COMO SI FUERA CIERTO: Amor en la dimensión desconocida.

"You, soft and only / You, lost and lonely / You, just like heaven" canta Robert Smith con su grupo The Cure en el álbum "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me" de 1987. Dieciocho años después la canción musicalizará y titulará un filme. El que cuenta la historia de una abnegada y eficiente médica llamada Elizabeth (Reese Witherspoon) que tras una agotadora guardia es notificada acerca de su ascenso en el hospital donde trabaja. Dedicada de lleno a su labor y sin tiempo para socializar, y por ende para conocer a quien pudiera ser su pareja, Elizabeth siente ahora que puede comenzar una nueva vida... Pero lo que ignora es como y donde. Un trágico accidente será el principio del camino.
David (Mark Ruffalo) recorre San Francisco buscando un lugar en donde vivir. Luego de visitar departamentos varios el "destino" le ofrecerá uno muy especial. El que habitó Elizabeth. Ya asentado en su nuevo hogar David descubrirá que no está solo.
"Como si fuera cierto" es una comedia romántica que apela al recurso fantástico de poner en escena a un fantasma para interactuar con un mortal, ambos en busca de respuestas. Las que necesitan aquellos que aún no encontraron un amor o los que lo perdieron.
Metafísica mediante el director Mark Waters ("Chicas Pesadas") construye una película ágil y compacta, con ideas claras y sin pretensiones. Lo sobrenatural sirve de excusa para hablar de esa otra experiencia ajena a la razón que es el amor.

El fantasma de Elizabeth no puede tomar un teléfono y atraviesa paredes, pero sí puede estar sentada en una camioneta o arrugar una sábana. Es más que evidente que no se buscó poner el acento en la lógica de lo fantástico sino exponer la metáfora anteponiendo la idea por sobre los efectos. Personajes bien delineados y una solvente labor de Witherspoon hacen de este filme una agradable propuesta en precisos y disfrutables 83 minutos de historia.

Nuestra Calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

COMO SI FUERA CIERTO (Just like heaven) – Con Reese Witherspoon, Mark Ruffalo, Donal Logue y elenco – Guión de Peter Tolan basado en la novela "If Only It Were True" de Marc Levy – Producida por Laurie Mac Donald, Walter F. Parkes y David Householter – Dirigida por Mark Waters – 87 minutos – Apta para todo público – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 29 de diciembre.

TEMPORADA DE PATOS: Postales de una tarde cansina.

Es un domingo cualquiera en Ciudad de México. Dos adolescentes, Flama y Moko se preparan para disfrutar de un día tranquilo en casa de Flama, ya que su madre salió, dejándoles coca cola en la heladera y dinero para las pizzas. Todo parece demasiado perfecto. Sin embargo las cosas pueden (y van a) cambiar.
En medio de una reñida competencia de videojuego, la luz se corta. El pedido de la pizza se transforma entonces en una competencia en sí misma. Según la pizzería, si llega tarde es gratis. Los muchachos cronometran y el pedido para ellos llega con un once segundos de atraso, pero el joven del delivery no está de acuerdo y se instala dispuesto a cobrar. Para colmo se cuela en la cocina una insistente vecina (un par de años mayor que los chicos) decidida a hacerse una torta de cumpleaños.
Ahora son cuatro personas que recién se conocen, en un departamento sin luz, y el ambiente es de pocos amigos. ¿Qué más podría salir mal?
El director Fernando Eimbcke debuta en la dirección de largometrajes con esta cálida película ambiental. Filmada en un blanco y negro sin estridentes contrastes, con mucho sonido directo y prácticamente nada de música, Temporada de Patos dibuja un paisaje de situaciones y caracteres más que atrayente.
Si bien en un principio resultan algo molestos los planos alargados en el tiempo, una vez establecido el timing la trama simplemente discurre, dejando que los personajes mismos lleven las riendas de la acción.
Casi sin proponérselo, la narración va derivando de un registro tenso al principio, a uno más relajado. A medida que pasan las horas, los personajes interactúan de una manera más profunda unos con otros. Surgirán confesiones y revelaciones clave con la mayor naturalidad. Los pequeños dramas personales requieren de decisiones, y ese domingo más de un alma perdida encontrará el camino a seguir.
Hay que destacar que la cuidadosa fotografía brindará más de un guiño al público avezado en cuestiones musicales (Eimbcke viene de una galardonada trayectoria como director de videoclips). Junto a la calidad interpretativa de los cuatro actores principales (excelente Enrique Arreola), es de lo mejor de este film. Que, en definitiva, es para tenerlo en cuenta ya que suelen durar muy poco en las carteleras locales.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 80 % del valor de una entrada.

TEMPORADA DE PATOS - Con Daniel Miranda, Diego Cataño, Enrique Arreola, Danny Perea - Producida por Christian Valdeliévre - Guión y Dirección de Fernando Eimbcke - 88 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 22 de diciembre.

KING KONG: Clásico de clásicos

La ambición que todo corrompe, que tuerce destinos y modifica la naturaleza de las cosas. O la naturaleza misma. Esta es la historia del ambicioso y mediocre director Carl Denham (Jack Black), de la joven actríz Ann Darrow (Naomi Watts) y del escritor Jack Driscoll (Adrien Brody).
A comienzos de la década del treinta los EE. UU viven la gran depresión económica. Ann busca una oportunidad dentro del negocio del espectáculo. Denham está desesperado por encarar el proyecto que puede salvarlo de la bancarrota moral y financiera. El destino hará que sus intereses se crucen e inicien, sin saberlo, el viaje más fantástico que jamás hubieran imaginado.
En una remota isla del pacífico, inexistente en los mapas, el tiempo parece haberse detenido. La evolución de las especies jamás inició. Allí todo funciona como la naturaleza manda hasta que los "civilizados" llegan. Los habitantes de la isla descubren entre los visitantes a quien será la ofrenda viviente para el simio gigante llamado Kong.
El neocelandés Peter Jackson decidió encarar el trabajo de revisionar un clásico al que jamás se le hizo justicia con su posteriores adaptaciones. El film de 1933 dirigido por Merian Cooper y Ernest Schoedsack no solo marcó un quiebre en cuanto a la propuesta argumental sino también a la utilización de efectos especiales. En particular, el uso del Stop Motion a cargo de Wlliam O’Brien, quien dio vida cuadro a cuadro al mono gigante (no más que un muñeco con esqueleto de alambres). Así y todo se trata de una obra imperecedera y asombrosa en su realización.
No es extraño que haya fascinado a Jackson, quien con respeto, pero también con gran osadía, nos presenta tres horas de acción y aventuras, narrando con astucia una historia conocida. La bella y la bestia en su máxima expresión, gracias al convincente trabajo de la australiana Watts, y la gestualidad prestada al simio por el actor Andy Serkis (Gollum en "El Señor de los Anillos") a través de un sistema digital de animación. Serkis interpreta además el rol de Lumpy, miembro de la tripulación del barco que lleva a los protagonistas hacia Skull Island, hogar de Kong.
Habrá que situarse, ciertamente, fuera de algunos parámetros lógicos. Estamos frente a un producto de neto corte fantástico, donde los personajes se mueven en un ambiente regido por su propio verosímil. Las criaturas que habitan Skull Island, brillantemente logradas en base a la mejor tecnología digital, conviven con los actores con bastante naturalidad. Las escenas donde aparecen, son pura adrenalina y mantienen la tensión del espectador en todo momento.
Mención aparte para la escena que condensa toda la potencia de la historia original: Kong trepando al Empire State con Ann en una de sus manos, para enfrentar su destino final. Logradísimos planos aéreos y de acercamiento que atrapan la mirada del espectador más avisado.
Sin dudas este film nos devuelve al mejor Jackson, quien a pesar de estar atado a un trabajo previo se lo nota cómodo, haciendo propia esta fábula ecológica cuyo mensaje aún no parece ser del todo comprendido. Aunque la mirada de Ann, mezcla de compasión, culpa y gratitud, es tal vez la mejor imagen para resumir lo lejos que puede llegar el hombre a causa de la ambición.
El dato: Se estrenan en la Argentina 135 copias de las cuales 80 son subtituladas y 55 dobladas al castellano. A prestar atención al momento de adquirir su entrada. Obviamente si usted sabe leer le recomendamos ver la versión original.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

KING KONG - Con Jack Black, Naomi Watts, Adrien Brody - Guión de Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens - Producida por Jan Blenkin, Carolynne Cunningham, Peter Jackson, Fran Walsh - Dirigida por Peter Jackson - 186 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

OLIVER TWIST: Relato clásico de inocencia y corrupción

Oliver es un chico con suerte. Huérfano, reiteradamente maltratado, empujado a la mendicidad en una Inglaterra en la que todavía regía la pena de muerte por vagancia. A los diez años, mal alimentado, solo, pero pese a todo con la inocencia intacta, llega a Londres. Caerá en las manos de una banda de forajidos púberes capitaneados por el amoral Fagin, y casi enseguida en el hogar de un bondadoso anciano.
Oh, sí: Oliver Twist es un chico con suerte. De la buena y de la otra, pero fundamentalmente de la otra. Parido y desdeñado por la misma sociedad exclusivista, conserva sin embargo unos modales que nadie sabe de dónde le vienen en medio de tanta miseria. Acepta y se rebela contra su destino con la misma mirada triste, y una candidez que lo mantiene al margen (si no a salvo) de la bajeza que lo rodea.
El pequeño héroe de Charles Dickens ya tuvo varias adaptaciones en cine y TV. De hecho, casi todas las obras de Dickens cuentan con alguna adaptación. Sin embargo esto no amedrenta a Roman Polanski, un realizador de heterogénea filmografía. Sus personajes encarnados, ostentan una humanidad que aún rozando lo caricaturesco logran despertar cierta emoción en el espectador.
Las interpretaciones del pequeño Barney Clark y de Ben Kingsley sostienen con suficiencia el relato y sus digresiones. Todo el elenco es correcto y cada personaje encuentra en la mano de Polanski una convincente caracterización, dándole no sólo carnadura física sino moral a cada uno.
Con una reconstrucción de época y fotografía muy cuidadas, se completa este retrato de costumbres de la naciente época victoriana. Con un buen timing y reconocibles toques del director el ritmo de la historia decae un poco al final.

Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

OLIVER TWIST - Con Barney Clark, Ben Kingsley, Leanne Rowe, Mark Strong, Jamie Foreman - Guión de Ronald Harwood sobre una novela de Charles Dickens - Producida por Roman Polanski, Robert Benmussa, Alain Sarde - Dirigida por Roman Polanski - 128 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 15 de diciembre.

