CUATRO HERMANOS: Cuando la venganza queda en familia

Una mujer estaciona y baja de su auto, antes venía escuchando "Someboy to love" de Jefferson Airplane. No tardaremos en confirmar que la elección no fue azarosa. Que la actitud tomada con el niño que intentó hurtar un caramelo en aquel almacén, fue la misma que tuvo con muchos otros a quienes les dio atención y cuidado. Que solo una vieja hippie se haría cargo de cuatro de los peores elementos que una sociedad podría querer, y ni pensar en lo que hubieran sido sin ella.
Pero la adorable Sra. Mercer fue asesinada, brutalmente, a quemarropa. Y sus cuatro hijos del alma están en Detroit para despedirse de ella y buscar a quien la haya matado.
El film tiene buenas dosis de acción y supenso. Lo que se presentaba como un simple atraco seguido de muerte acabará siendo algo más. Y los muchachos irán descubriéndolo junto al espectador.

Más allá del mensaje de unidad dado por estos cuatro hermanos (dos negros, dos blancos) la película también presenta algunos ejemplos del racismo en los EE.UU. y subraya que la crueldad y la corrupción no distinguen colores de piel.
John Singleton debutó hace más de una década con "Boyz’n the Hood", una historia de pandillas que mereció dos nominaciones al Oscar (Mejor guión, mejor dirección) e impactó a la industria y al público.
Se destacan los trabajos de Chiwetel Ejiofor (Negocios Entrañables de Stephen Frears) y André Benjamin (miembro de Outkast, en su primer protagónico). La modelo y actríz colombiana Sofía Vergara, morocha para la ocasión, también cumple con su rol junto con un cast en el que nadie desentona.
Nota para cinéfilos: Tal vez recuerden un film de John Wayne y Dean Martin, con un joven Dennis Hopper, donde también son cuatro los hermanos de mala reputación que vuelven a su pueblo a raíz de la muerte de su madre y se proponen investigar que hay detrás del misterioso fallecimiento de su padre. "Los Hijos de Katie Elder" se llamaba y hay más de un punto en común con la cinta de Singleton.
Párrafo aparte para el soundtrack con puro sonido Motown e intérpretes como Marvin Gaye, The Temptations y Four Tops, entre otros.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

CUATRO HERMANOS (Four Brothers) – Con Mark Wahlberg, Tyrese Gibson, André Benjamin y Garrett Hedlund – Guión de David Elliot & Paul Lovett - Producida por Lorenzo di Bonaventura – Dirigida por John Singleton – 107 minutos - Solo apta para mayors de 16 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de Septiembre.

HECHIZADA: Pócima incorrecta.

A mediados de 1964 la cadena ABC presentó al público la serie "Bewitched", conocida en la Argentina como "Hechizada". La relación entre la bruja Samantha (Elizabeth Montgomery) y Darrin Stevens (Dick York, reemplazado en 1969 por Dick Sargent) un mortal empleado de una agencia de publicidad atrajo al público, siempre receptivo a los cuentos de hadas. El suceso fue tal que provocó a la competencia a producir un show del mismo estilo. El encargado de "crear" el programa fue Sidney Sheldon y su nombre fue "I Dream of Jeannie", conocido en las pampas como "Mi Bella Genio" (cuyo film también se está preparando para el año entrante)
Año 2005. Llega a las pantallas argentinas la versión cinematográfica de "Hechizada". O algo parecido.
Isabel Bigelow (Nicole Kidman) es una bruja que llega a Hollywood decidida a vivir como una simple mortal. Jack Wyatt (Will Ferrell) es un actor en decadencia en busca del rol que redefina su carrera, y el protagónico en la remake de una vieja serie televisiva parece ser su oportunidad. Será Darrin Stevens en la nueva "Bewitched". Solo resta encontrar a la actriz que personifique a Samantha, y un requisito excluyente es… mover la nariz como Montgomery lo hacía. El azar hará lo suyo e isabel deberá renunciar a su idea de abandonar la brujería.
Kidman es seguramente la única opción al momento de representar este papel. Su parecido con la actriz original es impresionante, así como Ferrell es efectivo en su rol, tal vez algo sobreactuado. Acompañan Michael Caine, preciso, experto y Shirley McLaine que se impone a fuerza de oficio en un personaje de grueso trazo.
Escrito por quien es también la directora, Nora Ephron ("Cuando Harry conoció a Sally", "Mi Cielo Azul") el film no es divertido. El inicio no es nada prometedor, muestra los títulos de presentación acompañados de una canción desconocida, sin significado alguno, mientras se lee "Bewitched" con la tipografía original de la serie.
Desorientación. Esa es la palabra para definir a esta película. Lo que se plantea como "vida real" dentro de la historia, acaba siendo el guión del primer capítulo de la serie original, y lo demás una excusa para realizar un film en base a una sitcom de media hora.
En síntesis, son 103 minutos que parecen eternos, cosa habitual cuando una propuesta que pretende divertir y hacer ameno el paso del tiempo se torna aburrida y sin gracia. Como un mal chiste. O lo que es peor, como un buen chiste, extendido y mal contado.
Nuestra Calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

HECHIZADA (Bewitched) - Con Nicole Kidman, Will Ferrell, Michael Caine, Shirley Mc Laine y Steve Carell - Guión de Nora y Delia Ephron - Producida por Nora Ephron y Penny Marshall - Dirigida por Nora Ephron - 100 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de Septiembre.

