obra y gracia de un simpático anti-héroe llamado Jack
Victor (con la voz de Johnny Depp en la versión original) también es en cierto modo un antihéroe. Hijo de un comerciante de pescado, nuevo-rico y arribista, va a casarse muy pronto con la hija de un par de aristócratas venidos a menos. Nunca se vieron antes, pero desde el primer encuentro queda claro que pueden llegar a llevarse bien... Eso, si Victor no mete la pata antes.
Echado del ensayo de la ceremonia por el pastor (Christopher Lee, quién más), Victor llega al bosque y trata de practicar los votos usando como escenografía los troncos de los árboles a su alrededor. Pero incluso esto le sale mal... ya que termina desposando accidental e insólitamente, al cadáver de una novia que estaba enterrada en ese mismo lugar.
Construida en torno a guiños simples e inteligentes, que el público puede interpretar o disfrutar a elección, esta película se disfruta ampliamente cuanto más nos alejamos de la niñez. Hay algo de morbo "naïf" en las imágenes, la música, las situaciones que tienen lugar entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Un encanto aterrador y fatalista flota a lo largo de la historia de Emily, esa novia a la que mataron la noche misma en que iba a fugarse con su amor.
Habrá lugar para una cierta moraleja, pero es innegable que la moralidad está fuera de cuestión en este atractivo "cuento terrorífico-de hadas". Las voces de los actores, sus inflexiones, sus tonos, logran algo bien difícil en la industria de la animación, use la técnica que use: credibilidad. Cuesta recordar de a ratos, que detrás de estos prodigiosos muñecos hay personas de carne y hueso; que las voces les son prestadas.
Para abreviar, el último film de Tim Burton es disfrutable cien por cien, aunque más no sea por sus méritos técnicos (que son muchos) y ofrece de yapa una historia sencilla, romántica aunque no cursi, que cierra en un círculo perfecto. ¿Lo ideal? verla subtitulada y sin niños. ¿Lo peor? Que deja esa sensación de haber terminado tan rápido...
Nuestra calificación: Esta película justifica el 90 % del valor de una entrada.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA (Corpse bride) - Con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson y Christopher Lee (Se presentan 18 copias subtituladas y 22 dobladas al castellano, las cuales no recomendamos) - Guión de John August, Caroline Thompson, Pamela Pettler - Producida por Allison Abbate y Tim Burton - Dirigida por Mike Jonson y Tim Burton - 77 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

AZUL EXTREMO: Haciendo agua entre National Geographic y Miami Vice

Con una estética a medio camino entre lo mejor del documental de cable y lo peor de Baywatch, la película de John Stockwell deriva un entretenimiento a medias, previsible y pasatista.
Una pareja de jóvenes y hermosos buceadores, interpretados por Paul Walker ("Rápido y furioso") y la ascendente Jessica Alba ("Los cuatro fantásticos", "La ciudad del pecado") viven tranquilamente en Bahamas. Pasan penurias económicas, y tienen un bote que se cae a pedazos y que él sueña con poner a punto para buscar por fin los tesoros hundidos con que siempre soñó. Mientras tanto, se ganan la vida como pueden.
Un día, el mejor amigo abogado llega de la ciudad. Trae consigo a una mujer a la que conoció en el avión, y viene a disfrutar de su buena racha con la parejita de buzos a la que tanto quiere. Lo que parecía iba a ser un fin de semana a pleno sol, jet ski y buceo aficionado, deriva en problemas cuando el grupo realiza un inesperado hallazgo a algunos kilómetros de la costa.
Si bien la calidad de las imágenes es impecable y la música acompaña con generosidad cada secuencia, a este film le queda muy holgado cualquier género en que busque encasillarse. La acción se limita a algunas escenas acuáticas muy bien logradas en lo visual, pero totalmente inverosímiles; por lo pronto,. todos los personajes son capaces de aguantar la respiración por más de cinco minutos.
Cualquier intento de sostenerse mediante el suspenso se ve truncado por la obviedad y los gruesos errores de continuidad que presenta la trama. Los actores tienen un lucimiento acotado, pero el guión no amerita mayor brillantez, y si sumamos todos los ingredientes caemos en la cuenta de que "Azul Extremo" logra lo peor: Aburrir. Los minutos se hacen eternos, y la sucesión de clichés y lugares comunes no contribuye a hacerlos llevaderos.
Cuesta creer que tanta oferta de buen cine sea desplazada por esta clase de films, agravando la tendencia de estos últimos tiempos de ocupar pantallas sistemáticamente para asegurar la continuidad de la industria mainstream.
En síntesis: mejor mire la semana del Tiburón en Discovery Channel, y si se queda con ganas de cuespos bronceados, siempre puede recurrir a las viejas series que repite el cable.
Nuestra calificación: Esta película apenas justifica el 40% del valor de una entrada.