EL LOBO: Donde los extremos se unen

Hace treinta años, un ciudadano español de origen vasco que tenía juntas sospechosas para la policía local terminó infiltrándose presionado por ésta, en la organización terrorista ETA. El servicio secreto y la milicia lo conocieron como Lobo; la Organización, como un traidor a la causa euskadi. Hoy su verdadera identidad es un misterio, y pesa aún sobre él una condena a muerte por parte de ETA.
En su historia se inspira la película del director Miguel Courtois, una de las grandes ganadoras en los premios Goya 2005. Rodada en gran parte en exteriores (los increíbles paisajes del País Vasco y Barcelona, las calles de Madrid), logra un buen clima que vira rápidamente de la biografía ficcionalizado al mejor relato policial.
La acción se impone en la secuencia inicial; una persecución, y luego un salto en el relato, para así construir la historia de atrás hacia delante. Hacia la mitad del film se retoma aquella primera escena, y es entonces que comienzan a revelarse los hilos más sutiles de la trama.
Es en ese punto que convergen los extremos. Por un lado, el idealismo del personaje, vasco más allá de todo, pero a la vez profundamente democrático. Paralelamente, la revelación maquiavélica sobre el terrorismo que ofrece uno de los personajes: el enemigo debilitado es más útil que aquel al que se destruye. Apenas una operación para demonizar a la izquierda y mantener un equilibrio dentro de un estado donde prevalecía la derecha. El mismo equilibrio que se busca al iniciar una guerra cada tanto.

La dirección de fotografía acompaña eficazmente al relato aportando detalles de calidad, al tiempo que la producción logra una recreación de época sin estridencias.
La música es un valor agregado; clásicos reconocibles subrayan la acción. Desde Deep Purple hasta Patti Smith, pasando por Leonard Cohen, todos remiten a esos setentas necesitados de ideales, rebeldía, libertad. Valores reprimidos en la España franquista y también acá, a la vuelta de la esquina, y cuya búsqueda propiciaba tal vez la unión al bando equivocado.

Mención aparte para un elenco que se ajusta a los roles convincentemente, dando a cada personaje una identidad propia y definida. El taquillero Eduardo Noriega, escoltado por la notable actriz francesa Mélanie Doutey ("La flor del mal", Claude Chabrol, 2004) y un irreconocible Jorge Sanz (protagonista aquí de una toma ¿homenaje? a Brian de Palma) cumplen con solvencia, dejando lugar para la empatía por parte de la platea.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada

EL LOBO - Con Eduardo Noriega, José Coronado, Mélanie Doutey, Jorge Sanz y elenco - Guión de Antonio Onetti - Producida por Julio Fernández y Melchor Miralles - Dirigida por Miguel Courtois - 124 minutos - Solo apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CREEP: Terror gore en un laberinto urbano

Kate (Franka Potente) sale de una fiesta rumbo al encuentro de su vida. Bajar al subterráneo londinense después de unos cuantos tragos y otras sustancias no es la mejor idea; se queda dormida y pierde el ùltimo tren. Imprevistamente un inesperado coche para en la estación. Kate sube, a las pocas cuadras la formación se detiene y las luces se apagan. Es el comienzo del horror.
Con un guión estructurado en base a golpes de efecto y mucho sonido ambiente, el debutante Christopher Smith se interna en el género de terror clásico, pero con resultados dispares. Los personajes se muestran casi abúlicos pese a la gran carga de tensión que toma el relato, con lo cual el efecto se pierde por momentos.
Con cámara en mano, el director lleva al espectador por los intríncados laberintos del subterráneo inglés, en sombríos escenarios que dan el marco adecuado para el monstruoso ser que victimiza a cuanta persona se adentra en sus terrenos.
La narración no se detiene ni distrae hasta llegar a la resolución. Lejos del horror adolescente, ramplón y autorreferencial, construye una historia clásica, sin mucho suspenso pero con mucha sangre, y algo de impactante sadismo.
Con algo de gore, insinuaciones obvias por demás y el instante del clímax (la revelación del ser en las sombras) se diluye rápidamente en tomas bastante cansinas... hasta que la persecución al estilo “gato y ratón” se reanuda. Pero el ritmo no vuelve a ser el mismo del principio, una vez que las cartas están mostradas.
Tal vez allí resida el problema con este film. Lo que en "El juego del Miedo" se presentaba como soporte de un relato que buscaba no solo impactar al espectador sino sorprenderlo y hacerlo parte del juego, en Creep todo acaba siendo como debe ser y la sorpresa se la lleva uno al ver que todo lo que pudo imaginar en materia de originalidad no llega a concretarse.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CREEP - Con Franka Potente, Vas Blackwood, Sean Harris, Paul Rattray, Kelly Scott - Producida por Julie Baines, Jason Newmark - Guión y Dirección de Christopher Smith - 85 minutos - Solo apta para mayores de 16 años con reservas - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

CHICKEN LITTLE: Salvando el mundo con ritmo... pop

La factoría Disney está de fiesta; llega a las pantallas el primer producto de animación por computadora que realizan sin Pixar. ¿Para celebrar? Tal vez... si tenemos en cuenta que el terreno en que Disney siempre tuvo preeminencia era el de la animación tradicional, hoy en desuso. Y queda claro que en el terreno del 3-D le quedan muchos años de trabajo por delante.
Chicken Little es un pollito nerd, un poco freak, que luego de ganarse la antipatía del pueblo por dar una “falsa alarma” y crear el caos se siente más aislado que nunca. Sólo cuenta con sus no menos extraños amigos: una patita fea, un cerdo desproporcionadamente gordo, fanático del karaoke y de Barbara Streissand, y... un pez especialmente equipado para vivir fuera del agua.
El pollito tiene un instante feliz de redención comunitaria gracias a una hazaña deportiva. Su padre vuelve a tener fe en él; el pueblo parece olvidar su antiguo desliz... Pero esa misma noche, a Chicken Little le cae algo parecido a un trozo de cielo en la cabeza. Y dispuesto a todo con tal de no volver a caer en desgracia, se embarca junto a sus amigos en una misión discreta para investigar el misterio.
La historia es previsible y tiene sus momentos altos en comicidad, si bien es probable que el público infantil se quede afuera en un par de detalles (sobre todo por la confusa dicción de los actores de doblaje locales). Dura lo justo para entretener sin agobiar, a la manera de las series de Disney Channel, y ya lejos de la trayectoria de otros films memorables, como La Bella y la Bestia o El Rey León.
Los personajes están bien esbozados y son lo mejor de la parte visual y técnica. Sin embargo su profundidad es nula, basada casi totalmente en tics histéricos. Los fondos están todavía muy lejos de los elaborados trabajos de Pixar, y más cerca tal vez de aquellos de La era del Hielo (Blue Sky, 2002), así como el trabajo de perspectiva y travelling.
Quienes presten un poco de atención podrán distinguir en el doblaje argentino las voces de Guido Kazca, Florencia Peña (mal en su dicción) y Juan Acosta entre otros. Pablo Echarri y Nancy Duplaa apenas se escuchan, pese a la gran difusión que se da a su aporte en la película, en una irreconocible participación. Y las canciones originales, versionadas por Alejandro Lerner, quedan en un segundo plano discreto y adecuado.
Los chicos y no tanto que vayan buscando a un antihéroe cool, desgarbado y querible pese a sus infortunios y rarezas personales van a salir conformes. Ni hablar de los niños de entre 5 y 10 años, el público ideal para este producto, que apunta indefectiblemente al target más nuevo del mundo Disney.
El dato: "Chicken Little" contará con aproximadamente 154 copias, de las cuales sólo se exhibirán 10 en idioma original con subtítulos, sólo para puristas curiosos.

Nuestra calificación: Esta película justifica el 60% del valor de una entrada

CHICKEN LITTLE - Versión original con Zach Braff, Garry Marshall, Joan Cusack, Adam West y elenco - Guión de Mark Dindall y Mark Kennedy - Producida por Randy Fullman - Dirigida por Mark Dindall - 82 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 08 de diciembre.

UNA VIDA ILUMINADA: Dos generaciones, una búsqueda, la amistad

Jonathan es un joven norteamericano de origen judío. Aplomado, pulcro pero indudablemente obsesivo, se ha dedicado toda su vida a coleccionar objetos que le permiten trazar un árbol genealógico de su familia. El patriarca y abuelo, Safran Foer, murió sin revelar los pormenores de su milagroso escape de Ucrania días antes de la invasión nazi; pero en su regazo conservaba la foto de una misteriosa muchacha que lo había ayudado.
Tras la clave que le falta para completar ese mapa de la sangre, Jonathan viaja a Ucrania y contacta a Alex, un joven que admira profundamente la cultura norteamericana. Alex es un traductor y guía no por improvisado menos servicial. No así su abuelo, que demuestra una fría cordialidad con el joven extranjero al que trata de "yid" (peyorativo por "judío") y sólo se conmueve cuando habla de su país y de su perro.
Los tres parten en un auto anticuado, con muchas dudas y apenas un par de referencias; la foto de la joven y el nombre de un pueblo que nadie conoce: Trachimbrod.
Una vida iluminada es, además de una de las más gratas sorpresas del año, el debut como director y guionista de Liev Schreiber ("El embajador del miedo", "Scream 2"). Con un elenco acotado, preciso y efectivo, más el prolijo y bello trabajo de cámara y fotografía, Schreiber desarrolla una historia que tiene más de una vuelta de tuerca para ofrecer a un tema dramático, sin caer en el melodrama justamente.
El acierto es total en lo que al guión respecta. Basado en la novela "Everything is illuminated" de Jonathan Foer, ofrece chispeantes momentos de humor, cinismo y melancolía. Los personajes van transformándose en el transcurso de ese viaje hacia la nada del que no desisten pese a las dificultades y dan sin proponérselo pequeñas lecciones de humanidad, sacrificio y camaradería.
La música, a cargo de Paul Cantelon, aporta lo suyo a un paisaje permanentemente luminoso, cuyos únicos momentos sombríos están asociados a las revelaciones de tono dramático. Es en esos momentos cuando se hace notable la potencia de la historia y sus personajes.
Probablemente no estemos frente a un producto de apreciación masiva, pero esta pequeña película apunta al corazón sin fallar. Y da, de paso, un respiro a una pantalla que suele apoyarse más en la espectacularidad visual y el efectismo, en lugar de la buena narrativa a la hora de contar estas historias.
Nuestra calificación: Este film justifica el 90% de una entrada de cine.

UNA VIDA ILUMINADA (Everything is Illuminated) - Con Elijah Wood, Eugene Hutz, Boris Leskin - Guión de Liev Schreiber sobre una novela de Jonathan S. Foer - Producción de Peter Saraf y Marc Turtletaub - Dirigida por Liev Schreiber - 104 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 01 de diciembre.