Don Adams nos dejó a Smart

Los cómicos gustan del público con sentido del humor y que les encante reir. Una persona que sea así alcanza para contagiar al resto. Eran los comienzos de los 60 y Arthur y Lois asistieron al cluba Mocambo, en Sunset Strip. Era la primer sesion de la noche y un joven comediante contaba chistes que provocaron las carcajadas de la mujer. Terminada la función, mientras la pareja se retiraba, el comediante se acercó a Lois y le rogó que se quedará a la segunda función.
-La necesito – dijó él con tono de súplica... (anécdota relatada por Arthur Marx en su libro "Mi Vida con Groucho")
Ese comediante era nada menos que Don Adams. Nacido Donald Yarmy un 13 de Abril de 1926 en New York City, tomó el apellido que lo hizo famoso de su esposa. El otro apellido que lo consagró le fue dado por Mel Brooks: Smart, Maxwell Smart, "temible operario del recontraespionaje" según Jorge "Tata" Arvizu, actor mexicano que le dió voz en castellano. A este respecto Brooks declaró una vez que "nadie habría hecho un show acerca de un idiota. Así que decidí ser el primero".
"Get Smart" (juego de palabras que puede significar "avivate", "sé listo" o "Traigan a Smart" y presentado en latinoamérica como "El Superagente 86") comenzó a emitirse un 18 de Septiembre de 1965 y, 138 episodios después, finalizó un 15 de Mayo de 1970. Esta sátira al mundo de los agentes secretos, especialmente inspirada en "El Agente de Cipol", ganó siete premios Emmy de los cuales tres fueron para Adams.
Diez años después intentó recrear el personaje en un fallido film (The Nude Bomb, Clive Donner) protagonizando nada menos que junto a Vittorio Gassman. Es difícil describir lo mucho que nos decepcionó aquel film. Sin el Jefe (Edward Platt, fallecido en 1974) ni la "99" (Barbara Feldon), apenas se veía el rostro ya familiar de Larabee (Robert Karvelas, primo de Adams) en un papel secundario.
Pero hubo revancha. En Febrero de 1989 se estrenó en Estados Unidos el telefilm "Get Smart Again" con el sobreviviente cast original de la serie: Barbara Feldon (99), Bernie Kopell (Siegfried), Dick Gautier (Hymie) y Robert Karvelas (Larabee). La dirección estuvo a cargo de Gary Nelson quien ya conocía al elenco por haber dirigido varios episodios de la serie en la tercera y cuarta temporada, entre ellas la formidable "The spy who met himself" donde el maléfico Siegfried logra reemplazar nada menos que al Jefe y a Smart con dobles perfectos, imposibles de diferenciar de los originales.
Comenzamos hablando de Don Adams y terminamos contando la historia de la serie que lo inmortalizó. Tal vez no querramos llegar al nudo del asunto.
Y no lo vamos a hacer.
Adams pagó el precio que otros como Adam West, Guy Williams o Bob Denver tan bien conocen y conocieron. El quedar marcados para siempre por un personaje. No poder desarrollarse como actores de la forma que alguna vez soñaron. Pero que reciben a cambio lo que muchos no obtienen facilmente: El amor incondicional de un público agradecido por tantos momentos de entretenimiento y diversión. Uno no olvida a aquellos que le hacen reir. La gratitud es eterna.
Como ese Smart que día tras día y por siempre nos seguirá divirtiendo en la pantalla que sea.
Ven? Uds. no podrán retrucar con el famoso "Le dije que no me lo dijeran"... porque no se los dijimos.

SE BUSCA PAREJA: Maduritos en la web

Con los primeros vientos de la primavera llega a la pantalla local ”Se Busca Pareja”, relato liviano sobre las relaciones de pareja y los enredos que puede traerle a más de uno el buscar citas por Internet.
Sarah Nolan (Diane Lane) es una maestra de jardín recién divorciada, que no puede terminar de superar la soledad. Se la ve descuidada, desmotivada y sobre todo hipersusceptible. Su familia (padre, hermano y hermanas, todos irlandeses de pura cepa) no pueden evitar intervenir una y otra vez, llevándole fotos de posibles candidatos. Sarah no quiere saber nada de eso, pero un día sus hermanas Christine y Carol le confiesan que publicaron su perfil en un portal de citas en Internet… y ha comenzado a recibir respuestas.
Jake Anderson (John Cusak) es un sensitivo y temperamental constructor de botes de madera para competición y fanático del film Dr Zhivago (de persistente referencia a lo largo de la película, como se verá). Recientemente abandonado por su mujer, atraviesa una etapa de profunda introspección. A instancias de su mejor amigo, intenta retomar su vida social… conociendo mujeres por Internet.
El director, Gary David Goldberg, proviene de la TV y tal vez se deba a eso el perfil lavado de los personajes, que parecen querer contar en apenas cinco minutos sus vidas completas, con diálogos histéricos y recitados de corrido que no permiten el lucimiento de dos partenaires como Diane Lane y John Cusack, de probada eficacia en la pantalla.
Del cast se luce el eficiente y siempre elegante Christopher Plummer como el padre de Sarah, Bill, y Stockard Channing como la alocada Dolly, una mujer a quien Bill conoció por internet, paradójicamente, antes de que su propia hija se atreviera a dar el paso. Ambos sostienen las situaciones más forzadas del guión con una naturalidad que las vuelve, si no verosímiles, creíbles.
Todo apunta a la sonrisa permanente y fácil; los dramas que sobrevienen al divorcio en una etapa (tan sensible para hombres y mujeres) como es la mediana edad, quedan plasmados en dos o tres minutos sueltos. El resto, es una sucesión de situaciones previsibles y predecibles.
La música acompaña en todo momento y la fotografía es excelente, así como los climas creados mediante los juegos de luces y sombras en los diferentes ambientes. Los personajes, todos de clase media a alta, transitan a través de espacios cuidados donde todo está en su lugar.
“Se Busca Pareja” es una de esas películas que el espectador sabe cómo empiezan, se desarrollan y terminan, pero que va a ver con gusto y sale con ganas de abrazar a ese ser querido… Si es que no lo llevó al cine a verla, claro.
Nuestra crítica: Esta película justifica el 70% del precio de una entrada.