AZUL EXTREMO (Into the blue) - Con Paul Walker, Jessica Alba, Scott Caan, Ashley Scott - Guión de Matt Johnson - Producida por David Zelon - Dirigida por John Stockwell - 108 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

WALLACE & GROMIT: Aire fresco con olor a plastilina

En una época donde las películas animadas solo parecen funcionar si son realizadas en 3D por computadora y haciendo chistes sin sentido, este dúo dinámico de muñecos de metal y plastilina llega para reafirmar que la calidad no está en la técnica y, de paso, para redefinir el "humor inglés".
Aunque parezca mentira, hace más de 20 años Nick Park, director del film, traía al mundo a esta pareja despareja, y costaron varios cortos, 2 premios Oscar, y otro film totalmente diferente para que los estudios Aardman se aventuraran con un largometraje de Wallace & Gromit.
La Batalla de los Vegetales embarca a nuestros héroes en una aventura anti-plagas en la que deberán liberar a la ciudad de una infestación de voraces y tiernos conejos que amenazan con arruinar el concurso anual de vegetales gigantes, el evento más importante de la comunidad, y en el que se compite por la Zanahoria de Oro. Pero como anuncia el título, las cosas se complicarán en "gran" medida.
Wallace & Gromit siempre se han caracterizado por sus peculiaridades y su humor inglés bien marcado, que sorprende por lo ingenioso mientras mantiene un nivel de inocencia poco común en estos días. Por suerte, todo ese espíritu que convirtió a este dúo en íconos de la animación, se mantiene en esta nueva aventura y se multiplica para que toda la familia sonría por 83 minutos corridos mientras descubre los extraños inventos del excéntrico Wallace, la lealtad silenciosa de su perro Gromit y a decenas de simpáticos conejitos, en una historia que tiene su buena cuota de aventura, misterio, risas y hasta romance.
Plagada de referencias al género de monstruos y gags escondidos en cada línea de diálogo y hasta en el último objeto de la escenografía, la pareja no invita a ser parte de su mundo. Un mundo en el que las cosas existen, son palpables, se sienten y tienen olor a plastilina. No hay cosas animadas en este universo, sino que tienen vida propia.
Este es finalmente un verdadero film para toda la familia, donde los niños no tendrán que conformarse solamente con ver cómo se golpean unos muñecos mientras los diálogos y sus chistes les pasan por encima, y los adultos serán los que insistan en volver a verla.

Como yapa se podrá ver en exclusiva antes del film, el estreno del corto animado de Dreamworks “Los Pingüinos de Madagascar en una Misión Navideña”.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

WALLACE Y GROMIT, LA BATALLA DE LOS VEGETALES (Wallace & Gromit, The Curse of the Were-Rabbit) Con las voces de Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter (En las copias subtituladas que se presentan en el Village Recoleta, Hoyts Abasto, Hoyts Martinez y Cinemark Palermo) - Guión: Nick Park, Steve Box, Mark Burton y Billy Frolick - Producción: Aardman Features - Peter Lord, David Sproxton, Nick Park - Dirección: Steve Box y Nick Park - 83 minutos - Apta para Todo Público - Estreno en la ciudad de buenos Aires: 06 de octubre.