EN SUS ZAPATOS: Mejor no ponérselos

Cameron Díaz es Maggie, una hueca teñida de rubio cuya única preocupación en la vida es lucir bien, tomarse unos tragos y encamarse con el tipo que se le cruce. Lo que se dice una atorranta. Toni Collette es Rose, una abogada acomplejada con su figura y sin tanta suerte amorosa como Maggie, su hermana menor.
Luego de una noche de alcohol y sexo fallido, la descocada Maggie, borracha y sin lugar a donde ir, es recogida por su hermana mayor, que la hospeda en su casa. En el placard, guarda decenas de pares de zapatos. Stilettos, sandalias, zuecos que Rose compra para darse un gusto y que nunca usa ya que "la comida engorda y la ropa nunca me sienta bien, pero los zapatos siempre quedan".
Lo que debía ser provisorio se torna constante y diferentes situaciones (como la incapacidad de Maggie para obtener un trabajo, entre otras) harán que estas hermanas huérfanas de madre se separen.
Tal vez el espectador mire su reloj deseando que ya hubiera pasado media película, pero si soporta darse cuenta que apenas transcurrieron veinte minutos, deberá armarse de paciencia y esperar por lo menos otros veinte para que al fin suceda algo interesante.
Con la excusa de los zapatos, el director brinda largos planos de las piernas de Díaz, la muestra prolijamente desprolija, intenta aprovechar lo sexy que puede verse en tanga, con botas y sólo una camisa... pero queda en el intento. Curtis Hanson ("Los Angeles al desnudo") no logra transmitir más que tedio.
Con chistes sin gracia -se nota el esfuerzo por que parezcan ingeniosos- sólo disfrutables por snobs fanáticos de las series de moda, el libro no se ahorra cuanto lugar común anda por ahí (la iletrada que descubre la poesía gracias a un anciano postrado y ciego) ni los golpes bajos de rigor, máxime cuando se tienen a mano varios ancianos de estilo Cocoon, piolas y cancheros. Shirley Mc Laine en el papel de la abuela de las chicas, con oficio, es uno de ellos.
Y por supuesto no falta la amiga que da contención a Rose en sus momentos críticos, interpretada por una Brook Smith que no parece haber abandonado el personaje que hizo en "Melinda & Melinda".
Dos horas con diez minutos es lo que dura esta comedia melodramática que tal vez con cuarenta minutos menos, podría haber pasado más amablemente. Pero en las críticas el hubiera no existe. Hay lo que hay. Es lo que es... Y punto.
Nuestra calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

EN SUS ZAPATOS (In her shoes) – Con Cameron Diaz, Toni Collette, Shirley McLaine – Guión de Susannah Grant – Producida por Ridley Scott y Tony Scott – Dirigida por Curtis Hanson – 130 minutos – Apta para mayores de 13 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 01 de diciembre.

EL NOVENO DÍA: Un hombre, la iglesia y su dilema

Campos de concentración. Soldados nazis abusando de su poder. Seres humanos reducidos a ser una especie inclasificable a través de métodos sólo perfectibles por otros seres humanos. El cine ya nos ha mostrado estas imágenes, mas no esta historia. Ahora es la iglesia y su relación con el nazismo el eje del film.
Basándose en un libro donde el Padre Jean Bernard narra su propia experiencia en el campo de concentración de Dachau, y su “licencia” para negociar con el Obispo de Luxemburgo, el director alemán Volker Schlöndorff logra plasmar no sólo el horror por todos conocido sino también las conflictivas relaciones de poder entre el régimen y el episcopado católico.
En el inicio se nos invita a sentir cierta incomodidad ante el relato visual. El uso de la cámara en mano, sumado a la ralentización de ciertas tomas y la musicalización precisa logran llevar al espectador un dramatismo equilibrado, sin golpes bajos.
En la continuidad del film el director tomará caminos acertados, confiando en la potencia dramática de los actores principales. Ulrich Matthes, en su rol del sacerdote, y August Diehl, como el joven oficial nazi Gebhardt, se lucen en diálogos donde la cámara apenas subraya la intensidad de sus actuaciones, iluminadas con marcados claroscuros.
Con amplio espacio para la elaboración crítica, la narración discurre entre las relaciones de un poder absolutista y con un objetivo más que claro y una ambivalente posición del clero, inmerso en sus propias luchas internas.
Nueve días tuvo el padre Kremer (nombre dado en el film) para intentar torcer la voluntad de su Obispo. Noventa y siete minutos bastan para apreciar la obra de un director comprometido no solo con su historia, sino con el buen cine.

Nuestra calificación: Este film justifica el 90 % del valor de una entrada.

EL NOVENO DÍA (Der Neunte Tag) - Con Ulrich Matthes, August Diehl, Bibiana Beglau, Hilmar Thate - Guión de Eberhard Goerner y Andreas Pflueger - Producida por Juergen Haase - Dirigida por Volker Schloendorff - 97 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 24 de noviembre.

HARRY POTTER Y EL CALIZ DE FUEGO: Tiempos difíciles para el joven mago

Una tumba donde la Parca blande su guadaña. Una serpiente enorme que atraviesa el cementerio detrás de una mansión imponente. Un cielo plomizo y finalmente, una maldición imperdonable. Este es el inicio de la nueva aventura de Harry Potter; queda claro que a partir de este cuarto año en Hogwarts, nada será igual.
Harry y sus amigos retornan al colegio luego de una conmoción en el Mundial de Quidditch (el juego mágico por excelencia; una especie de fútbol sobre escobas). En pleno evento, los seguidores del Señor Tenebroso, Lord Voldemort, se hacen presentes luego de 13 años en las sombras. Los anima la promesa del retorno del archi enemigo de la comunidad mágica
En el colegio las cosas no parecen mucho más seguras; este año se desarrollará el Torneo de los Tres Magos, una peligrosa competencia que elige al mejor de tres campeones, uno por cada colegio de magia de Europa. Sin embargo, el Cáliz de Fuego, seleccionador de campeones, escupe un cuarto nombre: Harry Potter.
Harry no sólo se encuentra bajo sospecha de haber hecho trampa, sino en un peligro real; no cuenta con la edad ni la experiencia suficientes para afrontar las pruebas que le esperan. Su mejor amigo no le habla, en el colegio le hacen el vacío. No es la primera vez, pero ya no es un niño, sino un adolescente lleno de inseguridades y miedos. Por si esto fuera poco, comienza a interesarse en una chica y debe lidiar con sus propios sentimientos, con los de sus amigos y con el inminente Baile de Navidad.
Quienes esperaban una entrega más oscura, a tono con la que supo ofrecer Alfonso Cuarón en 2004, no saldrán decepcionados. Los efectos visuales aportan mucho y sirven para darnos una idea más cabal de lo que es el mundo mágico, con sus desproporciones aparentes y su inverosímil coherencia interna. Sin embargo a la hora de valorar este film hay que destacar mucho más que la eficaz ambientación, mejor música (cambio de compositor de por medio) y la buena adaptación de la historia.
Mike Newell ("Cuatro bodas y un funeral", "La sonrisa de Mona Lisa") parece moverse en un elemento conocido, sobre todo en la secuencia del baile. Pero lo realmente destacable es el trabajo realizado con los actores. Tanto el trío protagónico como sus acompañantes de edad similar, han sido aprovechados al máximo y se puede apreciar su crecimiento.
Difícilmente se pueda acotar algo de un cast adulto impresionante, que no defrauda jamás: Michael Gambon, Miranda Richardson, Brendan Gleeson... y esa fugaz y luminosa aparición de Ralph Fiennes.
La adaptación de la novela original (de alrededor de 700 páginas) se demuestra exitosa; todo lo que puede verse, contiene la justa medida de drama, suspenso y humor que requieren estas dos horas y media para no resultar excesivas. De hecho, queda la sensación de que todo transcurre muy rápido, y que cualquier persona que no siga necesariamente la saga puede disfrutar esta cuarta entrega sin peligro a considerarla "sólo para fanáticos".
Queda claro que a partir de esta película, los chicos crecieron, y el equipo de producción íntegro ya definió el rumbo para las películas por venir: más dramáticas y crudas, sin dejar de lado las pinceladas de humor y vivencias propias de la edad escolar. Harry ya no es un niño y aprende a enfrentarse con dolor y miedo, a las miserias propias de su mundo. Que por mágico, no se salva de ciertos parecidos con el mundo real.

El Dato: Se estrenarán en el país 156 copias del film. Solo 36 serán presentadas en su versión original con subtítulos en castellano, las 120 restantes (leyó bien, 120) se estrenarán dobladas al castellano. Una decisión sin dudas extraña si tenemos en cuenta que no estamos ante un film infantil, y que además ha sido calificado como restrictivo para menores de 13 años. Toda una política que está lejos de respetar a la obra y al trabajo actoral, sino que además sigue el camino elegido por distribuidoras como Disney que fomentan la haraganería visual y la ignorancia cinéfila.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 100% del valor de una entrada.

HARRY POTTER Y EL CALIZ DE FUEGO (Harry Potter and the Goblet of Fire) - Con Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Michael Gambon, Ralph Fiennes - Guión de Steven Kjoves sobre un libro de J.K. Rowling - Producida por David Heyman - Dirigida por Mike Newell - 154 minutos - Solo apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 23 de noviembre.

HARRY POTTER ataca de nuevo en esperado estreno cinematográfico.

Ha pasado mucha agua bajo el puente desde que la desconocida J.K Rowling (una joven maestra escocesa, madre soltera y tenaz escritora) saltara a la fama mundial gracias a una saga incipiente que, según las notas alusivas allá por 1997/98, hacía que los niños se interesaran en la lectura como no pasaba hace tiempo.
Joannie Rowling, "Jo" para los fans, ha recorrido un largo camino desde aquellas épocas de desengaños editoriales y trajinadas mesas de café en Edimburgo, pergeñando la historia de un niño al que le revelan, la noche de su cumpleaños número 11, que es un mago y que comenzará sus estudios en el prestigioso Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Hoy, Rowling se casó de nuevo… tiene tres hijos, vive en un castillo en Escocia y está rankeada como la mujer más rica de Gran Bretaña. ¿Magia? Así parece.
Pero… ¿Es J.K. Rowling una buena escritora o una mujer de suerte? Basta la lectura de algunos párrafos: la escocesa demuestra una profunda devoción por sus fuentes (Tolkien, Dickens, C.S. Lewis), al punto que podría decirse que muchas de sus criaturas remiten a otros libros, menos publicitados por estas tierras, y bastante más antiguos. Y no cabe duda que a la hora de la metáfora, el recurso estilístico o el diálogo, Rowling no es ni Tolkien, ni Dickens, ni Enid Blyton, ni C.S. Lewis.
Pero estos son detalles. El furor por Harry Potter se adueñó de las librerías; chicos, adolescentes y adultos hacen largas colas cada vez que se produce un nuevo lanzamiento de la saga para arrebatarlo de los estantes. Y su adaptación cinematográfica va por una cuarta entrega, con la promesa de ser la más espectacular filmada hasta ahora.
Rowling no había terminado de delinear su cuarto libro aún, cuando Warner Bros la tentó para llevar la historia completa a la pantalla grande. A cambio de un suculento contrato y una participación bastante activa en los procesos de casting y producción de los films, la autora accedió.
"Harry Potter y la Piedra Filosofal" se estrenó en 2001, seguida de "Harry Potter y la Cámara de los Secretos" (2002), ambas con la dirección de Chris Columbus.
Con el correr de los libros, la trama se vuelve sensiblemente más oscura. Tanto J.K. como el equipo de producción decidieron que era tiempo de imprimirle otro sello a las películas, y así en 2004 llegó "Harry Potter y el Prisionero de Azkaban", de la mano del mexicano Alfredo Cuarón.
La cuarta película, "Harry Potter y el Cáliz de Fuego" está a días de su estreno en Argentina y la dirige el británico Mike Newell, que prometió no escatimar recursos violentos para estar a la altura del original de Rowling. Y parece que cumplió: en todo el mundo, los menores de 12 y 13 años que quieran ver el film deberán acudir en compañía de sus señores padres.
La primer película presentó a un reparto de niños prácticamente desconocidos, que con mayor o menor reticencia (de acuerdo al fanatismo lector) fueron aceptados por el público. Así, Daniel Radcliffe se convirtió en Harry, el protagonista; Rupert Grint en Ron, su adorablemente torpe mejor amigo, y la jovencísima Emma Watson en Hermione, la sabelotodo del grupo y excelente hechicera… de sangre no-mágica.
Es difícil predecir el destino actoral de estos adolescentes en el futuro, ya que han comprometido su incipiente carrera a completar las siete adaptaciones de los siete libros.
De ellos, J.K. ha completado seis; el último, "Harry Potter y el Príncipe Mestizo" vendió en Argentina cientos de ejemplares en sus ediciones británica y estadounidense, en junio de este año. No deja de ser curioso que en el mundo globalizado en el que vivimos un lanzamiento editorial mundial sea únicamente en lengua inglesa. Pero las reglas son simples, y Rowling las maneja a su antojo: los británicos, y por default el resto de los angloparlantes, son los privilegiados primeros lectores del libro. Con suerte, el resto de los países recibirán la orden de lanzamiento seis meses más tarde… o aún después.
Si bien el mundo de la crítica se debate para tratar de definir si los méritos artísticos de J.K. son los que la han llevado a donde está hoy, lo cierto es que la llamada Pottermanía alcanza cada año un punto más elevado, suma nuevos adeptos, llena las librerías y las salas de cine. Todo por obra y gracia de una mujercita risueña que paradójicamente… no cree en la magia.