SE BUSCA PAREJA (Must Love Dogs) – 98 minutos - Apta para mayores de 13 años
Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 22 de Septiembre.

Entrevista a Pino Solanas: “No es un momento de lo más interesante para el cine”

El pasado 15 de septiembre se estrenó en Argentina “La dignidad de los Nadies”; un film que marca la continuidad de la temática iniciada con “Memorias del saqueo” (2004) y a la vez reafirma el retorno del emblemático director a lo que fuera su género de mayor referencia.
Previamente se presentó en la 62ª edición del Festival de Cine de Venecia y recibió tres premios: Mejor película latina, Mejor documental y el Premio Derechos Humanos. En su breve paso por la ciudad de Buenos Aires con motivo del estreno de este film, Solanas charló con CineyMedios sobre su obra, el retorno al documental y el arte que mejor domina: el cine.

A partir de Memorias del Saqueo, y el estreno de La Dignidad de los Nadies, que es en cierto sentido un retorno al cine de sus primeras épocas, se plantea una pregunta casi necesaria. ¿En el panorama del cine nacional actual no se siente un poco solitario, dada la tendencia a un cine un poco más intimista, de pequeñas historias, con una identidad más individual que colectiva?
No sigo todo el cine nacional; no podría hacerlo porque en este momento no llego a ver una película por semana. Hay un movimiento documental que se ha comenzado a perfilar muy fuerte desde finales de los años ’90. Desde “La hora de los Hornos”, que la hice en la clandestinidad, hasta “El exilio de Gardel” que es una de mis películas más creativas… no puedo decir que me preocupe estar solo o no, nunca me preocupó.
Lo que me preocupa es el valor cultural, estético, cinematográfico de la obra que hago, para que quede. No he hecho cine como lucro, siempre me preocupó el tema de la comunicación.
Todas mis películas son coproducciones internacionales, desde “El Exilio de Gardel” en adelante estuvieron en los festivales europeos más importantes. Y todas premiadas en Venecia y Cannes. Y por “Memorias del Saqueo”, que fue la única película que envié a Berlín, terminaron dándome el premio a la trayectoria. En solitario, todas mis películas han tenido difusión internacional, cuando en Argentina no la habían tenido en su momento.
Estamos hablando particularmente de “La Dignidad de los Nadies”, que vendría a ser, según algunos, una suerte de segunda parte de "Memorias del Saqueo"…
No es una segunda parte, porque es una película muy distinta de Memoria… Es una película que forma parte de una tetralogía que estoy realizando, de cuatro películas sobre la Argentina, pero cuatro películas independientes. “Sur” no es la segunda parte de “El Exilio de Gardel”. Son dos películas que funcionarían como un díptico, porque las dos están ubicadas en la época de la dictadura, El Exilio… toca el exilio de afuera, y “Sur” el exilio de los de adentro. Ambas son dramáticas y musicales; las dos con música de Astor Piazzolla, y casi con los mismos actores.
Todas estas películas vendían a formar parte de una temática sobre Argentina, pero se pueden ver de manera independiente.
Actualmente el tono se vuelca mucho a lo documental, a diferencia de lo que venía filmando hasta el año 2000…
Exactamente, son películas de fuerte tono testimonial, pero en ellas se utilizan procedimientos del cine de ficción, son películas con mucho trabajo estético, con mucho trabajo cinematográfico. Lo uno no debería anular lo otro…
Es como volver a ese 1969: Los caminos de la Liberación…
Esa fue una producción conjunta con la temática del Cordobazo que realizamos 10 cortometrajistas (N de la R: Nemesio Juarez, Eliseo Subiela, Octavio Getino, entre otros). Yo realicé un fragmento y hoy no tengo copia.
¿Fueron 10 cortometrajes unidos? ¿O bien un único producto en el cual cada uno se hizo cargo de una parte?
Si, cada uno se hizo cargo de una parte, y después se juntó, pero no me acuerdo mucho porque no la volví a ver.
Es bastante evidente que hemos sufrido un proceso de aculturización que se profundizó mucho en los años ’90, y pensamos que tal vez el cine argentino actualmente es hijo de esa aculturización. Son películas de una profundidad más bien nominal, no hay un compromiso del director hacia lo que filma, como el que podría haber tenido usted, Gleyzer o Cedrón. Es posible que esta realidad de nuestro cine sea hija de ese proceso?
No quisiera dar una opinión muy acabada ya que no cuento con toda la información como para hacerlo. He visto películas realmente muy buenas…
A quiénes destacaría particularmente?
Bueno, me parece muy talentosa la Lucrecia Martel (sic). “La Ciénaga” y “La Niña Santa” son películas que tienen un estilo, tienen una mirada interesante; me gustó “Mundo Grúa”, de Trapero… Menos me gustó “El Bonaerense” aunque está mejor hecha. Es un poco como si los jóvenes realizadores tuvieran miedo de desatar el paquete de lo que son los temas de actualidad pública.
Cuando leés los diarios y ves las grandes roscas de los comisarios con lo de las drogas, los secuestros extorsivos, y ves el Bonaerense…
Es una lectura más lavada…