PLAN DE VUELO: Otra vuelta de tuerca al misterio de la habitación cerrada

La pregunta sola genera un escalofrío. ¿Qué haría usted si su hija de seis años desapareciera? Y más aún… ¿cómo reaccionaría si esta desaparición tuviera lugar dentro de un avión con 800 pasajeros?
Una mujer recientemente viuda retorna a Estados Unidos con su pequeña hija Julia, y el ataúd de su esposo en la bodega del avión. Poco después del despegue, al despertar de un sueño inquieto, la mujer descubre que Julia ha desaparecido … y que nadie parece haberla visto siquiera subir al avión.
Enfrentando sus propios temores y la desconfianza de la tripulación, la señora Pratt deberá develar el misterio en torno a este suceso, a diez mil metros de altura. Completamente sola.
Jodie Foster acostumbra elegir cuidadosamente los papeles y guiones que se le ofrecen. No en vano "Plan de Vuelo" tuvo un excelente arranque en las taquillas norteamericanas. Sin embargo, hay que aclarar que pese a la aparente ambigüedad de la trama, el quid de la cuestión es más bien simple y perfectamente previsible según pasan los minutos.
Habrá que buscar el atractivo comercial del film en la subtrama: el delicado equilibrio mental y emocional de un ser humano, llevado al límite por las circunstancias que vive, además del lugar donde se encuentra.
No es difícil ponerse en el lugar de una ciudadana norteamericana post 11-S, cuando descubre, en el mismo avión donde su hija desapareció sin dejar rastro, a un grupo "sospechoso" de árabes. No es difícil comprender por qué el comisario de a bordo (Peter Sarsgaard, el más consistente en su rol) tiende a revertir su condición de madre-víctima a "potencial alborotadora". Estamos frente a algo más complejo que el miedo. Estamos frente a una paranoia cuyos coletazos contaminan incluso una trama cinematográfica que (se sabe) apunta a otra cosa.
El mayor logro del realizador Robert Schwentke es indudablemente el clima. La sensación de encierro, aún tratándose de un avión enorme, es vívida y se pega a la piel de tal manera que cuesta no imaginar que quien mira la pantalla, sentado en una butaca, es en realidad un pasajero más del vuelo en el que Kyle Pratt busca a una niña de dudosa existencia.
La trama, de un inteligente suspenso inicial y detalles dispersos (con la suficiente claridad, para que no se pierdan del todo) va deviniendo lentamente en una vuelta de tuerca bastante simple, casi esperable, y es entonces cuando tiende a perderse el interés. Si a esto agregamos un par de lugares comunes muy comunes, frases dichas sin alma en un contexto profundamente emotivo y el desperdicio de ubicar a Sean Bean en un papel cuasi caricaturesco… tenemos un problema, Houston.
El cierre es abrupto y no mejora las cosas, pero para cuando la película termine el espectador probablemente descubra que los primeros sesenta minutos valieron la pena y redondeará favorablemente. Quizás esperando que la Foster, emprenda un nuevo proyecto tan bien acompañada como en éste, pero (por favor) no tan acartonada.
Nuestra calificación: Este film justifica el 70% del valor de una entrada.

PLAN DE VUELO (Flightplan) - Con Jodie Foster, Peter Sarsgaard, Sean Bean y Erica Christiansen - Guión de Peter A. Dowling y Billy Ray - Producida por James Whitaker, Charles J.D. Schlissel, Robert DiNozzi y Erica Huggins - Dirigida por Robert Schwentke - 97 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 06 de octubre.

DANNY THE DOG: Casi un cuento de hadas en tono pulp

En la segunda película de Louis Leterier (El transportador) se abordan temas delicados, como la brutalización del ser humano y el conflictivo proceso de resocialización. Sin embargo, el tono por momentos naïf de la propuesta obliga a preguntarse por qué no se quedó Leterier con la veta de acción y patadas, que es la que mejor le queda. Luc Besson es recurrente en el guión y no se extrañen si este film les recuerda a "Nikita".
Danny es un hombre de 30 años, criado desde edad muy temprana por Bart, un usurero de los bajos fondos londinenses. Cada vez que una cobranza se complica, Bart se limita a quitar el collar del cuello de Danny y ordenarle que ataque… orden que es escrupulosa y mecánicamente cumplida vez tras vez. ¿Qué más se puede pedir de un hombre criado como un perro, durmiendo en un sótano insalubre bajo los pies de su "amo" y saliendo sólo cuando éste necesita llevar a cabo un "trabajo"?
Pero un día Danny conoce a Sam, un afinador de pianos ciego que agita sin quererlo un instinto desconocido dentro suyo. Pronto, Danny sabrá que existe algo más que la vida que conoce, y a la que nunca cuestionó conscientemente.
El tour de force de esta película está dado no tanto por las secuencias en las que Danny va evolucionando (de semiesclavo a ser social, de infrahumano a parte de un núcleo familiar) sino por los flashes que, al parecer, dispararán una escena de acción de un momento al otro.
Así es entonces como la película queda a medio camino entre la posibilidad de una trama de pura acción, y otra de drama progresivo y sensiblero. Leterier no parece encontrar el modo de equilibrar las cosas, y se apoya en la solvencia de sus actores, que encuentran personajes más que interesantes para desarrollar.
Se destaca especialmente Bart, a cargo de Bob Hoskins, como el tutor de Danny desde la infancia. Y por supuesto, el siempre efectivo Morgan Freeman, demasiado (y necesariamente) bueno, el perfecto contraste para el mundo de degradación del que surge el hombre-perro. En cuanto a Jet Li… digamos que le pone el cuerpo a su rol protagónico, intentando una expresividad difícil, limitada por las aristas propias del personaje que le ha tocado en suerte.
En definitiva, DANNY THE DOG es un film para disfrutar con ciertas reservas. Aunque si lo que esperaba era un duro y profundo análisis sobre la bestialización a que puede llegar el ser humano, mejor recurrir a un buen relato de Jack London. Si es "Amor a la vida", mucho mejor.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60% del valor de una entrada.

DANNY THE DOG, ENTRENADO PARA MATAR - Con Jet Li, Bob Hoskins y Morgan Freeman - Guión de Luc Besson - Producida por Europacorp y Steve Chasman - Dirigida por Louis Leterier - 102 minutos - Solo apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 06 de octubre.