"Harry Potter y el Cáliz de Fuego" se estrena en Argentina el día miércoles 23 de noviembre.

UNA HISTORIA VIOLENTA: El lado oscuro de la familia ideal

A Tom Stall lo conocen todos en el pequeño poblado de Milbrook, Indiana. El es un padre de familia ejemplar, dueño de un bar y restaurante en el centro, y de una casa en las afueras. Su vida es tranquila, hasta ese día en que dos personajes siniestros intentan asaltarlo y ponen en peligro a sus empleados y clientes. Tom adopta medidas extremas y mata a los dos asaltantes.
Además de personaje querible, Tom tiene categoría de héroe. Pero la llegada de otros forasteros no menos perturbadores que los anteriores, deposita la semilla de una intriga en la familia y la comunidad donde los Stall residen.
Ahora, a Tom lo llaman Joey. Le adjudican un pasado turbulento en Filadelfia y unos cuantos cadáveres en su haber. Su mujer, Edie, se niega a creer en otra palabra que no sea la del esposo. Su hijo mayor, Jack, pronto descubre instintos que desconocía y comienza a temer que su padre no sea quien dice ser con tanta convicción. El pobre Tom no puede con su alma, pero ha llegado el momento de confrontar todas las versiones.
Hacía un par de años que se nos escatimaban las películas de David Cronenberg en las salas. Excepto en algún festival independiente, la pantalla argentina le había perdido pisada a este realizador cáustico. Con "Una Historia Violenta", el director se adentra en un planteo sencillo, que se revela más complejo a medida que el protagonista y su entorno van descubriendo inquietantes revelaciones en las zonas sombrías de su vida casi perfecta.
Viggo Mortensen le aporta convicción a un personaje con poquísimo margen para las fisuras y María Bello es una mujer a la que hay que tomar en serio, sobre todo cuando aparece en films como este. Ed Harris está más allá de cualquier crítica; su Fogarty no es un personaje menor pero tampoco el papel más brillante de su carrera.
Hay que destacar que no hay una sola actuación discordante en este film; de hecho, todo: la duración, el timing, los climas, cierran perfectamente. Pero hay algo en el relato que no llega a cuajar. Aún sin saber que se está frente a la adaptación de una novela gráfica, hay secuencias que producen un cierto efecto de irrealidad. Algunas transiciones son bruscas y breves. La música, de Howard Shore (todavía muy apegado a la épica de "El Señor de los Anillos") es un punto flojo en el background. El sonido ambiente es más efectivo y da más solidez a la escena.
La violencia es uno de los instintos más atávicos del ser humano. E indudablemente, un tópico inevitable en el cine de los tiempos que corren. Hacen falta pulsos expertos para trazar un retrato como éste (simple en la superficie pero lleno de complejidades), sin caer en el maniqueísmo del bien y el mal o una referencia directa a las paranoias imperantes. Y Cronenberg lo tiene.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

UNA HISTORIA VIOLENTA (A History of Violence) - Con Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris, Ashton Holmes, William Hurt - Guión de Josh Olson, sobre una novela gráfica de John Wagner y Vince Locke - Producida por David Cronenberg, Chris Bender, J.C. Spink - Dirigida por David Cronenberg - 95 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

TODO SUCEDE EN ELIZABETHTOWN: Muchas cosas

Generalmente una nueva película de un director como Cameron Crowe ("Jerry Maguire", "Casi Famosos") genera cierta expectativa. Sin embargo "Todo Sucede en Elizabethtown" llega a nuestras salas sin pena ni gloria, debido tal vez a la falta de grandes nombres en el elenco o simplemente a que aun está fresco el recuerdo de su anterior film, ese flojo intento de remake de "Abre Los Ojos", producto de la momentánea fascinación de Tom Cruise con Amenábar, llamada "Vanilla Sky", allá por el 2001.
Pero Crowe entendió y decidió volver a sus raíces, y retoma el tipo de historia que lo consagrara. Así es como conocemos a Drew, un muchacho que acaba de ser despedido por hacerle perder a su compañía mil millones de dólares y debe viajar al pueblo natal de su padre, que acaba de fallecer, para hacerse cargo de su cuerpo. Allí se encuentra con una familia a la que nunca ve y con la que poco tiene en común. Y así también conoce a Claire, una azafata con la que tampoco tiene mucho en común, aparentemente.
Si revisamos un poco los anteriores éxitos de este director, siempre tenemos lo mismo, una historia de amor disfrazada en algún contexto teóricamente extraordinario con unas cuantas risas y otros tantos momentos un poco mas dramáticos. Sin embargo, Elizabethtown lejos está de conquistarnos tan simplemente, y por varios motivos. Por empezar Orlando Bloom no es un buen actor, y ni siquiera se encuentra en su elemento ya que no hay orcos ni piratas para matar. Por otro lado hay una historia muy sencilla y común, y es por ahí, en la naturaleza del film, donde muchos se pueden perder entre risas incómodas y tantas escenas con detalles poco significativos, sin sentido dentro de la narración.
Podríamos resumirlo en que es una película linda, que divaga un poco y avanza sin rumbo fijo porque Cameron Crowe quiso contar muchas cosas, tanto como la vida misma, y se le fue un poco de las manos, pero por otro lado parece tener muy en claro que solo Kirsten Dunst podía imprimirle esa frescura y ese brillo característico para que tanto Drew como el espectador siga adelante con el viaje solo para saber si nos quedábamos con ella o no. Es de esas películas para el espectador, no para los críticos, esas que se suelen malnombrar "para video", esas que sacan una sonrisa todo el tiempo y que daría cierta vergüenza que el señor de al lado, que tiene la cabeza dentro del balde de pochoclos, se de cuenta.
Y una última nota aparte para mencionar, como siempre, el cuidado y brillantez con el que Crowe selecciona los temas de la banda de sonido. En este caso con estrellas como Tom Petty y Elton John.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

TODO SUCEDE EN ELIZABETHTOWN (Elizabethtown) - Con Orlando Bloom, Kirsten Dunst, Susan Sarandon, Alec Baldwin - Producida por Tom Cruise, Paula Wagner y Cameron Crowe - Guión y Dirección de Cameron Crowe - 123 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

VANIDAD: La reinvención de una Cenicienta muy particular

Rebecca Sharp es una joven ambiciosa. Huérfana desde niña, ha ido buscando su camino en la vida y descubre que su verdadero anhelo es formar parte de la alta sociedad londinense. Amelia Sedley, una amiga de la infancia de Becky, es apenas su puerta de ingreso a los círculos que tanto la deslumbran.
Sus historias se entrecruzan y confluyen una y otra vez; en el proceso, Becky y Amelia conocen el amor, el dolor, la decepción. Todo en el marco de la Inglaterra pre-victoriana, en una Europa aún convulsionada por los estertores de Napoleón Bonaparte, y de una sociedad impiadosa que inventa sus propios monstruos.
Becky está segura de que si emplea los medios adecuados, nada se interpondrá entre sus sueños y ella. Su moral flexible le facilita las cosas: no vacila en recurrir a sus encantos con tal de conseguir lo que quiere. Y esto la llevará a los tumbos en distintas etapas de su vida. Humillada, elevada, casi en la miseria o en el apogeo de su popularidad, conserva la frente alta y un gesto de candor y malicia igualmente impunes para sobrellevarlo todo.
La novela de William Makepeace Thackeray ha sido considerada un clásico de la literatura inglesa a la vez que un retrato bastante acabado de una sociedad a la que conocía bien. Su Becky es una especie de heroína-antiheroína; rechazada persistentemente a causa de su condición social por el grupo al que ansía pertenecer, busca pese a todo el lugar que le fue negado por su cuna.
En el papel de esta "montañista social", redescubrimos a Reese Witherspoon. Sobresaliente en medio de un elenco que no le hace ni sombra ni mella, su Rebecca transmite las más diversas sensaciones a lo largo de la película. Sus actitudes provocan sucesivamente rechazo, piedad, vergüenza e indignación, pero jamás dejan indiferentes a los testigos.
Su amiga y contrafigura (Romola Garai) tiene sus momentos de protagonismo, que hacen olvidar por un momento el hilo de la historia principal. Estos momentos son los que aportan el respiro necesario a una trama que busca explicar sus propias continuidades, sin indicadores específicos del paso del tiempo. En un relato de casi dos horas y media, un balance dinámico de los recursos es imperativo, porque si bien no es una película agotadora se balancea todo el tiempo en la cornisa de la impaciencia.
La directora Mira Nair juega a los contrastes en ámbitos sumamente recargados y opulentos, así como en los escenarios más sórdidos. De un campo de batalla en Waterloo a los fastos de la India "británica", su manejo de la escena puede cautivar el ojo, pero mantiene el alma un poco fría y distante. Sin embargo es una buena directora de actores, cada personaje tiene un desarrollo sumamente coherente y el conjunto interpretativo encuentra su armonía.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

VANIDAD (Vanity Fair) - Con Reese Whiterspoon, Romola Garai, Gabriel Byrne, James Purefoy, Jonathan Rhys-Meyers, Rhys Ifans - Guión de Julian Fellowes sobre una novela de William Makepeace Thackeray - Producida por Janette Day, Lydia Dean Pilcher, Donna Gigliotti - Dirigida por Mira Nair - 138 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

EL TRANSPORTADOR 2: Un regreso previsible, con acción y muchos efectos

En el año 2002 llegó a los cines una película pequeña, con un actor del que se había visto muy poco por estas pampas y una promoción moderada. Sin embargo, "El Transportador" arrasó la taquilla en varias partes del mundo, y le dio reconocimiento a su protagonista, Jason Statham, y a su director, el francés Louis Leterrier ¿discípulo? de otro francés ya consagrado: Luc Besson.

En esta ocasión, Frank Martin, ex operador de Fuerzas Especiales, se ha mudado de la vieja Europa… a Miami. Aquí, el mejor transportador (hombre de pocas palabras y dispuesto a llevar puerta a puerta lo que se le ordene sin hacer preguntas) está cubriendo a un colega, que es chofer de un importante ejecutivo y su familia. Frank lleva al hijo de los Billings al colegio y lo trae a su casa diariamente, se establece entre ellos una cierta relación. Cuando el niño es secuestrado, hará lo imposible por recuperarlo y desentrañar el misterio detrás de su captura. ¿Quiénes son estos mercenarios y cuál es su interés en la familia Billings? Cualquiera sea la respuesta, todos sabemos que el gran error de esta banda es haberse cruzado con Frank en el camino, y que antes del final habrá patadas, tiros y adrenalina a tope.