Claro… falta profundización. Pero no es que esté mal. No es necesario que un director de cine se convierta en el típico denunciador. El cine de ficción no tiene necesidad de explicar el mundo; tiene necesidad de expresarlo, pero expresarlo profundizando algo más de lo que uno conoce de la realidad o de los personajes simplemente leyendo los diarios. Tengo la sensación que la generación de cineastas de entre 25 y 40 años, es la generación a la que los agarran los años ’90, el posmodernismo, es la que viene después de la dictadura y viene marcada por el “no te metás”. Lo que me sorprende es que la nueva generación no encuentra una mirada más inquisidora. Tampoco me encuentro con una formación cultural o cinematográfica interesante. Buena parte de los realizadores están fascinados por la tontería del cine americano. Donde no sale de su dramática de causa y efecto, del “argumento”; todo lo que no está dentro del argumento, que es la vida, lo dejan al costado… Y la polarización infantil dramática que hacen.
El cine americano para mí se ha ido imbecilizando en la medida que la cultura de los medios de comunicación de masas y la historieta han ido avanzando sobre el cine. No avanzó la gran novela sobre el cine; avanzó la historieta, los géneros menores de la cultura popular. No es un momento de los más interesantes para el cine.
Hay grandes autores en el cine ruso y en el cine oriental, y no encuentro grandes autores en el cine americano. Por supuesto hay excepciones; me refiero a Coppola, Woody Allen, Jarmusch. Grandes realizadores hay…
… pero en la masa quedan un poco perdidos.
La verdad que no me interesa. El cine de suspenso, el cine de género, el cine policial, siempre lo vi muy poco, no me interesa. Y eso lo hacen muy bien; la Guerra de las Galaxias, los trucos, lo hacen muy bien, pero no me interesó nunca ese cine.
A mí siempre me gustó más el cine italiano: Fellini, Visconti, De Sica.
¿Es posible hoy hablar de un tercer cine, como se habló en la época de su primera proyección como cineasta documental?
Bueno, yo creo que las circunstancias han cambiado pero lo que queda permanente, y válido, es la tentativa de construir un cine nacional que escape a la uniformización masiva del cine. Todo el cine de hoy está muy marcado por la televisión y el ritmo televisivo; y por los modelos dramáticos de Hollywood, la estructura de suspenso. Trato de escaparle a esto y definir un cine nuestro. No necesariamente uno tiene que moverse en los modelos del cine europeo; en ese sentido se valora la búsqueda de un cine nacional. Cada cual, que busque su lenguaje. En general, hay una tendencia a hacer un cine efectivo que guste al espectador. Y el gusto del espectador, como se forma en la televisión, está cada vez más degradado. En mi generación, nos descubríamos y nos formábamos el gusto cinematográfico mirando el cine en las salas, viendo gran cine.
Yo sigo haciendo un cine que tiene que ver con la gran temática nacional, con los grandes temas y conflictos de la Argentina. Yo me planto no solamente como dramaturgo, cinematográfico, sino al mismo tiempo en películas como esta, de parte mía intento adoptar la actitud del historiador, que analiza y estudia los hechos acontecidos con un cierto rigor.
Teniendo una realidad nacional tan rica como la que tenemos, con sus luces y sombras, abundan ideas para realizaciones que podrían ponerse a la par de las suyas. Sin embargo eso no sucede. Y paradójicamente hay un incremento en la apertura de escuelas de cine, de institutos que enseñan a filmar no sólo en lo técnico sino apuntando a desarrollar una mirada propia en los futuros realizadores.
¿Tiene que ver con este avance de los géneros menores que mencionaba?¿El hecho de que estos realizadores no busquen en la realidad que tienen más al alcance de la mano?
Yo creo que esto ya tiene más que ver con un tema de valores, y también ayuda mucho el tema de la imbecilización de la crítica. Hoy la crítica sigue las modas de afuera. Un gran porcentaje de la crítica, cuando clasifica o juzga una película extranjera, hace mucho más esfuerzo que cuando juzga una película local. Entonces mistifica cosas que son absolutamente intrascendentes. Es correa de transmisión del modelo cinematográfico que mistifica extraordinariamente las cosas. Que hace que a realizadores apenas interesantes, se los convierta en mitos.
Por ejemplo?
Por ejemplo… ¿Qué importancia tiene Tarantino? Tarantino es un ídolo absoluto de toda la generación de los años ’90. ¿Qué le aporta al cine Tarantino?
Tal vez le aporte en sí a la forma… a las formas de filmación.
¡Y tampoco!... después de ver “El Padrino” de Coppola, ¿qué le aporta el señor Tarantino? Ojo que Tarantino no está solo, hay otros realizadores de los que también se hace un mito excepcional y no son interesantes.
¿Le parece a usted que el cine documental, con recursos de ficción, como es el suyo se puede reinstalar en un mercado como es el del cine nacional actualmente? ¿Llevar al público a ver documentales nuevamente, a las salas?
Son cosas que tienen que ver con lo cultural. En tanto la sociedad argentina está dominada por medios de comunicación de masas, de un nivel tan mediocre de contenidos y de formas, el gusto de la opinión pública está regido por ese gran patrón que es la televisión. Pero no se puede cambiar una sociedad si el transmisor de modelos civilizatorios, gustos, costumbres, son esos programas nocturnos de la televisión. Una televisión que tampoco difunde el cine argentino porque no le interesa, ni difunde cine latinoamericano. Si difunde cine, es el norteamericano y nada más.