Esta película no es pretenciosa; cumple justamente con lo que promete. La acción no decae y hay poco espacio para el dramatismo. Cuando lo hay, remite bastante a "Hombre en Llamas" (2004) pero con un tratamiento más light que se va diluyendo cuando el quid de la cuestión vira repentinamente, de la integridad física del pequeño Jack a la de miles de personas. Hay algunos baches de continuidad bastante importantes, y la resolución de ciertas secuencias es abrupta, sin espacio para pensarlas. No hay un desarrollo interesante de los personajes, el villano es uno de esos malos malísimos, a los que no hay tiempo ni de odiarlos. No importa que Jason Statham no use dobles en sus escenas físicamente más comprometidas; esto es una mera anécdota… De cualquier manera queda clarísimo que una persona que pueda saltar lo suficientemente alto para evitar la colisión frontal de dos autos no puede ser de este mundo. Por lo cual, pedir coherencia sería sobreestimar a este despliegue de autos destrozados, explosiones, balaceras apabullantes, vuelcos (y vuelos) espectaculares.

Todavía nos puede aportar una sorpresa este film: la actriz Kate Nauta (aquí, interpretando a la sádica y calculadora Lola) podría ser a Leterrier y futuros proyectos, lo que en su momento fue Milla Jovovich a Luc Besson. Hay destellos de efecto muy interesantes cuando ella y Statham comparten escenas, se la ve cómoda y versátil en su manejo de las armas y no habla más de lo necesario. En síntesis, una producción como para matar un fin de semana largo con lluvia, precisa, cortita y de definición contundente.

Nuestra calificación: Este film justifica el 50% del valor de una entrada

EL TRANSPORTADOR 2 (Transporter 2) - Con Jason Statham, Alessandro Gassman, Kate Nauta, Amber Valletta, Matthew Modine - Guión de Luc Besson y Robert Mark Kamen - Producida por Luc Besson y Steve Chasman - Dirigida por Louis Leterrier - 85 minutos - Apta para mayores de 13 años con reservas - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 17 de noviembre.

CACHIMBA: Comedia negra de amor y arte

Con un encuentro en la embajada chilena y la presencia del director y los actores de la película, esta coproducción chileno-española-argentina tuvo su presentación en el país. Luego de algunos meses de postergación se estrena en Buenos Aires el último largometraje del realizador Silvio Caiozzi, que es hoy uno de los más reconocidos en Latinoamérica y Europa.
En un ámbito de distensión y humor donde no faltaron las alusiones a la mutua colaboración y supuesta rivalidad argentino-chilena, Caiozzi (que comenzó a filmar en plena dictadura pinochetista) recalcó su profunda alegría "por tenerlos a todos aquí reunidos en ocasión del estreno de Cachimba. Para mí, que siempre trabajé en solitario, esta es una experiencia sumamente agradable".
El actor Patricio Contreras destacó por su parte que "los latinoamericanos casi no vemos cine latinoamericano, y esto hay que tratar de revertirlo. Algo de esto está pasando; hace unas semanas se estrenó Machuca y en unos días también se estrenará Mi mejor enemigo (coproducción argentino-chilena)". Uno de los proyectos más inmediatos de Contreras es otra coproducción, con Chile y Uruguay, sobre un suceso que tiene como marco el Plan Cóndor.
Mariana Loyola interpreta a Hilda, y si bien la hemos visto en Argentina en la novela "Machos" reconoce que ha trabajado más en cine que en TV; por ejemplo, "Subterra" (competencia festival de cine de Mar del Plata 2004). La actriz comenta que "en Chile se admira mucho la producción argentina", que Norma Aleandro es "un ícono" y que siente una gran proximidad con nuestro país, al punto que le gustaría trabajar aquí.
Luego del cóctel, los invitados se trasladaron algunas cuadras al Malba para asistir a la proyección de esta película, que a sala llena contó con la presencia de numerosas figuras de la escena local y transandina.

El empleado bancario Marcos Ruiz (Pablo Schwarz en precisa y destacada interpretación), tiene una vida rutinaria y gris; su única felicidad son los momentos que puede pasar a solas con su novia Hildita (Mariana Loyola con 20 Kgs de sobrepeso para este papel) y su ocupación como secretario de actas de la Sociedad Chilena por el Patrimonio Histórico. Llevado por la pasión, sugiere a Hildita una escapada de fin de semana a Cartagena, para poder concretar algún avance físico en su estancada relación.
Hilda, una muchacha insegura y excedida de peso, lleva a Marcos en un paseo frenético por la ciudad casi desierta; de pronto, descubren un museo improvisado en una casa medio destartalada. Dentro encontrarán a Don Felipe (excelente labor de Julio Jung), un anciano borracho que custodia el legado de un pintor chileno cuasi ignoto: Larco.
Con motivo de ese hallazgo, Marcos experimenta una epifanía y encuentra una razón para vivir y luchar; no se detendrá ante nada con tal de devolverle a ese pintor desconocido su lugar en la cultura nacional, y en ese proceso de elevación (y caídas) descubrirá que nunca es tarde para que la vida lo sorprenda.
El relato, adaptado por Caiozzi de un cuento del autor Jorge Donoso, es intenso y profundamente cínico. Es imposible escapar a una cierta identificación; desde el planteo ambiental hasta la caracterización de los personajes, la geografía se borra y pareciera que estos seres humanos, estas instituciones, se encuentran a la vuelta de cualquier esquina.
La película conduce al espectador desde la comedia al drama sin escalas, con una ironía fina que no le huye al efectismo pero sin sobrecargarse. El trabajo de cámaras, la música y sobre todo la fotografía (merecedora de 3 de los 19 premios que ya cosechó el film en todo el mundo) es sobresaliente y siempre al servicio de la historia.
Cada uno de los actores, principales y secundarios, ya de manera individual o conjunta, conforman un cuadro de costumbres desopilante y dolorosamente atemporal. Como las figuras y el fondo de un cuadro que resiste al tiempo y el deterioro, "Cachimba" tiene la vigencia de los clásicos y es una brisa de aire fresco en el muchas veces dramático panorama cinematográfico latinoamericano.
Nuestra calificación: Este film justifica el 90% del valor de una entrada.

CACHIMBA - Con Pablo Schwarz, Mariana Loyola, Julio Jung, Patricio Contreras, Jesús Guzmán, Tomás Vidiella, Paulina García - Guión de Silvio Caiozzi y Nelson Fuentes - Producida por Silvio Caiozzi y Guadalupe Bornand (Chile), José Luis Segura (España) y Luis Sartor (Argentina) - Dirigida por Silvio Caiozzi -126 minutos – Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre.

EL JARDINERO FIEL: Fidelidad al estilo propio.

Los latinos vuelven a estar de moda en Hollywood y esta vez es el turno de los directores. Salles, Cuarón, González Iñárritu y Agresti son algunos de los nombres que resuenan últimamente. Algunos cruzan la frontera por primera vez y otros ya tienen su historia. Para Fernando Meirelles ("Ciudad de Dios") esta fue su primera oportunidad de conquistar las principales industrias.
"El Jardinero Fiel" es un thriller político sobre el mundo de las industrias farmacéuticas desentrañado a partir de una historia de amor. Tessa Quayle es una joven y apasionada activista británica que es brutalmente asesinada en Kenia. Los rumores apuntan a un crimen pasional y todos creen que Justin Quayle, su esposo, un diplomático correcto y de bajo perfil, no se involucrará, pero el crimen no parece claro y los indicios lo conducirán por el oscuro mundo de los negocios farmacéuticos y hasta su mismo gobierno.
La historia, como tantas otras, no cuenta con mayores novedades y se mantiene a raya según las reglas, sin gran esfuerzo o compromiso real con el tema. Lo que por momentos llama la atención es el arranque desde la historia romántica, la movilización que sufre y lleva a cabo una persona totalmente estática ante la ausencia de su amor. Pero lo que más sobresale del film es el director, que se hace evidente de una manera muy obvia, dándole el toque de distinción a esta película.
Al igual que hiciera su compatriota Walter Salles en "Agua Turbia", Meirelles logra ver más allá de la trama, y parece encontrar en el continente negro destellos que lo llevan de vuelta a su tierra. Enlaces entre la gente del pueblo keniano/keniata y sus decendientes al otro lado del océano.
Esto se evidencia principalmente en el tratamiento técnico de las escenas que transcurren en las calles del mercado de Kenia, que recuerdan instantáneamente a las favelas que nos mostrara en "Ciudad de Dios". De hecho toda la parte técnica sobresale ante la historia, aunque la intención no sea la de enceguecer.
Podríamos esperar entonces que Meirelles nos de más buen cine en los próximos años, pero por ahora seguirá siendo el director de "Ciudad de Dios", que arrancó bien en las ligas mayores con una película de la que no recordaremos el nombre.
Nuestra calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

EL JARDINERO FIEL (The Constant Gardener) - Con Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Nighy - Guión de Jeffrey Caine sobre una novela de John Le Carré - Producida por Simon Channing Williams - Dirigida por Fernando Merielles - 126 minutos – Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre

OLD BOY: Cine bien oriental y del bueno

Si decimos que Old Boy es una típica película oriental, algunos recordarán los últimos films coreanos que alcanzaron nuestras salas y se imaginaran un drama lento con hermosos paisajes. Otros, pensarán en las superproducciones de artes marciales, ya sean épicas o modernas, con simbolismos demasiado enigmáticos. Y también estarán los que suspirarán pensando en una nueva niña de pelo grasiento tratando de asustarnos desde las sombras. Claro que Old Boy no podría ser todo esto junto al mismo tiempo y sin embargo, en cierta forma, lo es.
La película narra la historia de Oh Dae-su, quien tras haber sufrido el asesinato de su familia es secuestrado y encerrado, sin motivo aparente, en una habitación tipo hotel con un televisor como única ventana al mundo durante 15 años. Repentinamente es liberado y sin una vida a la que regresar, solo un llamado telefónico anónimo le da un motivo para vivir. Un extraño lo está desafiando a descubrir el motivo de su largo encarcelamiento.
Con esta base de suspenso encapsulada en una historia de venganza, la película explora todos los rincones típicos posibles del cine oriental con muy buenos resultados, desde los estáticos planos climáticos y la calma hasta las peleas grupales de artes marciales y los traumas psicológicos, pero siempre con el punto fuerte puesto en la intriga que atrapa durante toda la película, y lleva al espectador poco a poco por los laberintos de la historia sin necesidad de recurrir a grandilocuentes monólogos ni retorcidos vericuetos de la trama que lo dejen a uno con el cejo fruncido.
Old Boy no es una película fácil de recomendar y hasta incluso tal vez de ver. No solo es una película coreana con todo lo que eso puedo implicar, es un film crudo y profundo que explora los límites del ser humano quizás en una de las situaciones más extremas que puede vivir una persona, la sed de venganza, la necesidad de cerrar una capítulo para seguir adelante. Y lo hace llevando al protagonista de un extremo a otro de sus emociones y convicciones, y junto con él al espectador. Pero hay que armarse de valor y no perdérsela.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80 % del valor de una entrada.

OLD BOY - Con Min-Sik Choi, Ji-tae Yoo, Hea- Jung Kang - Guión de Jo-Yun Hwang, Jun-Hyung Lim y Chan-Wook Park - Producida por Dong Ju Kim - Dirigida por Chan-Wook Park - 118 minutos – Apta para mayores de 18 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 10 de noviembre

EL MUELLE: Juego de traiciones

Dennis Klein (Gerard Dépardieu) y Léo Vrinks (Daniel Auteuil) comparten el mismo cargo y casi la misma jerarquía en la policía. Alguna vez fueron amigos; se percibe entre ellos una corriente de respeto y cautelosa camaradería. Dennis es ambicioso, pero ha caído en desgracia, conceptualmente hablando, a los ojos de la dirigencia y de los oficiales. Léo es un duro... sensible, que cuenta con la simpatía de sus subordinados; tiene una esposa bonita y amante, y una hija de diez años.
Ambos se desempeñan en "el Muelle", la seccional ubicada en el número 36, Quai des Orfévres, y son firmes candidatos a ocupar el puesto de su jefe, que está a punto de retirarse. Sin embargo, sus habilidades y temperamentos están siendo puestos a prueba en la resolución de un difícil caso.
Cuando parece que el desprolijo y poco ortodoxo Léo (que comanda una unidad particularmente efectiva) tiene todas las cartas ganadoras para ser el nuevo Director, una maniobra combinada de Dennis lo descalabra. Degradado, humillado y repentinamente envuelto en una trama de corrupción y traiciones, Léo lo pierde todo en cuestión de semanas. Armándose de paciencia y con una firme determinación, planea la confrontación definitiva con Dennis.
El director Olivier Marchand, ex policía, capta con realismo y gran pericia los entretelones del quehacer diario de la oficialidad, del primero al último en rango. Los climas que logra se acercan más al policial negro que a un trabajo de corte documental; lo cual es un mérito si tenemos en cuenta que la historia está efectivamente inspirada en hechos reales.
La trama no ofrece grandes sorpresas, pero la progresión dramática es notable, y cada uno de los personajes ofrece un pequeño retrato de carácter que hay que destacar. Depardieu y Auteuil deleitan con una química en pantalla que no suena impostada, y el resto del elenco les ofrece un soporte justo, moderado, que nunca ahoga el tono del relato.
En síntesis, estamos frente a una historia pequeña con tonos de tragedia, bien filmada. La resolución puede resultar un tanto abrupta. Se trata apenas de dejarse llevar por las voces de los protagonistas y empezar a bucear en los instintos y las pasiones más básicas del ser humano, de comprender el porqué de ese "demonio de ojos verdes" que son los celos, pequeños grandes destructores de vidas.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 75% del valor de una entrada.

EL MUELLE (36 Quai des Orfévres) - Con Gerard Dépardieu. Daniel Auteuil, Valeria Golino - Guión de Olivier Marchal, Julien Rappeneau, Franck Mancuso, Dominique Loiseau - Producida por Frank Chorot, Cyril Colbeau-Justin, Jean-Baptiste Dupont - Dirigida por Olivier Marchal - 108 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires. 03 de noviembre.

DOOM, LA PUERTA DEL INFIERNO: El género sigue invicto

Al terminar de ver una de estas películas siempre cabe la siguiente pregunta ¿Cómo es que un producto que es supuestamente atractivo para más de un tipo de público nunca ha tenido buenos resultados de taquilla?. O ¿cómo es que siendo así aún se hagan nuevas adaptaciones de videojuegos todos los años?. Se ha de admitir que tuvo un excelente arranque en los EE.UU. Pero duró poco, Saw 2 y The Legend of Zorro hicieron lo suyo.

Doom fue uno de los juegos más populares durante los años del furor de las computadoras personales, allá por principios de la década del noventa. La novedad era que uno se metía en la piel del protagonista y solo viendo el arma que sostenía con sus propias manos debía recorrer laberínticos pasillos llenos de monstruos, en cada nivel más asquerosos. Era completamente terrorífico y adrenalínico. Muy lejos de lo que muestra la película.

La historia parece basarse principalmente en la última versión del juego. Aquí la parte fantasiosa sufrió ciertos recortes para centrarse en un ambiente más terrícola. En el film esto es potenciado al extremo, dejando de lado inolvidables engendros como las calaveras voladoras, para centrarse en un virus alienígena creador de zombies infernales que sacian su "hambre" matando.

Al comenzar el film, el virus se ha infiltrado en un laboratorio científico de Phobos, la luna de Marte donde se realizan investigaciones arqueológicas, y toda la unidad ha quedado en cuarentena cortándose las comunicaciones. Desde la Tierra enviarán un Escuadrón Táctico de Respuesta Rápida con el fin de destruir el virus, asegurar la zona y rescatar al equipo médico, junto con datos de las investigaciones. Pero se encontrarán con varias sorpresas.

Desde el planteo de una situación tan poco novedosa como "soldados versus epidemia extraterreste" el resto del film, que sigue milimétricamente los pasos del género sin provocar sorpresas ni interés, no podría ofrecer nada demasiado emocionante. Ni siquiera logra revivir las palpitaciones que se sentían con aquellos monitores de 14 pulgadas a los que miles de fanáticos pegaban sus narices durante horas. Pero hay algo importante para reconocer: este director finalmente ha escuchado a los puristas jugadores, que pedían ver sus juegos en el cine tal como los conocen.

Que aunque solo sea por un momento, la acción se desarrolle en primera persona, apoderándose de la pantalla.

El luchador profesional antes conocido como Rocky Maivia, luego rebautizado en la entonces WWF (World Wrestling Federation) como The Rock, ha tenido más suerte que sus antecesores Terry "Hulk" Hogan o Rowdy Piper. Ha logrado, a diferencia de los mencionados, protagonizar costosas superproducciones ("The Scorpion King") o co-protagonizar junto a estrellas como John Travolta y Uma Thurman ("Be Cool"). He aquí otra oportunidad para el nuevo niño mimado de Hollywood en materia de films de acción.

Nuestra calificación: Este film justifica el 50 % del valor de una entrada.

DOOM, LA PUERTA DEL INFIERNO (Doom): Con Dwayne "The Rock" Johnson, Karl Urban y Rosamund Pike - Guión de David Callaham y Wesley Strick - Producida por Lorenzo Di Bonaventura y John Wells - Dirigida por Andrzej Bartkowiak - 103 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 03 de noviembre.

EN BUENA COMPAÑÍA: Sinergia global versus valores humanistas en agridulce comedia

Dan Foreman (Dennis Quaid), brillante ejecutivo de ventas de la revista deportiva nº 1 de Estados Unidos, nunca previó que la vida iba a cambiarle tanto de un día para otro. A sus cincuenta y un años, no sólo debe enfrentar una nueva paternidad, sino también la migración de la empresa para la que trabaja a la órbita de un misterioso magnate y su red de corporaciones.
Producto de esta extraña circunstancia, Carter Duryea (Topher Grace), un joven de 26 años que se debate entre sus impulsos de juventud y su talento para las ventas cruzadas, se convierte en el jefe de Dan. Todo gracias a esas maravillosas ¿paradojas? que ofrece la globalización en estos días.
Carter y Dan chocan casi de inmediato, en sentido literal y figurado; el hombre mayor y experimentado se enfrenta por primera vez a la posibilidad de quedarse sin empleo, mientras el más joven y "afortunado" de los dos, sufre un crash emocional de proporciones a medida que el trabajo va devorando su vida personal.
Carter se aferra un poco más de lo debido a su "colaborador", familia incluída, y es en el choque entre esas dos realidades personales donde se revela la potencia real que subyace a la película. Su guionista y realizador, Paul Weitz, logra con este cruce plasmar la complicada trama de relaciones que ofrece la tendencia globalizadora actual; una fuerza aparentemente sinérgica que integra, desintegrando, todo lo que capta.
Las actuaciones de la tríada protagónica, con una Scarlett Johansson aplomada como vínculo entre los dos personajes masculinos, son para destacar. La historia transcurre en unos meses, pero esto apenas se señala alguna vez, y sólo en la escena final se puede apreciar cuántos cambios fueron posibles en tan poco tiempo.
Hijo de los años ’90, Carter Duryea es a la vez ícono y mártir de una sociedad que fagocita a sus propios hijos, obligándolos a una situación de cambio hiperdinámico que a la vez los deja varados en profundas crisis de identidad. Para los Foreman no parece haber sitio; sin embargo, las viejas costumbres tienen su lógica e invitan a la esperanza. Después de todo, la supervivencia de una empresa o una familia, depende de todos y cada uno de sus integrantes.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EN BUENA COMPAÑÍA (In Good Company) - Con Dennis Quaid, Topher Grace, Scarlett Johansson y Marg Helgenberger - Producida por Rodney Liber y Andrew Miano - Guión y Dirección de Paul Weitz - 108 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

LA LEYENDA DEL ZORRO: Los increíbles De la Vega contra el enemigo externo

Desde la creación de "El Tulipán Negro" (Alejandro Dumas, 1850) pasando por "La Maldición de Capistrano" (Johnston McCulley, 1919) hasta este Zorro de Martin Campbell, ha pasado mucho agua bajo el puente. Sin embargo los tiranos siguen en este mundo y sus políticas en contra de la mayoría continúan vigentes.
A diferencia de los enemigos claramente definidos de las anteriores aventuras del Zorro, basándose de por sí en una fantasiosa realidad geopolítica, en esta ocasión Hollywood decide meter a presión la situación político-paranoide actual de los EE.UU.
Han pasado diez años desde que Diego de la Vega murió dejando a su hija Elena y su delfín Alejandro al cuidado de la justicia y las leyes en el incipiente estado de California. Ellos se han casado y tienen un hijo, Joaquín; un niño curioso y rebelde al que apenas conocen. Sin embargo la estructura familiar peligra, por la persistencia de Alejandro en la doble vida de riesgo que tantas veces prometió abandonar. ¿Divorcio en puerta?
El peligro se volverá ominoso con las frecuentes incursiones de un forajido local, racista y fanático religioso; asimismo, la llegada de un extranjero de dudosa filiación e intenciones, revela una conspiración de proporciones tendiente... oh sorpresa... a atentar contra la unión nacional, ya de por sí precaria, de los Estados (en esa época, no tan Unidos).
Si "La Máscara del Zorro" buscaba el rescate de este héroe que tanta emoción causó en las audiencias televisivas de los ’50 en adelante, "La leyenda..." tiene algo de vuelta de tuerca que no le favorece.
No se lo ve convencido ni verosímil a este nuevo Zorro; sin mencionar que Zeta-Jones se esfuerza sólo al momento de lucir sus habilidades coreográficas en vistosos atuendos de época. Se salva el pequeño Adrián Alonso ("Voces inocentes") aportando la cuota de simpatía anecdótica. Sobre el final, los De La Vega se unirán contra esa combinación de múltiples villanos y situaciones explosivas, revelando una identidad familiar más cercana a cierta animación que a la serie original.
En este producto más apegado a lo visual, Campbell nos anticipa un poco de la estética que tan bien conoce. Así, en la California del siglo XIX podemos ver a un hombre volando por los techos, saltando sobre un tren en movimiento con su caballo o realizando prodigios de agilidad difícilmente creíbles en un héroe más bien maduro.
Pero así como las canciones de los Beatles son indestructibles (han resistido interpretaciones que van desde William Shatner hasta Sandro, pasando por Mae West o Palito Ortega) el Zorro se banca todo. No en vano ha "inspirado" nada menos que a Bob Kane para crear a Batman.
Martin Campbell nos entrega un James Bond enmascarado, tal vez calentando motores para dirigir "Casino Royale", en situaciones inverosímiles dentro la lógica del personaje.
Mientra tanto Guy Williams sigue cautivando a nuevas generaciones por tv, ahora en colores, como el mejor intérprete de un personaje que lo estigmatizó de por vida. Cosa que no le pasará a Banderas. No tiene con qué.

Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

LA LEYENDA DEL ZORRO (The Legend of Zorro) - Con Antonio Banderas, Catherine Zeta-Jones, Adrián Alonso y Rufus Sewell - Guión de Roberto Orci y Alex Kurtzman - Producida por Steven Spielberg, Gary Barber y Roger Birnbaum - Dirigida por Martin Campbell - 127 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

COMO UN AVIÓN ESTRELLADO: Tiempo de cambio

Nico está en un parque saltando y sacudiendo sus brazos y piernas. En un momento se retira la capucha de la cabeza, toma unos pasos de distancia y se zambulle de cabeza al pasto.
Ezequiel Acuña había demostrado hace unos años con su ópera prima "Nadar Solo" que conocía muy bien a los adolescentes; hablaba de la falta de comunicación, la alienación ante ausencias y el sentimiento de no pertenencia.
Dos años después, vuelve a adentrarse en el mundo adolescente pero no se tira de cabeza con los ojos cerrados como tal vez hiciera aquella vez, sino que está preparado y lo demuestra con un guión mucho más definido y un producto sólido, pero que sigue manteniendo una sensación de melancolía y ese "estar vivo" que es tan particular en la adolescencia.
El film narra la historia de Nico, un adolescente transitando los límites de la adultez, mientras sufre la muerte de sus padres, lucha con sus inseguridades ante el amor y se enfrenta a su mejor amigo.
Al sentimiento de derrumbe del mundo que conocía, se suma la incomprensión hacia su hermano mayor, quién intenta suplir las ausencias en sus vidas. No reconoce a su mejor amigo que se adentra cada vez más en caminos oscuros. El presente avanza a toda velocidad y parece superarlo. Pero en el aeropuerto de Valdivia ve a Luchi, una chilena luminosa y llena de colores, que pondrá a prueba sus inseguridades y sus fantasías, haciéndolo afirmar el timón de su vida.
Esta vez ya no se puede hablar de tiempos muertos o situaciones en las que "no pasa nada". Acuña plantea la realidad del protagonista como un mundo donde las cosas no son como en la televisión, donde a todos les pasa todo, sino que cada personaje "siente", todo el tiempo. Es eso lo que los define y los impulsa. Y es tal vez, lo que hace que la película tenga eficacia desde la simpleza de su planteo.
Así es como uno se zambulle con Nico y va precalentando con cada vivencia, hasta que el film corta a negro y uno queda ahí, estrellado contra la pantalla.

Nuestra calificación: Este film justifica el 90 % del valor de una entrada

COMO UN AVION ESTRELLADO - Con Ignacio Rogers, Manuela Martelli, Carlos Echevarría y Santiago Pedrero - Guión de Exequiel Acuña y Alberto Rojas Apel - Producida por Sebastián Ponce - Dirigida por Ezequiel Acuña - 80 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 27 de octubre.

CAUTIVA: Cuando la verdad destruye

Hay algo oscuro y melancólico en la mirada de Cristina. La chica sonríe, feliz, entre su familia y amigos el día de su fiesta de 15 años. Va a un colegio privado y tiene amigas, como cualquier adolescente; no le falta nada. Sin embargo, un día la sorprende la verdad: ella no es quien cree ser, nada en su vida es cierto, ni su nombre, ni sus padres, ni siquiera la fecha de su cumpleaños.
El día en que un juez ordena su retiro del colegio y le presenta la situación: le dice que se llama Sofía Lombardi, que sus padres eran arquitectos, hoy desaparecidos, que hay abuelos que la reclaman en Argentina y EEUU. Cristina se aferra a la realidad que conoce y que se le revela como la más segura en medio de tanta debacle. Sin embargo, la verdadera historia se impone con fuerza por encima del caos y va llevando a la adolescente a una búsqueda casi instintiva de su identidad.
El primer film de Gastón Biraben, ganador del premio del INCAA al mejor guión de ópera prima, comenzó a producirse en 2001 en plena crisis argentina y es a la vez, el debut cinematográfico de Bárbara Lombardo ("Resistiré", "Los Roldán") y Mercedes Funes ("Padre Coraje", "El Graduado"). Corralito y cambios de conducción en el INCAA mediante, el equipo logró terminar la película en el año 2003 y se presentó en nuestras tierras en marzo de este año, con motivo del festival de cine de Mar del Plata.
En el film se nota la mano de un realizador avezado, sobre todo en los detalles de encuadre y sonido. El guión se sostiene fuertemente en los gestos y silencios de los personajes, en la música incidental, en los diálogos. El trabajo físico queda supeditado a la complejidad psicológica y en este sentido, todos los actores se muestran solventes.
Palabras aparte para Susana Campos (imposible no encariñarse con esta Nana, abuela biológica de Cristina/Sofía) en uno de sus últimos trabajos; para Osvaldo Santoro y Silvia Baylé como los padres adoptivos y una Mercedes Funes que va encontrando su registro y equilibrio a medida que transcurre la película. Bárbara Lombardo se apoya en un fisique du rol apropiado y en una medida contención gestual, haciendo verosímil más que creíble, a esta adolescente en crisis.
Si bien el drama se centra en la figura de Cristina/Sofía (sus vivencias, su búsqueda), la historia reciente de la Argentina sobrevuela en todo momento; el tema de la militancia se roza sutilmente, en breves planos congelados, rara vez explícito. Es con este pasado que el cine argentino tiene la deuda más grande.
El Dato: El próximo jueves 27 se dará un curioso hecho para Gastón Biraben. Competirá consigo mismo. Por un lado con Cautiva, como director, guionista y productor y por el otro con La Leyenda del Zorro, donde se desempeño como editor de diálogos.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 70% del valor de una entrada.

CAUTIVA, DOS NOMBRES... UNA VERDAD: Con Bárbara Lombardo, Susana Campos, Hugo Arana, Osvaldo Santoro, Lidia Catalano, - Guión, Producción y Dirección de Gastón Biraben - 113 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL VIAJE INOLVIDABLE: Road movie étnico

Un tablao en Sevilla, las fuentes públicas de una aldea francesa, el paisaje árido de Marruecos, son los escenarios que recorren Zano (Romain Duris, "Piso compartido") y Naïma (Lubna Azabal, "Les temps qui changent", "Paradise Now") en esta película que captura la emotividad y los sentidos.
Zano es un joven de ascendencia argelina que impulsivamente emprende un viaje hacia sus orígenes. Acompañado por Naïma, su ciclotímica novia, atraviesan la Europa meridional y el Africa en un viaje de exploración y búsqueda, que terminará revelándoles mucho sobre sí mismos.
En este film del director argelino Tony Gatlif (que sólo estrenó dos películas en Argentina, "El extranjero loco" y "Gitano") el leitmotiv constante, a veces agobiante por su elocuencia, es la música. El mismo realizador compuso gran parte de la banda sonora que acompaña a los viajeros; ya incidentalmente, ya a través de los walkman que nos permiten compartir la música que ellos oyen.
La música es diferente en cada lugar: flamenco en España, lamentos árabes en Marruecos, tecno francés y español con reminiscencias étnicas... Cada melodía es un escenario, y la música sólo deja paso a pequeños silencios muy expresivos, que llenan las miradas y los gestos de estos talentosos actores.
A medida que avanzan en su camino, Zano y Naïma revelan (y se revelan entre sí) parte de su historia. Contrasta la claridad de la historia de Zano con las zonas oscuras del origen de Naïma; la serenidad de él con el histrionismo de ella. Los conflictos, soterrados, no alteran el ritmo de la película y el clímax llega en Argelia, con la misma coherencia con que transcurrió el relato.
El exilio y el retorno a las raíces se presenta aquí como el motor de la búsqueda de identidad por parte de dos personas que no encuentran un rumbo claro a sus vidas. De Argelia volverán cambiados, y también despojados; se trata de un viaje de autoconocimiento y auténtica liberación.
Nuestra calificación: Esta película justifica el 80% del valor de una entrada.

EL VIAJE INOLVIDABLE (Exils) - Con Romain Duris y Lubna Azabal - Producida por Princes Film - Guión y Dirección de Tony Gatlif - 103 minutos - Apta para mayores de 13 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

MILLONES: “El dinero es una cosa y las cosas cambian”

"Cuando alguien compra una casa no dice la puerta es de color verde, sino que hablan de cuanto les costó y a cuanto piensan venderla..." La reflexión le pertenece a Damian, de ochos años, y es motivada por la mudanza a una nueva casa y un nuevo vecindario junto a su hermano Anthony, de diez, y su padre viudo.
Desde el incio descubrimos en Damian una gran espiritualidad que contrasta con el materialismo de su hermano mayor. El menor de la familia conoce a cada santo de la iglesia como cualquier niño conocería a los jugadores de su equipo de fútbol favorito. Claro que no solo cree sino que los visualiza y hasta dialoga con ellos en busca de consejos que lo guien en sus actos diarios.
Consejos que comenzará a necesitar cuando imprevistamente, mientras juega al costado de una vía del ferrocarril, le cae del cielo un bolso repleto de dinero. Al menos de allí piensa él que viene semejante millonada.
Habrá problemas de los cuales solo diremos que uno es la necesidad de gastar ese dinero cuanto antes, porque en pocos días Gran Bretaña unificará su moneda con el resto de Europa.
Y Damian decide que buscar pobres a quienes darles dinero es una buena solución.
Danny Boyle (Tumba al ras de la tierra, Trainspottig) nos ofrece en esta ocasión un cuento narrado por uno de sus protagonistas, estilo que habitualmente utiliza en sus films, en este caso un niño cuya mirada es la que impregna el relato, no solo en cuanto a lo narrativo sino también en lo visual.
Destacada fotografía que pone el color y la luz adecuada para cada escena y lo que se pretende representar en ella, además de un manejo de cámara que no teme recordarnos que estamos frente una ficción, logrando adentrarnos aún más en el juego que de por sí el cine nos propone.
Alex Etel como Damian posee la frescura y candidez que la historia requiere mientras que Lewis McGibbon como el hermano mayor con los pies sobre la tierra, cumple sobradamente con su rol.
Nuestra calificación: Este film justifica el 80% del valor de una entrada.