2005©Cine&Medios

Una fiesta dura de domar...

Buenos Aires - ( Cine & Medios ) - La noche del miércoles 14 fue la elegida por la productora PPT, de Diego Gvirtz, para festejar su llegada al Canal 13 con el programa "Duro de Domar". En un local de las cañitas se dieron cita los protagonistas del ciclo: Guillermo Pardini, Jackie Keen, Sebastián Wainraich, Diego "Chavo" Fucks, María Fernanda Iglesias y el "mini" Juan Carlos Velázquez. El conductor del envío Roberto Pettinato fue el gran ausente en la fiesta, problemas de índole familiar le impidieron asisitir.

En una gran pantalla se pudo ver un avance de lo que será la presentación del programa donde se muestra al elenco dentro de una casa rodante con dirección a Canal 7... El resto hay que verlo el lunes 19, al término de "La Noche del Diez".

En un clima de fiesta, con música ochentosa, mucho baile, generosa en bebidas y comida, se pudo ver entre los asistentes a Willy Crook, Ari Paluch, Reynaldo Sietecase, los hermanos Korol, Nicky Jones y el siempre vigente Johnny Allon, quien confió a Cine & Medios la primicia de su regreso a la música con un disco que fusiona el rock & roll estilo Johnny Rivers con algo de salsa... Habrá que escuchar. Además se hizo presente la última dupla de TVR, José María Listorti y Gabriel Schultz, ambos actualmente sin certezas en cuanto a su futuro televisivo.

En otro orden de cosas, Jackie Keen desmintió que se tomará libre lo que resta de la temporada. Seguirá hasta fin de año, época en la que se casará y a partir de ahí decidirá si continuará el año entrante.

En síntesis, se festejó el cambio, la continuidad laboral (que no es poco) y todo en una fiesta en donde el término "kistch" no desentonó en absoluto.

Festival de cine independiente en Mendoza

BUENOS AIRES - ( Cine & Medios ) - Lunes 12 por la tarde. El hall del recientemente refaccionado Teatro Lola Membrives, en la calle Corrientes, rebosa de gente. Algunas caras conocidas se destacan sobre el resto: Jorge Corona, Ulises Dumont, Enrique Liporace, Emilia Attias... ¿El vernissage de algún lanzamiento teatral? No: la presentación oficial del 1er Festival de Cine Independiente de San Rafael, Mendoza, a realizarse entre los días 12 y 15 de octubre próximos.
Los encargados de brindar la charla de introducción fueron el inefable Jorge Coscia, presidente del INCAA, la senadora mendocina Marita Perciaval (una de las principales impulsoras de las leyes de subsidios a la actividad cinematográfica) y el propio intendente de San Rafael, Omar Félix.

En una presentación destinada principalmente a la promoción de esta región de Cuyo, famosa por sus viñedos, se habló de cine, de federalismo, de la búsqueda de una identidad cinematográfica latinoamericana y (por qué no) de los logros del Incaa y el parlamento en lo tocante a la industria del cine argentino.
La primera en hablar fue la senadora Perciaval, que sólo tuvo elogios para con la gestión de Coscia al frente del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales. A lo que éste retrucó con el viejo refrán acerca de "tener un hijo, escribir un libro (logros que ya ha alcanzado) y plantar un árbol". En este caso... el álamo, símbolo de la ciudad de San Rafael e ícono representativo elegido para la muestra.
Coscia señaló floridamente "he plantado un pino (en alusión al festival de cine de Pinamar, que tuvo lugar en diciembre de 2004) y ahora estoy plantando un álamo". Siempre jugando con la metáfora del álamo como protección de los viñedos, agregó que "un país que no se preocupa por la cultura, es un país ciertamente desprotegido... La cultura es tan necesaria como la salud y la educación, en lo que hace a la protección de los pueblos".
El intendente Félix, en tanto, destacó las bondades de la región y su apertura a las propuestas culturales. Definió al hombre como transformador de la naturaleza, y a la cultura en tanto transformadora de los hombres en un esfuerzo por estar a la altura de los dos entusiastas oradores.
La breve introducción finalizó con un desfile de Mauleón + Hernández, dos jóvenes diseñadores sanrafaelinos que presentaron a algunas modelos vestidas con extravagantes atavíos, basados en piel, fílmico y tela antigranizo... Desfile que mediante la combinación de elementos comunes a la cultura de Mendoza pretendió reflejar la mixtura "hombre-naturaleza", tan presente en el evento.

EL AURA: Senderos que se bifurcan...