MILLONES (Millions) – Con Alex Etel, Lewis McGibbon, James Nesbitt, Daisy Donovan y Christopher Fulford – Guión de Frank Cottrell Boyce – Producida por Graham Broadbent, Andrew Hauptman, Damian Jones y Mission Pictures – Dirigida por Danny Boyle – 98 minutos – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de Octubre de 2005

ADICTOS AL S E X O: Psicho-billy S e x

Harford Road ya no es lo que era. Este pueblo de Baltimore está siendo invadido por la inmoralidad y el libertinaje. Sus habitantes tienen que convivir con nuevos vecinos corpulentos y homosexuales autodenominados "osos", gente caliente por las calles y una de sus familias hasta debe tener a su hija bajo llave y candado, en arresto domiciliario, por exhibición obscena.
La familia Stickles es la protagonista de esta historia. Sylvia (Tracy Ullman) y Vaughn (Chris Isaak) son puritanos que padecen los arrebatos de Caprice (Selma Blair), Ursula Ubres para sus fans, que ya ha operado sus tetas hasta el límite del estallido y gusta de hacer shows de strip tease donde y como sea. Eso la llevó al arresto que cumple en su hogar.
Pero es una mañana cuando Sylvia queda varada en medio de una avenida, sin combusitble en su coche, que recibe un golpe en la cabeza y las cosas cambiarán radicalmente. A partir de esa contusión su líbido despertará, se convertirá en una ninfómana y descubrirá los secretos de un pueblo que esconde más de lo que muestra.
John Waters, director que despierta esnobismo, adoración y repulsión por igual, supo ganarse el mote de trangresor con un cine de contracultura, kitsch y provocativo. Fue en los tempranos setentas cuando dirigió "Pink Flamingos" donde el travestido Divine comía mierda de perro en cámara y escandalizaba a la crítica e incautos espectadores.
Lo cierto es que la propuesta de Waters hace foco en una sociedad que en lo moral poco tiene que ver con los latinos, y su propuesta, más petardista que artística, busca molestar a los sectores más hipócritas de los Estados Unidos, al tiempo que logra divertir con elementos característicos de su estilo que bien supieron absorber, entre otros, los creadores de South Park.
Lejos de la eficacia que supo tener en "Cry Baby" (con Johnny Depp e Iggy Pop, 1990), Waters aún se mantiene fiel a su espíritu, forma de encuadre, montaje y musicalización. Jerry Lee Lewis y Billy Lee Riley, son algunos de los que aportan su rock caliente a la banda de sonido.
Humor guarro que remite al primer Almodóvar, con algunos gags bien logrados y actuaciones a tono con la satírica propuesta. No aburre, pero el efecto que seguramente busca generar en los espectadores tendrá que ser logrado en otras latitudes. Acá no hay cuáqueros que asustar.
El Dato: Sólo una copia disponible en el Hoyts Abasto.
Nuestra Calificación: Este film justifica el 60 % del valor de una entrada.

ADICTOS AL SEXO (A Dirty Shame) – Con Tracy Ullman, Chris Isaak, Johnny Knoxville, Selma Blair – Producida por Christine Vachon y Ted Hope – Escrita y Dirigida por John Waters – 89 minutos – Solo apta para mayores de 18 años – Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 20 de octubre.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA: triángulo de amor bizarro, en clave de animación

Tim Burton vuelve a las raíces del entretenimiento que lo hizo memorable, con un producto de exquisita factura que no sólo demuestra su vigencia, sino cuán lejos es posible llegar todavía dentro de un género como el stop-motion.
Producida y rodada casi en simultáneo con su producción de estreno más reciente, "Charlie y la Fábrica de Chocolate", esta película que apenas supera el medio-metraje revela al Burton que se hizo de una verdadera legión de seguidores a pulso, por obra y gracia de un simpático anti-héroe llamado Jack
Victor (con la voz de Johnny Depp en la versión original) también es en cierto modo un antihéroe. Hijo de un comerciante de pescado, nuevo-rico y arribista, va a casarse muy pronto con la hija de un par de aristócratas venidos a menos. Nunca se vieron antes, pero desde el primer encuentro queda claro que pueden llegar a llevarse bien... Eso, si Victor no mete la pata antes.
Echado del ensayo de la ceremonia por el pastor (Christopher Lee, quién más), Victor llega al bosque y trata de practicar los votos usando como escenografía los troncos de los árboles a su alrededor. Pero incluso esto le sale mal... ya que termina desposando accidental e insólitamente, al cadáver de una novia que estaba enterrada en ese mismo lugar.
Construida en torno a guiños simples e inteligentes, que el público puede interpretar o disfrutar a elección, esta película se disfruta ampliamente cuanto más nos alejamos de la niñez. Hay algo de morbo "naïf" en las imágenes, la música, las situaciones que tienen lugar entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Un encanto aterrador y fatalista flota a lo largo de la historia de Emily, esa novia a la que mataron la noche misma en que iba a fugarse con su amor.
Habrá lugar para una cierta moraleja, pero es innegable que la moralidad está fuera de cuestión en este atractivo "cuento terrorífico-de hadas". Las voces de los actores, sus inflexiones, sus tonos, logran algo bien difícil en la industria de la animación, use la técnica que use: credibilidad. Cuesta recordar de a ratos, que detrás de estos prodigiosos muñecos hay personas de carne y hueso; que las voces les son prestadas.
Para abreviar, el último film de Tim Burton es disfrutable cien por cien, aunque más no sea por sus méritos técnicos (que son muchos) y ofrece de yapa una historia sencilla, romántica aunque no cursi, que cierra en un círculo perfecto. ¿Lo ideal? verla subtitulada y sin niños. ¿Lo peor? Que deja esa sensación de haber terminado tan rápido...
Nuestra calificación: Esta película justifica el 90 % del valor de una entrada.

EL CÁDAVER DE LA NOVIA (Corpse bride) - Con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson y Christopher Lee (Se presentan 18 copias subtituladas y 22 dobladas al castellano, las cuales no recomendamos) - Guión de John August, Caroline Thompson, Pamela Pettler - Producida por Allison Abbate y Tim Burton - Dirigida por Mike Jonson y Tim Burton - 77 minutos - Apta para todo público - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

AZUL EXTREMO: Haciendo agua entre National Geographic y Miami Vice

Con una estética a medio camino entre lo mejor del documental de cable y lo peor de Baywatch, la película de John Stockwell deriva un entretenimiento a medias, previsible y pasatista.
Una pareja de jóvenes y hermosos buceadores, interpretados por Paul Walker ("Rápido y furioso") y la ascendente Jessica Alba ("Los cuatro fantásticos", "La ciudad del pecado") viven tranquilamente en Bahamas. Pasan penurias económicas, y tienen un bote que se cae a pedazos y que él sueña con poner a punto para buscar por fin los tesoros hundidos con que siempre soñó. Mientras tanto, se ganan la vida como pueden.
Un día, el mejor amigo abogado llega de la ciudad. Trae consigo a una mujer a la que conoció en el avión, y viene a disfrutar de su buena racha con la parejita de buzos a la que tanto quiere. Lo que parecía iba a ser un fin de semana a pleno sol, jet ski y buceo aficionado, deriva en problemas cuando el grupo realiza un inesperado hallazgo a algunos kilómetros de la costa.
Si bien la calidad de las imágenes es impecable y la música acompaña con generosidad cada secuencia, a este film le queda muy holgado cualquier género en que busque encasillarse. La acción se limita a algunas escenas acuáticas muy bien logradas en lo visual, pero totalmente inverosímiles; por lo pronto,. todos los personajes son capaces de aguantar la respiración por más de cinco minutos.
Cualquier intento de sostenerse mediante el suspenso se ve truncado por la obviedad y los gruesos errores de continuidad que presenta la trama. Los actores tienen un lucimiento acotado, pero el guión no amerita mayor brillantez, y si sumamos todos los ingredientes caemos en la cuenta de que "Azul Extremo" logra lo peor: Aburrir. Los minutos se hacen eternos, y la sucesión de clichés y lugares comunes no contribuye a hacerlos llevaderos.
Cuesta creer que tanta oferta de buen cine sea desplazada por esta clase de films, agravando la tendencia de estos últimos tiempos de ocupar pantallas sistemáticamente para asegurar la continuidad de la industria mainstream.
En síntesis: mejor mire la semana del Tiburón en Discovery Channel, y si se queda con ganas de cuespos bronceados, siempre puede recurrir a las viejas series que repite el cable.
Nuestra calificación: Esta película apenas justifica el 40% del valor de una entrada.

AZUL EXTREMO (Into the blue) - Con Paul Walker, Jessica Alba, Scott Caan, Ashley Scott - Guión de Matt Johnson - Producida por David Zelon - Dirigida por John Stockwell - 108 minutos - Apta para mayores de 16 años - Estreno en la ciudad de Buenos Aires: 13 de octubre.

WALLACE & GROMIT: Aire fresco con olor a plastilina

En una época donde las películas animadas solo parecen funcionar si son realizadas en 3D por computadora y haciendo chistes sin sentido, este dúo dinámico de muñecos de metal y plastilina llega para reafirmar que la calidad no está en la técnica y, de paso, para redefinir el "humor inglés".
Aunque parezca mentira, hace más de 20 años Nick Park, director del film, traía al mundo a esta pareja despareja, y costaron varios cortos, 2 premios Oscar, y otro film totalmente diferente para que los estudios Aardman se aventuraran con un largometraje de Wallace & Gromit.
La Batalla de los Vegetales embarca a nuestros héroes en una aventura anti-plagas en la que deberán liberar a la ciudad de una infestación de voraces y tiernos conejos que amenazan con arruinar el concurso anual de vegetales gigantes, el evento más importante de la comunidad, y en el que se compite por la Zanahoria de Oro. Pero como anuncia el título, las cosas se complicarán en "gran" medida.
Wallace & Gromit siempre se han caracterizado por sus peculiaridades y su humor inglés bien marcado, que sorprende por lo ingenioso mientras mantiene un nivel de inocencia poco común en estos días. Por suerte, todo ese espíritu que convirtió a este dúo en íconos de la animación, se mantiene en esta nueva aventura y se multiplica para que toda la familia sonría por 83 minutos corridos mientras descubre los extraños inventos del excéntrico Wallace, la lealtad silenciosa de su perro Gromit y a decenas de simpáticos conejitos, en una historia que tiene su buena cuota de aventura, misterio, risas y hasta romance.
Plagada de referencias al género de monstruos y gags escondidos en cada línea de diálogo y hasta en el último objeto de la escenografía, la pareja no invita a ser parte de su mundo. Un mundo en el que las cosas existen, son palpables, se sienten y tienen olor a plastilina. No hay cosas animadas en este universo, sino que tienen vida propia.
Este es finalmente un verdadero film para toda la familia, donde los niños no tendrán que conformarse solamente con ver cómo se golpean unos muñecos mientras los diálogos y sus chistes les pasan por encima, y los adultos serán los que insistan en volver a verla.

Como yapa se podrá ver en exclusiva antes del film, el estreno del corto animado de Dreamworks “Los Pingüinos de Madagascar en una Misión Navideña”.

Nuestra calificación: Este film justifica el 100 % del valor de una entrada.

WALLACE Y GROMIT, LA BATALLA DE LOS VEGETALES (Wallace & Gromit, The Curse of the Were-Rabbit) Con las voces de Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter (En las copias subtituladas que se presentan en el Village Recoleta, Hoyts Abasto, Hoyts Martinez y Cinemark Palermo) - Guión: Nick Park, Steve Box, Mark Burton y Billy Frolick - Producción: Aardman Features - Peter Lord, David Sproxton, Nick Park - Dirección: Steve Box y Nick Park - 83 minutos - Apta para Todo Público - Estreno en la ciudad de buenos Aires: 06 de octubre.