Con una impecable factura técnica y una historia que esconde más de lo que muestra, el realizador Fabián Bielinsky se acerca más al cine de autor que a la media de la producción nacional.
Mientras alguna corriente de "nuevos realizadores" apuestan a la mirada autoanalizante, casi intimista, el guionista y director que supo ofrecernos "Nueve Reinas" cuando el panorama local parecía falto de ideas, regresa para mostrar su última creación.
"El Aura", definición médica del instante que precede al ataque de epilepsia, anticipa de qué viene la mano con Esteban, taxidermista parco e introvertido (Ricardo Darín, impecable en el que podría ser un papel bisagra en su carrera). A Esteban le gusta encerrarse a trabajar obsesivamente mientras escucha Vivaldi e ignora a su mujer. Mientras trabaja, conspira. Es un apasionado esteta del crimen perfecto.
Acepta la invitación de otro taxidermista y viajan juntos al sur en una excursión de caza que termina mal. No podía ser de otra manera, ya que al rechazo de Esteban a matar un animal se suman una franqueza directa y dolorosa. El amigo se ofende y se va, dejándolo solo en las cabañas de un cazador de la zona, Carlos Dietrich, junto a la joven co-propietaria, Diana (Dolores Fonzi) y el hermano de ésta, Julio (Nahuel Pérez Biscayart).
Esa misma noche, dos desconocidos llegan a buscar a Dietrich, que se demora inexplicablemente. Se traen un asunto entre manos que Diana no comprende y su hermano se niega a explicar. Esteban pasa de turista ocasional a partícipe accidental, y mientras lidia con su epilepsia comienza a desenredar la trama de un golpe perfecto…
Ambientada parte en los áridos paisajes del sur y parte en los bosques de Cariló-Pinamar, la película se toma su tiempo para instalar un clima que no decae. El ritmo es absolutamente pausado y personal. Las tomas son detalladas y las escenas continuas, casi sin cortes.
La música y el sonido ambiente ofrecen un adecuado marco a este relato en azul tenue, donde incluso la luz incide de formas distintas, dependiendo del ámbito de la narración o bien del personaje que entra en cuadro. Las transiciones entre escenas son impecables, aunque a medida que pasan los minutos, se empieza a sentir el agobio de tantos planos largos.
Pocas palabras, muchas preguntas y las resoluciones casi siempre abiertas a la interpretación del espectador constituyen en esta película el sello Bielinsky. Sería un error interpretar este film en relación a "Nueve Reinas" o pretender analizarlo desde el mismo lugar. Son dos productos bien diferenciados, con un sello de autor inconfundible... y apenas eso.
El Aura no necesita ganar premios para demostrar la calidad de su realización. Las actuaciones están en todo momento a la altura de un guión exigente, si bien los diálogos por momentos suenan un poco forzados, casi incómodos. Sea que la acompañe la taquilla o no, estamos frente a un film para destacar entre los (muchos) estrenos locales de los últimos tiempos.
Nuestra critica: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EL AURA – 135 minutos – Apta para mayores de 13 años. Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de septiembre

LOS ROMPEBODAS: Dos tipos audaces (y colados)

La comedia es un género que requiere precisión, cautela, actitud, talento. Es un mecanismo de relojería con el cual no se puede improvisar. Están los que prefieren ir de a poco, en un crescendo constante hasta llegar al remate. Pero también están quienes se arriesgan de entrada. Arrancando bien arriba, como un boxeador buscando su mejor golpe en el primer round. Si lo conecta, el combate se hará menos riesgoso.
Esta es la actitud tomada por el director David Dobkin, quien nos ofrece en los primeros diez minutos del film la más efectiva sucesión de gags vista en años, presentando a los personajes John Beckwith (Owen Wilson) y Jeremy Grey (Vince Vaughn), dos abogados especialistas en divorcios cuyo hobby es colarse en los casamientos. No son unos colados cualquiera, sino el equivalente de los personajes de Brad Pitt y George Clooney en "La Gran Estafa", pero con el talento aplicado para hacer la inteligencia necesaria y asi entrar a una celebración judía, italiana o hindú, y parecer de la familia.
Aunque el objetivo último de la pareja no es andar de fiesta en fiesta, sino acostarse con las chicas "detectadas" a priori y para quienes preparan sus "personajes", que pueden ir desde el veterano de guerra hasta el alma más sensible y poética.
La trepidante acción del comienzo tiene su freno al planteárseles la posibilidad de colarse en un acontecimiento especial, la madre de todas las bodas: la hija del Secretario del Tesoro de la Nación William Cleary (Christopher Walken) y de su mujer Kathleen (Jane Seymour) se casa en lo que será el evento social más relevante del año en Washington, D. C. Y donde John y Jeremy se encontrarán con el comienzo del fin a sus andanzas al interesarse en las otras hijas del Secretario, las damas de honor Claire (Rachel McAdams) y Gloria (Isla Fisher).
A partir de aquí, Dobkin narra la historia de manera más calma, jugando un tipo de comedia más en el estilo de "La Familia de mi Novia" (Jay Roach) y donde se luce el guión de Steve Faber y Bob Fisher, quienes, aportando un caudal de frases y situaciones memorables, demuestran que no en vano escribieron una de las comedias más ásperas, y a esta altura mítica, de la tv yanki: "Married with Children".

Con un humor mordaz, satírico por momentos, ácido siempre y con toques de lo mejor de la comedia americana que no le escapa al romance, el film encuentra en Owen Wilson a un intérprete ya experto en estos trabajos y siempre efectivo. Vaughn no le va en zaga. Lleva el estilo del Hollywood clásico en materia de comediantes que este tipo de películas necesita.
En el resto del reparto nadie desentona y hasta hay un cameo de uno de los mejores intérpretes de comedia de los últimos tiempos, poniendo un digno broche final al que será sin dudas uno de lo éxitos de lo que resta de la temporada 2005.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 100 % del valor de una entrada.

LOS ROMPEBODAS (Wedding Crashers) - 118 minutos - Apta para mayores de 16 años. Estreno en la Ciudad de Buenos Aires: 15 de Septiembre.

Otro pase y van...

Buenos Aires - ( Cine & Medios ) - El año televisivo comenzó con Tinelli cambiando de canal. Cuando no terminaba de acomodarse en la pantalla del 9 decidió cambiar nuevamente y firmar el pase al 13 para el 2006.
A su vez, y como huyendo de algún mal, Nicolás Repetto dejó imprevistamente el barrio de Constitución y comenzará en breve un ciclo en canal 9.
Ahora en medio de versiones sobre si Mirtha Legrand pasará al 13 o Jorge Rial al 9, se confirma que Mario Pergolini y su productora Cuatro Cabezas estarán en la pantalla de Telefé el año próximo.
Así, junto a los productos de Cris Morena y la permanencia de Susana Gimenez, Claudio Villarruel se asegura los envíos de una productora exitosa en lo monetario pero no así en llegada al público. Decisión extraña para un canal que apunta al liderazgo en un año altamente competitivo y, a no olvidarlo, con un mundial de fútbol de por medio.
Los programas de Cuatro Cabezas no se caracterizan por ser populares. Una cuenta rápida y haciendo memoria nos lleva a que CQC en su etapa en América 2 promediaba los 5 ó 6 puntos de rating, con picos en ocasiones como la entrega de los premios Oscar donde arañaba las dos cifras, mérito de Andy Kustnezoff.
Negocios con la Alianza mediante se despidieron para volver caido el gobierno de De La Rua , familiarizándose en canal 13 con los dos dígitos (indispensables para mantenerse en el aire), pero no pasando más allá de los 15 puntos y en franca caida en las últimas mediciones.
Con propuestas periodísticas "soft" como "La Liga" o el lamentablemente tan copiado "El Rayo", la empresa de Pergolini y Guebel apuntó desde siempre a un público adolescente y poco exigente a quien con lo último en edición y el futuro hit de la movida dance se puede conformar.
Sin embargo Cuatro Cabezas garantiza buenos ingresos publicitarios, merced a tener tan claro su target, y eso en la televisión de hoy no es algo para desmerecer.

YESTERDAY: Una crónica necesaria desde Africa

Basada en la historia real de una mujer sudafricana, este film fue candidato a numerosos premios incluido el de la Academia a mejor película extranjera. Con planos largos, a veces extenuantes, y una narración estructurada en base a las acciones y los silencios de sus (pocos) personajes, Yesterday apunta a un público puntual con un mensaje simple y preciso, cargado de contenidos.

La película, impecablemente dirigida por Darrell James Roodt, llega a las pantallas locales en medio de un cierto anonimato. Es difícil ubicar esta historia simple, casi cotidiana, en medio de una cartelera altamente competitiva, y hacer que el público se interese. Sin embargo, a lo modesto de esta producción se impone la alta calidad de sus imágenes, la prolija factura técnica y el trabajo convincente de sus actores.

Además, se trata del primer filme en la historia, hablado íntegramente en lengua zulú. Yesterday es una mujer muy humilde que vive en Rooihek, un aislado pueblo en Sudáfrica, junto a Beauty, su hija de siete años. Acosada por una tos persistente, Yesterday intenta una y otra vez llegar a tiempo a la consulta médica. Algo difícil si se tiene en cuenta quedebe levantarse antes del amanecer y caminar cuatro horas para llegar al puesto más cercano. Invariablemente ya es muy tarde; la doctora sólo puede atender un contado número de pacientes y la cola es demasiado larga.

Yesterday continúa pese a todo con sus labores diarias. Su marido trabaja en las minas en Johannesburgo, y se ven con suerte dos veces al año. Mientras cría a su hija y espera, la mujer trabaja la tierra, busca el agua en el pozo comunal, sostiene la casa. Y tose.

Cuando por fin accede a la consulta médica, y luego de varios análisis, la joven debe enfrentarse a una brutal realidad: la han contagiado de SIDA. Consciente de la gravedad y fatalidad de su situación, se arriesga en un viaje a la capital para contarle a su esposo. A la frialdad de la recepción se suma el maltrato. Pronto sufrirá el recelo de la comunidad en que vive. Desencantada, Yesterday sólo quiere vivir para acompañar a Beauty en su primer día de colegio al año siguiente.

La historia podría ser la de cualquier habitante de Africa, actualmente el lugar del planeta con el índice más alto de mortalidad por VIH. Sin embargo, la progresión de las escenas, la humanidad de sus protagonistas, la música regional, los silencios, el sonido del viento en los caminos que transitan Yesterday y su hija, causan una profunda impresión de estar viviendo el momento dentro del relato mismo.

Tal vez el único punto débil de la película sea que, pese a su brevedad, la lentitud de los planos y la parquedad de los diálogos llegan a cansar un poco al espectador. Por otro lado, alguien escribió alguna vez que los paisajes de Africa y su gente tienen la capacidad de meterse en la propia alma del que los contempla. Yesterday es una prueba acabada de ésta y muchas otras reflexiones en torno a una realidad a la vez próxima y lejana para la cultura occidental: la del continente más desamparado de la Tierra.

Nuestra crítica: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

YESTERDAY – 96 minutos – Apta para mayores de 13 años. Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 8 de septiembre.

EL LUCHADOR: Esto me suena…

En los años '30, en plena crisis económica y social norteamericana, un hombre llevó esperanza a millones de personas que se habían caído del sistema y buscaban una segunda oportunidad. El boxeador James J.Braddock es una leyenda de conmovedora humanidad (o eso aseguran) en los Estados Unidos.

La nueva película de Ron Howard (director al que se sigue nominando y premiando de acuerdo a la actual tendencia de la Academia, si bien hace un tiempo que no ofrece nada nuevo) pretende reflejar todo esto, y se queda meramente en un destello espejado. Las caracterizaciones son forzadas, construidas más que nada en base a estereotipos que el cine ha explotado hasta el hartazgo.

No termina de convencer este James Braddock, no por generoso y altruista menos humano... El problema es que es demasiado altruista, demasiado generoso para ser humano. Su némesis en el cuadrilátero es Max Baer (Craig Bierko), al que se presenta como un terrible oponente no sólo por su pericia como boxeador, sino por su cinismo y total desprecio por cualquier vida ajena.

Russell Crowe y Renée Zellweger, la pareja protagonista, no logran transmitir al espectador más que una serie de clichés sobre lo que debe haber sido un matrimonio de los años '30, con sus apuros económicos y desavenencias conyugales. Si bien está correctamente estructurada, toda la trama deriva previsible hasta en sus mínimos detalles . Sobresale, como siempre, el eficaz Paul Giamatti como Joe Gould, el representante de Braddock y responsable de su retorno al ring.

Estrenada en USA con cierto retraso para evitar la superposición con una película de similar temática (la multipremiada Millon Dollar Baby), El Luchador remite sin quererlo a la película de Clint Eastwood, aún cuando busca escaparle al tono duro e intimista, ofreciendo en contraposición un producto mucho más "amable", pero por lo mismo más edulcorado.

Es de prever pues, que este retraso en su arribo a las pantallas tiene mucho más que ver con la ambición de figurar en alguna terna con vistas a los próximos premios de la Academia hollywoodense. Que, por cierto, siempre se reserva algunas nominaciones para películas de este calibre.

Nuestra crítica: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

EL LUCHADOR (Cinderella Man) – 143 minutos – Apta para 13 años. Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 8 de septiembre

CONFIRMADO: Sociedad de Artear e Ideas del Sur

Buenos Aires - (Cine & Medios) - Presentamos a continuación el comunicado dado a conocer en el día de hoy por parte de Canal 13:

Artear S.A. e Ideas del Sur anuncian la firma de un acuerdo marco que apunta al desarrollo y producción de contenidos audiovisuales para abastecer al mercado local e internacional de televisión. En este último segmento, se prevé un esquema de cooperación mutua para recuperar un terreno que argentina ha venido resignando desde hace años.
Se trata de un paso estratégico natural de dos empresas con trayectorias y perfiles propios, pero con visiones compartidas sobre el negocio audiovisual. Ambas poseen vocación por fortalecer la producción en sus diversos géneros, explorando formatos y caminos novedosos, tanto en lo artístico como en lo tecnológico.
Para fortalecer este objetivo, Artear S.A. realizará una inversión en Ideas del Sur que se traducirá en una participación minoritaria en el capital accionario.
“Es un paso importante y lógico para nosotros. La imagen de la pantalla y la trayectoria del 13, sumadas a las fortalezas de Artear S.A. y sostenidas por un grupo que desde hace 60 años se dedica a los medios de comunicación, hacen que Ideas del Sur se sienta cómoda en este esquema. Es una apuesta que trasciende lo económico; siento que es un camino de largo plazo que tiende a insertar a Ideas en una plataforma más amplia que le va a abrir más posibilidades a la producción argentina y a su expansión internacional”, sostuvo Marcelo Tinelli, Presidente y fundador de Ideas del Sur.
Adrián Suar, Director de Programación de Canal Trece, dijo: “Así como la ficción, las noticias y el deporte siempre fueron sellos del canal, Ideas del Sur tiene una tradición de liderazgo en ciclos de entretenimientos con inserción popular. Ha demostrado una gran versatilidad para la creación de ciclos de ficción y no ficción, lo que permitirá al canal nutrirse de este importante valor.”
“Las visiones de Canal Trece e Ideas del Sur sobre la industria son coherentes: innovación, identidad local y al mismo tiempo, vocación exportadora, proyectos e inversiones de largo plazo, espíritu de permanencia y foco en el mundo de los medios. También hay puntos de vista compartidos desde lo empresarial. Se apuesta al profesionalismo, a una vocación de sustentabilidad y racionalidad en el uso de recursos y, sobre todo, a una gestión responsable que preserve la salud financiera y apunte a la rentabilidad como garantía de permanencia”, concluyó Daniel Zanardi, Gerente General de Artear S.A.